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Veröffentlicht am 11-03-2019

5th Land Art Mongolia - eine wunderschöne, mystische, unerforschte Ebene

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„Die Beziehung einer Nicht-Site zur Site ist wie die der Sprache zur Welt: Sie ist bedeutsam und die Site ist das, was bezeichnet wird“ von Robert Smithson

Die Land Art Biennial wird alle zwei Jahre von der LAM360 NGO an abgelegenen Orten in der Mongolei organisiert. Der offene Aufruf zur Einreichung von Vorschlägen lädt Künstler aus allen Teilen der Welt ein. In diesem Jahr wird der Veranstaltungsort von Lewis Biggs, ehemaliger Kurator von Tate Liverpool, kuratiert, derzeit Chefkurator der Folkestone-Triennale, zusammen mit dem Hilfskurator Solongoo Tseekhuu. Sie wählten 23 internationale Künstler aus verschiedenen Hintergründen aus, die unter dem Slogan „Dialog über den aktuellen Menschen Werte".

Dieses Jahr hatte ich die Gelegenheit, die Baustelle zu besuchen. Ich wurde von einem Kameramann begleitet, der für das Schweizer Fernsehen SRF2 eingestellt wurde, um einen kurzen Bericht über den Veranstaltungsort zu erstellen. Bei unserer Ankunft auf der Baustelle haben wir die Künstlerin Sophie Guyot / b.1970/ aus Lausanne in der Schweiz getroffen, mit der sie gerade beschäftigt war. Sophie ist eine Konzeptkünstlerin, die für ihre Lichtinstallationen bekannt ist. Sie verwendet oft Wörter und Zeichen, die immer mit dem Fragezeichen enden. Sie erklärt es: "Mein Kunstwerk wird nicht nur die Menschen umfassen, die es sehen werden, sondern auch die Menschen, die hier leben, der Link Maker, der die Menschen verbinden wird, und das Kunstwerk wird eine leichte Diskussion hervorrufen". Ihre Arbeit für die Biennale ist eine ortsspezifische Installation mit zwei Seiten, erstens die dokumentierte Interaktion mit einheimischen Nomadenpferden. Es wird sich um unsere Beziehung zu den Pferden handeln. Lokale Pferdezüchter halfen Sophie, Werte und Geschichten über Pferdezuchtpraktiken auszutauschen, da Sophies Mutter Pferdezüchterin war.

ЦОГИО? -CANTER -CALOP? - von Sophie Gouyot 20185. Land Art Mongolei BiennaleFotografie: Bat-Orgil.B, Foto mit freundlicher Genehmigung von LAM360

Und sie kam mit dem Wort „ОГИО? -CANTER -CALOP? ”In kyrillischer Schrift. Der zweite Teil ist die Installation auf dem Berg in einer Größe von 100 x 30 Metern. Sie wird Holzstöcke anbringen, wo auf jedem Stock rote Fahrradleuchten angebracht sind, die während der Nacht aufleuchten kann nur von einem bestimmten Punkt gelesen werden.

„Wir haben Raum und Zeit hier, ihr Aluxur und auch die perfekte Sache in der Welt, Sophie Guyot

