Eine Choreographie der Ideen

„Warum nennen wir Dante Alighieri beim Vornamen? Weil Dante unser Freund ist. “ (Namensnennung unbekannt)

Der Kritiker oder Künstler, dem man vertrauen will, muss bereit sein, verletzlich und fehlerhaft zu sein. Sie muss bereit sein, sich zu irren. Sie muss bereit sein zu riskieren. Und es ist für die Kritikerin nicht weniger schrecklich, sich zu offenbaren als für die Tänzerin, Choreografin, Schauspielerin, Künstlerin oder Musikerin.

Stellen Sie sich zunächst in Zeit, Raum und kulturellen Kontext und zeigen Sie sich - wenn auch elliptisch - dem Leser. Das ist wichtig. Wenn sie den Geschichtenerzähler nicht kennen, interessiert sie die Geschichte nicht. Wenn sie dir nicht vertrauen können, können sie nicht vertrauen, was du sagst. Zeigen Sie Ihre Vorurteile auf und artikulieren Sie Ihre Position, die auf mehrere Achsen abgebildet ist. Sei freundlich.

"Hallo und Willkommen." Ich bin fast 50 Jahre alt. Ich bin männlich, als weiß, jüdisch erzogen. Ich bin in einem Vorort von Baltimore aufgewachsen. Ich zog nach Evanston, IL zum College. Ich bin nach Seattle, WA gezogen. Ich war einmal auf einem Benefizalbum mit Nirvana, Pearl Jam und Soundgarden. Ich habe zu viel getrunken und Drogen genommen. Ich leide an Depressionen und Angstzuständen. Ich bin nach New York City gezogen und habe die zweifelhafte Auszeichnung, die erste Person auf dem Planeten zu sein, die den 11. September bloggt. Ich bin einmal für den Bürgermeister von NYC gelaufen. Ich habe 2003 eine Kunstwebsite gestartet, die immer noch veröffentlicht wird. Ich habe an Orten wie Performance Space 122 und dem Lower Manhattan Cultural Council gearbeitet. Ich organisierte ein Basisforschungsprojekt zur Ökonomie der kulturellen Produktion in den darstellenden Künsten. Ich habe ein großartiges Stipendium für Kunstautoren für ein wirklich interessantes Projekt bekommen, aber ich habe es irgendwie versaut. Ich habe geheiratet, was einige Leute angesichts meiner Geschichte überrascht hat, und es war das Beste, was mir je passiert ist. Ich bin nach San Diego gezogen und habe viel über Amerika gelernt. Jetzt lebe ich in Los Angeles und fühlte mich bis vor kurzem verschwunden, verdunstet, zerfallend, nicht festgemacht - ein Fremder, der in einem fremden Land treibt und nirgends eine Leine befestigen kann. Die Dinge sind in letzter Zeit besser geworden. Die einzige absolute Wahrheit, von der ich überzeugt bin, ist die unbewegliche Tatsache endloser Komplexität. Ich glaube an gruselige Action in der Ferne. Ich war die meiste Zeit meines Lebens in der Nähe der Leistung. Vor fünfzehn Jahren hätte ich diese Worte nicht zur Verfügung gehabt. Jeder Tag ist vom Terror ebenso erfasst wie von der Hoffnung, aber ich arbeite daran. Ich denke es wird besser.

Jetzt kennst du mich. Genug fürs Erste jedenfalls.

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„Der Gegensatz zwischen [künstlerischem Schaffen und Kunstkritik] ist völlig willkürlich. Ohne die kritische Fähigkeit gibt es überhaupt kein künstlerisches Schaffen, das diesen Namen verdient. “ - Oscar Wilde, "Der Kritiker als Künstler"

Vor nicht allzu langer Zeit war ich im Gespräch mit einem nachdenklichen, intelligenten und versierten interdisziplinären Leistungsträger. Sie erzählten mir von einem neuen Projekt, an dem sie beteiligt waren - einem Online-Journal von Künstlern, die über die Arbeit anderer Künstler schreiben. Ich sagte, dass ich gerne einen Workshop über Kritik als kreative Praxis leiten würde, und sie schreckten zurück. "Nein!! Nein, wir schreiben keine Kritik !! Wir wollen keine Kritiker sein! “ Sie sagten. "Wir wollen nur sehen, wie die Leistung funktioniert, und unsere Antworten darauf schreiben, einen Kontext und Hintergrund bieten, vielleicht ein Gespräch beginnen."

"Das, mein Freund, nennt man Kritik", antwortete ich.

Ich habe dieses Gespräch im Laufe der Jahre Dutzende Male geführt und jedes Mal bin ich überrascht von dieser kognitiven Trennung. Was macht die Kunstfertigkeit des kritischen Schreibens für so viele unleserlich? Warum stellen sich so viele selbstidentifizierte Künstler vor, dass die kreative Praxis des kritischen Schreibens so weit von ihrer eigenen entfernt ist?

Das Klischee „Jeder ist ein Kritiker“ ist eine Binsenweisheit. In jeder Entscheidung, die wir treffen, steckt Kritik - Urteilsvermögen. Wenn wir Brokkoli gegenüber Rosenkohl bevorzugen, Truffaut gegenüber Tarantino, Poesie gegenüber Prosa, Mets gegenüber Yankees, Hip-Hop gegenüber Country & Western, Prince gegenüber Celine Dion, In-n-Out Burger gegenüber McDonald's, Shakespeare gegenüber Neil Simon, kariert über Pastellfarben, V-Ausschnitt über Rundhalsausschnitt, Boxer gegen Slip, die Liste geht weiter. Alle diese Entscheidungen oder Vorlieben, bewusst oder unbewusst, spiegeln einen Akt kritischer Unterscheidung wider.

Und so sind Künstler Kritiker, wenn nicht explizit, dann implizit in ihren ästhetischen und beruflichen Entscheidungen. Warum loben einige Künstler die BAM und verspotten den Broadway? Warum verehrt ein Künstler Miles Davis und entlässt Ramsey Lewis? Merce Cunningham verehren, aber Paul Taylor beschimpfen? Lob Webern, aber Spott über Beethoven? John Ashbery feiern, aber Billy Collins die Nase hochdrehen? Warum vernachlässigen und entlassen so viele weiße männliche Künstler aller Disziplinen regelmäßig die Arbeit von Künstlerinnen, schwarzen Künstlern, ländlichen Künstlern, Künstlern aus der Gemeinde oder selbst ausgebildeten Künstlern? Oft sind es jene Künstler, die Kritiker am lautesten beschimpfen, die selbst die bösartigsten Kritiker anderer Künstler sind. Fragen Sie jeden Kunstverwalter, der in einem Stipendiengremium mit Künstlern gearbeitet hat, und er wird bestätigen, dass kein Kritiker, Administrator oder Stipendiat einen Künstler strenger beurteilt als ein anderer Künstler.

Gleichzeitig setzen sich einige Künstler - wie Kritiker, Administratoren und Stipendiaten - für andere Künstler ein, betreuen sie, fördern sie, fördern und unterstützen sie. Die Arbeit eines Künstlers zu unterstützen oder abzulehnen, sind sowohl negative als auch positive Kritik, Befürwortung oder Feindseligkeit, die das widerspiegeln, was wir Geschmack nennen. Diese Geschmacksdemonstrationen - ich mag das, ich mag das nicht - sind Teil des Prozesses der Selbstdefinition. Junge Künstler sind fast immer die leidenschaftlichsten und kritischsten Kritiker, weil es einfacher ist, sich durch das zu definieren, gegen das Sie sind, als durch das, wofür Sie sind. Mit der Zeit wirst du, wer du bist, trotz dir selbst, bis du dich nicht mehr durch das definieren musst, was du nicht bist, weil du etwas ganz für dich selbst bist.

Nur wenige Menschen beginnen ihr kreatives Leben mit dem Gedanken, Kritiker zu werden. Als ich jung war und in einem sterilen und stereotypen Vorort aufwuchs, wollte ich nur fliehen. Die am leichtesten verfügbare Flucht war das Lesen. Später waren es Musik, Theater, Sex und Drogen, die mich auf der Suche nach „echten“ Erfahrungen in die Welt zogen. Und die Art und Weise, wie ich diese Erfahrungen verstand, bestand darin, darüber zu schreiben.