Die Wurzel der Erdkunst der Mongolei kann in sehr alte Zeiten zurückreichen. Antike Bauten, frühe Begräbniskomplexe und andere Denkmäler, die man in allen Ebenen der Mongolei sehen kann, können aus der Steinzeit stammen. Steinskulpturen, Felsmalereien und Grabstätten sind sehr wertvolle Materialien für das Studium der Urkunst. Das erste offizielle Landkunstereignis in der Mongolei wurde von Dalkh-Ochir Yondonjunai, einem Künstler und Kurator von Green Horse Collective, initiiert, das 1997 unter dem Titel Earth Art initiiert wurde. Ab 2004 gründete die Blue Sun Contemporary Art Group in Zusammenarbeit mit dem Swedish Institute Das erste internationale Land Art Projekt in der Mongolei wurde unter dem Motto „Art Camp“ organisiert und auf dem Undurulaan-Berg der Provinz Tuv ausgewählt. Künstler aus Schweden, der Mongolei, Großbritannien und Japan machten Erdarbeiten, die zu einer gemeinsamen Ausstellung mit Workshops und Gesprächen führten Veranstaltungen. Im Jahr 2008 führte der Arts Council der Mongolei unter dem Titel „Time and Space“ Land Art Locations durch. Die erste Biennale der Land Art Mongolia wird seit 2010 von der LAM 360 ° NGO organisiert, die vom Kunstpaar Marc Schmitz und Dolgor Ser-Od gegründet wurde. Ihr Beitrag zur Land Art in der Mongolei ist von entscheidender Bedeutung. Die 5. Land Art Mongolia Biennial wurde im Kunstreiseführer von Sotheby's von Tim Marlow, dem künstlerischen Leiter der RAA, für eine der wichtigsten Museen des Sommers 2018 zitiert.

Auf den Hügeln des spitzen felsigen Berges, den ich mit dem Künstler Zheng Lu getroffen habe, lebt und arbeitet er in Peking, wurde jedoch in der Inneren Mongolei in China geboren. Lu ist besorgt über den Verlust der kulturellen Vielfalt in Asien, der durch die globale Homogenisierung entsteht. Seine Praxis berührt eine Vielzahl von Kunstformen, darunter Installation, Skulptur, Medien, Bühne und Kunst im öffentlichen Raum, die stark von seinem Studium der traditionellen chinesischen Kalligraphie beeinflusst werden. An der Baustelle sah ein Klebeband, das von den zwei Holzstangen gespannt wurde, die an der Spitze von Felsblöcken befestigt sind, die 20 Meter voneinander entfernt waren, während der Künstler am zweiten Teil der Installation arbeitete, wo Lu in der nahegelegenen Spalte lag drei weitere Bildschirme mit Klebebändern, die an kommerzielle Banner angelehnt waren, nur anstelle von Leinwänden gibt es ein Klebeband, das alles sammelt, was durch den Wind gebracht werden soll: sichtbare und unsichtbare, organische und anorganische Fragmente und Partikel aus der Landschaft. In dieser Arbeit beschreibt Lu, dass der Wind das vorherrschende Element in der Landschaft ist, das zum "aktiven Prinzip" wird und Partikel bewegt, wenn Menschen auf der Welt durch Kräfte bewegt werden, die mächtig, aber auch unbesiegbar sind. Die Zweidimensionalität der Ansammlung von Staub auf dem Klebeband wirkt wie eine Zeichnung.

FRAGMENT - von Zheng Lu20185. Land Art Mongolia Biennale

Foto: Batjil.B, ArtAvenue.mn

Können wir uns bei einer zweidimensionalen Aufnahme ein Leben in drei Dimensionen vorstellen? Zhengs Aufmerksamkeit für das Unauffällige ist ein Weg, die Vielfalt einzigartiger Teilchen zu würdigen, die zusammen die Landschaft bilden.

Ich hatte auch ein interessantes Gespräch mit Junichiro Iwase, einem kanadischen Künstler japanischer Abstammung, der in Britisch-Kolumbien lebt und arbeitet. Iwase ist bekannt für seine Skulpturen und Gemälde auf Eierschalen als Hauptthema seiner Arbeit. Die natürliche Repräsentation der Eierschale, die dem Innen- und Außenraum ähneln kann, zieht Iwase dazu, alternative Ansichten über die zeitgenössische Gesellschaft zu erkunden. Die Begegnung mit der Site-Arbeit wird oft durch das Wissen des Betrachters gefiltert. Die Kunst, die auf einer Site dargestellt wird, kann einen Kontext erstellen, der die Arbeit / Betrachter-Beziehung verbindet und trennt. Junichiro Iwase erforscht, wie eine Spannung zwischen Skulptur und Raum kontinuierlich hervorgerufen werden kann. Das Thema seines auf der Biennale entstandenen Stücks war Land Scale - „Lass uns die Natur mit der Natur selbst messen“. Junichiro Iwase beabsichtigt, Gespräche über die Beziehung zwischen „Mensch“ und „Natur“ in unserem gegenwärtigen Kontext der Globalisierung zu eröffnen. Letztendlich hofft diese Installation, Erkenntnisse zum Thema "Wer sind wir jetzt?"

Land Scale basiert auf dem als Level bekannten Werkzeug des Zimmermanns. Diese Ebene dient als Metapher für „Gleichgewicht“, sowohl konzeptuell als auch materiell. Es wird als langer zylindrischer Behälter dargestellt, der mit gerade genug farbiger Flüssigkeit gefüllt ist, damit sich das Wasser horizontal zum Boden ausrichten kann.

Land Scale von Junichiro Iwase20185. Land Art Mongolei Biennale Ortsspezifische Installation: Nivellierungswasser

Foto mit freundlicher Genehmigung: Bat-Orgil.B, LAM360

Mit Murum Sum / Khentii Aimag als Umgebung wird die Installation als Barometer des Gleichgewichts zwischen Mensch und Natur dienen, ein Thema, das heute wichtiger ist als je zuvor in der Menschheitsgeschichte. Ich kam daher zu dem Schluss, dass Land Art im Allgemeinen uns hilft, unseren Standort in der Welt zu kartieren.

Ich bin Odmaa Uranchimeg bei ihrer laufenden Arbeit am Ende des Lagers begegnet. Odmaa ist eine aufstrebende zeitgenössische Künstlerin, sie ist stolz auf ihr nationales Erbe und zeigt die mongolische Gesellschaft in ihrer ganzen Komplexität. Odmaa ist eine aufstrebende Keramikkünstlerin, die in Ulaanbaatar in der Mongolei lebt und lebt. Sie ist bekannt für ihre Arbeiten und Installationen mit Keramik. Odmaa Uranchimegs Werk "My Inner Is In The Inside 2" für LAM 2018 besteht aus zwei großen weißen Flügeln, die an einem Ger befestigt werden können. Es folgt eine frühere Arbeit, in der sie einem Schaf ein kleines Flügelpaar anhängt. Wenn sich das Schaf bewegte, bewegten sich auch die Flügel, als ob das Schaf fliegen würde. Sie hatte das Gefühl, dass die Flügel dem Tier mehr Freiheit gaben, und drückte seine angeborene Majestät und Eigenschaften aus.

Beide Werke entstammen der ständigen Beschäftigung des Künstlers mit dem Grundsatz, dass Bewegung an sich das Gleichgewicht ist. Die Flügel sind eine Repräsentation der Bewegung, und die Idee der Bewegung lässt alle Objekte eine größere Würde bekommen. Normalerweise vergessen wir die Tatsache, dass sich alles bewegt. Durch das Anbringen von Flügeln an leblosen Objekten zeigt Odmaa, dass sich alles in Bewegung befindet. und weil alles in Bewegung ist, hat auch alles die Möglichkeit, das eigene Gleichgewicht wieder herzustellen.

My Inner Is In The Inside 2 von Odmaa Uranchimeg20185. Land Art Mongolia BiennialSite-spezifische Installation: Paar große Flügel, die an einem Ger befestigt sind

Foto mit freundlicher Genehmigung: Batjil.B, ArtAvenue.mn

Wie Odmaa sagt: „Alles wird durch Bewegung geschaffen. Um uns herum gibt es unsichtbare Bewegungen, Veränderungen und Verschiebungen. Unsere Natur, Gesellschaft und Tradition, alles bewegt und verändert sich. In der modernen Zeit bewegt sich alles so schnell. Die Industrialisierung hat die globale Erwärmung bewirkt und wir versuchen Wege zu finden, um der Erwärmung entgegenzuwirken und damit zu überleben.