Ich strebte danach, Künstler, Schauspieler, Musiker oder zumindest ein sogenannter kreativer Schriftsteller zu sein. Aber es war dieses kritische Schreiben, dieses beharrliche, endlose Ringen mit der Bedeutung der Dinge, wo ich jedes Mal zurückkam. Ich war und bin von einem verzweifelten Hunger getrieben, die Welt auf der Suche nach Sinn zu untersuchen, zu dekonstruieren und zu rekonstruieren. Deshalb bin ich gezwungen, Künstler zu suchen, die Arbeiten machen, die mein Leiden und meine Isolation lindern, mir Freude bereiten, mir helfen, mich ganz und verbunden mit der riesigen unerkennbaren Einheit zu fühlen. Wenn ich diese Künstler und diese Arbeit finde, möchte ich sie mit allen teilen. Wenn ich enttäuscht bin, möchte ich verstehen, warum. Dieses Schreiben, diese Choreografie von Ideen lindert mein Leiden, wenn auch nur während des Schöpfungsprozesses.

Der Künstler und Kritiker Matthew Ghoulish schreibt in seinem Essaybuch „39 Microlectures in Proximity of Performance“: „Die meisten Kritiker würden die Idee, dass Kritik existiert, um eine Veränderung herbeizuführen, nicht bestreiten. Aber um was zu ändern? " Er fährt fort:

„Kritik verändert den Kritiker nur konsequent […] Wenn wir diese strenge Einschränkung akzeptieren - dass die erste Funktion der Kritik darin besteht, eine Änderung des Kritikers herbeizuführen -, können wir beginnen, entsprechend zu handeln […] Wenn wir nach Problemen suchen, wir werden sie überall finden. Lassen Sie uns aus Sorge um uns selbst und unser psychisches Wohlbefinden stattdessen nach den Aspekten des Staunens suchen […] Wenn wir unser Verständnis vertiefen, können wir dann unsere Chancen erhöhen, diese Momente zu lokalisieren? Wie vertiefen wir unser Verständnis? […] Wir können das kritische Denken selbst als einen Prozess betrachten, durch den wir unser Verständnis vertiefen. “

Das erste Mal, dass ich mich daran erinnere, dass meine Welt von einem Kunstwerk wirklich aufgewühlt wurde, war Kristen Kosmas 'erste Einzelausstellung „bla bla verdammt bla“ 1991 oder 1992 in Raum 608 in Seattle. Ich erinnere mich, sie gesehen und, was noch wichtiger ist, zugehört zu haben Sie tritt auf und spürt buchstäblich, wie sich die Welt um mich herum dreht. Ich hatte noch nie jemanden mit einer so ausgeprägten, einzigartigen, prägnanten, poetischen Stimme gehört, die auch tief verkörpert war.

Ich hatte diese Sprache zu der Zeit nicht, aber ich hatte das Gefühl, dass Kristen irgendwie in eine unergründliche Quelle ewiger Wahrheit geklopft und diese Energie in den Raum geleitet hatte. Ihre Sprache war irgendwie gleichzeitig fußgängerisch und poetisch, funktional und lyrisch, von dieser Welt und nicht von dieser Welt, mythisch und prosaisch. Eine Frau, ein Stuhl und ihre Worte waren alles, was ich brauchte, um mein Leben zu verändern. Ich verließ das Theatergefühl, als hätte sich die ganze Welt seit meinem Eintritt verändert, als hätte ich mich verändert, als ob alle meine früheren Annahmen über mich selbst, die Welt und meinen Platz darin jetzt in Frage gestellt wären. Ich glaube ehrlich gesagt nicht, dass ich mich jemals erholt habe. Diese Aufführung veränderte mein Verständnis davon, was Theater sein und was es tun könnte. Es hat mein Leben verändert.

Die Anzahl der Werke, die meine Realität irgendwie verändert und mein Gefühl, in der Welt zu sein, verändert haben, ist überraschend hoch, vielleicht weil ich so viel Zeit damit verbracht habe, danach zu suchen. Els Comediants 'Dimonis beim Edinburgh Festival 1989, auch in diesem Sommer David Glass und Peta Lilys Zweihand-Riff über Moby Dick, Whale. Nirvana, Mudhoney und Bikini töten 1991 am Paramount in Seattle an Halloween. Radiohole's Fluke (ein weiteres Moby Dick-Riff), Young Jean Lees Lieder der Drachen, die in den Himmel fliegen, Trisha Browns Wassermotor, Verdensteatrets Konzert für Grönland, die letzten Aufführungen des Merce Cunningham Company in der Park Avenue Armory, das Unrelated Solos-Programm von Mikhail Baryshnikov, Steve Paxton und David Neumann, 600 Highwaymen's This Great Country. Die Liste geht weiter.