„Unsere Erde heilt sich selbst Es schafft Gleichgewicht in sich und um es herum, aber der Mensch zerstört dieses Gleichgewicht. Wir sollten unserer Erde eine Chance geben, sich selbst zu heilen. Wir können aus der Nomadenkultur einen Weg finden, mit unserer Natur zu leben. Die Bergbauindustrie zerstört unsere Kultur und Umwelt, aber die Kultur selbst hat die Kraft, sie zu überleben. “Odmaa

Tanya P Johnson ist eine bildende Künstlerin, die im Slocan Valley in British Columbia lebt und Teilzeit in Kapstadt, Südafrika. Johnson hat ihre Bildsprache in verschiedene Medien übersetzt, darunter Papierschnitt, Druckgrafik, Collage, Installation, Design, Malen im öffentlichen Raum und Zusammenarbeit mit Theaterautoren und Choreographen. Ihre Kunstpraxis untersucht Kanten, Zugehörigkeit, reale Geschichte, Schwellen, Unsichtbares und Verhältnis zu Land. Sie interessiert sich für das Übernatürliche, die Transformation, Kultur, Sprache, Kosmologie und Vorfahren.

Story Keepers von Tanya P Johnson20185. Land Art Biennale der Mongolei Ortsspezifische Installation: gesammelte Objekte

Foto mit freundlicher Genehmigung: Bat-Orgil.B, LAM360

Nach ihrer Ankunft in Murun wurde Tanya Johnsons Arbeitsweise durch die Interaktion mit den Menschen und die Art und Weise ihrer Zugehörigkeit zu ihrer Kultur und ihrem Land aufgezeigt. Sie verbrachte zwei Tage damit, Geschichten an das Land zu schreiben und ein „Opfer“ von sieben Geschichten zu machen, während sie im Uhrzeigersinn um den günstigen Berg ging, der den Campingplatz in der Nähe von Murun Sum überblickt. Die Geschichten wurden in Mehl, Salz und Wasser geschrieben und waren als Mittel zur Ernährung des Landes gedacht. Dies war ein bewusster zeremonieller oder ritueller Auftakt für die folgende Arbeit.

Der Künstler schreibt: „Die Anthropomorphs sind von den alten mongolischen mythischen und übernatürlichen geflügelten Vogelmenschen inspiriert, die Galbinga genannt werden. Sie wurden aus gefundenen und natürlichen Objekten zusammengestellt. Die integrierten Musikinstrumententeile symbolisieren Fahrzeuge für die Geschichte. Ein erfundener Text namens Wordmaps, der Geschichte und Rückstände des Handels, menschliche Interaktion und ein selbstgeschriebenes Protokoll (das die Ausleihe von Wörtern aus einer Kultur, die nicht meine eigene ist) sanktioniert, ist auf den Instrumenten eingetragen. Die Bedeutungen der eingeschlossenen Wörter sind: Lied, Atem, Geschichte, Gelächter und Traum. Die gewählten Farben und Motive deuten auf Dosen und Türen hin. Sie hatte eine Möglichkeit, auf Truhenschubladen zu verweisen, und es wird weiter auf die Idee verwiesen, Geschichten und verwurzelte Familienobjekte zu halten oder zu enthalten. Tanya Johnsons "Story Keepers" -Installation kann sowohl als ortsspezifische Kunst als auch als Land Art (auch als Erdkunst oder Erdarbeiten bezeichnet) betrachtet werden. Tanya Johnson hat eine Installation geschaffen, die die Natur mit einem Faden verbindet, der die Arbeit bindet. Dies ist die Referenz zu Nähen und Story-as-Thread, die die Welt verbindet und die Menschen aneinander, an ihre Kultur und an das Land bindet. “

Meine Inspiration für diese Arbeit (natürlich überlagert) beruht auf meiner Wahrnehmung der Kosmologien und der Ausdrucksweise der Beziehung zu dem Unsichtbaren, das ich in der Mongolei gesehen habe. Dazu gehören Opfergaben in den Tempeln, Milchopfergaben und das Wissen um den Schamanismus, aber noch keine Erfahrung. Tanya P.Johnson

Tanyas Arbeit faszinierte mich zu denken, dass die Entwicklung der Linguistik und der Semiologie unseres Jahrhunderts praktisch die vorherrschende Rolle der Sprache bei der Bildung von psychischen und gedanklichen Prozessen entdeckt hat. Wenn das Beste der Literatur seine Existenzberechtigung auf den Mechanismus des Schreibens (Proust, Mallarmé, Joyce) gestützt hat, hat sich auch die Möglichkeit offenbart, dass Sprache eine intrinsische Quelle von Kunstfertigkeit und Illusion ist, wie dies bereits zuvor bekannt war. im Falle von Malerei oder Bild.

Ein nomadisches Diptychon von Ronald Van Der Meij20185. Land Art Mongolei BiennaleSite-spezifische Installation: Solarbetriebene, selbst spielende nomadische Instrumente

Foto mit freundlicher Genehmigung: Bat-Orgil.B, LAM360

Der Künstler Ronald Van Der Meij legte 16 Tage lang 14.000 Kilometer auf dem ehemaligen Weg der Seidenstraße zurück und dokumentierte Perspektiven traditioneller nomadischer Musik in seiner zeitgenössischen Manifestation. Auf dem Weg sammelte der Künstler nomadische Instrumente der Reise, die die Vielfalt der nomadischen Kulturen in Zentralasien bezeugt. Die Arbeit für die Biennale ist "A Nomadic Diptych". Sie besteht aus den gesammelten Instrumenten, die unter Verwendung von Sonnenkollektoren selbst gespielt wurden, und aus nomadischen Zelten abgeleitete Konstruktionstechniken. Der Standort erweckt die Instrumente in einer Klangkomposition zum Leben, die von den Rhythmen der Natur (Sonne, Wolken, Wind) bestimmt wird. Dieses „Spiel“ der Elemente weist Ähnlichkeiten mit der menschlichen Musik auf - die daraus resultierende Zusammensetzung von Tonhöhe und Ton, zu der die Instrumente fähig sind. Dies ist schließlich ähnlich wie die Menschen auf ihre Umgebung reagieren. Hier gehen Moderne und Tradition Hand in Hand, um eine universelle Sprache für die Menschheit zu suchen, beschreibt Ronald.

Am 10. August fand in der Mongolian National Modern Art Gallery die Präsentationsausstellung der 5. Land Art Mongolia Biennial statt, die hauptsächlich Dokumentationen der standortspezifischen Installationen und Werke umfasste. Manchmal ist die Dokumentation die Arbeit, weil es unmöglich ist, sie in der Galeereumgebung zu erleben. Durch die Präsentation der Arbeiten und Ideen von Künstlern mit unterschiedlichen kulturellen Hintergründen und aus verschiedenen Generationen soll die Biennale eine Diskussion auslösen und ein Bewusstsein für unsere menschlichen Werte in Zeit und Raum schaffen.

Wir sind daran interessiert, heute eine Diskussion über menschliche Werte zu eröffnen, die in einer der abgelegensten Gegenden der Welt zur Schau auf den Biennalen der Hauptstadt Ulaanbaatar stattfinden wird, um einen gegenseitigen Austausch zu diesen Themen zu fördern. Lewis Biggs

Alles in allem übertraf mein Eindruck für die diesjährige Biennale meine Erwartungen und ich denke, dass Land Art für die Künstler von wesentlicher Bedeutung ist. Die Kunst muss, wenn sie für irgendetwas gut sein soll, diese Frage nach dem Ort des Seins im Ganzen, natürlich, sozial und kulturell stellen. Eine Kunst aus wenigen Worten und noch weniger Bildern, aber so nah an dem Leben, dass wir glauben könnten, wenn wir dazu in der Lage wären, dass diese Kunst uns dazu bringen könnte, die Dinge zu sehen und zu fühlen, die uns verboten wurden.

Batjil Bayar

Siehe auch

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