Noch länger ist die Liste der Werke, die mich erschöpft und frustriert, enttäuscht und gefragt haben, was genau schief gelaufen ist.

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„Es ist nicht das Ja oder Nein eines Urteils, das für andere Menschen wertvoll ist, obwohl das ursprüngliche Ja oder Nein einer bestimmten Art von Musik möglicherweise die Aktivität eines ganzen Lebens bestimmt hat. Was andere Menschen davon profitieren, ist diese Aktivität selbst, das Spektakel eines Geistes bei der Arbeit. “ - Virgil Thomson, "Die Kunst, Musik zu beurteilen"

Geste. Phrase. Reihenfolge. Bewegungsvokabular. Dies sind einige der Wörter, mit denen wir die Bausteine ​​des Tanzes beschreiben. Dies sind einige der Werkzeuge der Choreografie.

Choreografie könnte das Problem von Körpern sein, die sich im Laufe der Zeit im Raum befinden und die Möglichkeiten von Bewegung und Nichtbewegung, Stille oder Klang, Symmetrie und Asynchronität, die angenehme Illusion von Anfang, Mitte und Ende oder die beunruhigende Realität der Zeit, die sich in alle Richtungen bewegt, diskutieren einmal, kein Wille, keine Kontrolle, keine Gewissheit - und immer noch die Möglichkeit einer transzendenten, offenbarenden Schönheit.

Dies sind einige andere Begriffe des Tanzes: Akkumulation, Ausrichtung, Beat, Klarheit der Linie, Körperlichkeit, Kontrapunkt, Dynamik, Anstrengung, Wirtschaftlichkeit, Fluss, Form, Inversion, Ebenen, Lyrik, Minimierung, Spiegelung, Motiv, Musikalität, Opposition, Schlagzeug, retrograd, Rhythmus, Form, Raum, Haltung, Stil, nachhaltig, Technik, Tempo, Zeit, Übereinstimmung, Variation, Gewicht.

Innerhalb des Vokabulars der Choreografie - Geste, Phrase, Sequenz - befindet sich das Vokabular des Schreibens: Wort, Satz, Absatz. Sie existieren in und nebeneinander; Sie sind semantische Geschwister, hybride Lexika, die sich eher ähneln als unterscheiden. Beide Kunstformen hängen von diesen Werkzeugen ab, um vermittelte Begegnungen vorzustellen, zu schaffen und durchzuführen. Der Künstler entscheidet, was wann in welcher Reihenfolge und in welchem ​​Umfang enthüllt werden soll, was offenbart und was verborgen wird - auf diese Weise modelliert der Künstler in der Zeit.

Das Medium eines Choreografen sind Körper im Raum im Laufe der Zeit, das Medium eines Schriftstellers sind Wörter im Raum im Laufe der Zeit. Und wenn Tanz das Spektakel (oder gegebenenfalls das Antispektakel) von Körpern ist, die sich im Laufe der Zeit bewegen (oder nicht), dann ist Kritik, wie Thomson sagt, „… das Spektakel eines Geistes bei der Arbeit“. Der Autor macht sich ähnlich wie der Choreograf mit nicht viel mehr als einer Idee, einer Reihe von Fragen und Problemen und einer bestimmten Anzahl verfügbarer Werkzeuge auf den Weg.

Die Choreografie von Ideen ist eine ebenso verkörperte Praxis wie Tanz oder Musik oder Performance, denn es ist der Körper, durch den wir die Welt erleben, und es ist der Körper, der den Akt des Schreibens ausführt. Der Geist mag der Ort sein, an dem Sinn gemacht wird, aber es sind unsere Augen, die sehen, unsere Ohren, die hören, unsere Nase, die riecht, Haut, die fühlt, Augen, die weinen, Lungen, die nach Luft schnappen, Lippen, die sich küssen, Körper, die sich berühren, und Herzen, die in Gegenwart eines anderen aufregen oder brechen.

Geste, Phrase, Sequenz, Wort, Satz, Absatz - dies sind die Werkzeuge, die alle Choreografen gemeinsam nutzen, unabhängig davon, ob sie mit Körpern oder Wörtern in drei oder zwei Dimensionen, öffentlich, privat oder irgendwo dazwischen arbeiten. Dies sind einige der Werkzeuge, die verwendet werden, um die Vorstellungskraft zu wecken, Aufmerksamkeit zu erregen, Beobachtungen und Einsichten in unvorhersehbaren Sequenzen zurückzuhalten und zu enthüllen, um uns zu überraschen, das Vertraute ungewohnt zu machen und unser Wunder, in der Welt zu sein, zu erneuern.

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„Es gibt Kunst, um das Gefühl des Lebens wiederzugewinnen. es existiert, um Dinge fühlen zu lassen, um den Stein steinig zu machen. Der Zweck der Kunst ist es, die Empfindung von Dingen zu vermitteln, wie sie wahrgenommen werden und nicht wie sie bekannt sind. Die Technik der Kunst besteht darin, ein Objekt „ungewohnt“ zu machen, Formen zu erschweren, die Schwierigkeit und Länge der Wahrnehmung zu erhöhen, da der Wahrnehmungsprozess ein ästhetischer Selbstzweck ist und verlängert werden muss. In der Kunst zählt unsere Erfahrung mit dem Bauprozess, nicht das fertige Produkt. “ - Viktor Shklovsky, "Kunst als Technik"

Alles beginnt mit der Begegnung.

Der Vorspann rollt, die Ouvertüre spielt, unser romantischer Held und unsere Heldin treffen sich und nehmen sofort eine Abneigung. Er ist zu schwach, sie zu bedürftig. Er ist zu arm, sie ist zu reich: eine Liste gepaarter Gegensätze… und doch. Sie stehen vor einem Hindernis, einer widerstrebend und ambivalent geteilten Suche, deren erfolgreicher Abschluss erfordert, dass unser Held und unsere Heldin zusammenarbeiten, zusammenarbeiten, etwas erreichen und überwinden. Sie haben Erfolg, wild und über ihren Erwartungen. Am Ende des Films sind sie - zu ihrer Überraschung und zu keiner anderen - einander in die Arme gefallen, nachdem sie die wahre Liebe gefunden haben. Jedes Klischee enthält einen Kern der Wahrheit. Wir sind nur Menschen, wir können nur so schnell gehen, wie wir gehen können, so schnell lernen, leben und lieben, so schnell wir lieben können - unser Körper bewegt sich durch den Raum über die Zeit, die natürliche Zeit, während er sich entfaltet und wie wir erleben es. Erste Eindrücke sind oft falsch, das, von dem wir uns anfänglich zurückziehen, kann das werden, was wir am meisten lieben, das, was bei der ersten Begegnung angenehm ist, wird verführerisch, vertraut, pat, weltlich. Es ist ein Geheimnis, das andauert; Können wir immer dabei sein, etwas preiszugeben? Können wir im Staunen bleiben, offen für Entdeckungen und Entdeckungen?

Oder vielleicht sind wir online. Wir begegnen einem Bild, ein paar scheinbar herausragenden Fakten, die geschrieben wurden, um Interesse zu wecken, zu verkaufen, zu überreden und zu wecken. Diese Bilder, Sätze und Einblicke werden geteilt, man stellt sich vor und hofft, als Angebot - hier ist die beste Version von mir, hier sind die vielen Dinge, die du lieben magst, hier ist meine Fähigkeit zu lieben, zu erfüllen, zu vervollständigen, zu teilen in Lachen und Tränen. Oder vielleicht nur, um zu unterhalten, ohne irgendwelche Bedingungen, nur eine ungezwungene Verbindung, Freunde mit bestenfalls Vorteilen. In jedem Fall haben wir nur eine begrenzte Menge an Informationen und füllen den Rest aus. Wir stellen uns das bestmögliche Szenario und das bestmögliche Ergebnis vor und machen einen Plan für ein persönliches Treffen. Wir investieren Zeit, Energie und Ressourcen. Wir bringen unser Bestes Version von uns und setzen Sie sich dieser Person gegenüber in der Hoffnung, dass sie diejenige sind, die den Vorteil des Zweifels geben möchte. Niemand geht auf ein Date und hofft, dass die andere Person eine Katastrophe ist.

Und so ist es auch mit dem Kunstwerk und seinem Zeugnis.

Wir treten optimistisch, offen und empfänglich ein. Wir bemühen uns, uns selbst bewusst zu sein, wir atmen tief ein und beruhigen den Geist, wir lassen das, was vor uns liegt, sich in seiner eigenen Zeit offenbaren, wir führen Gespräche. Notwendigerweise beginnen wir an der Oberfläche und bewegen uns hoffentlich im Laufe der Zeit tiefer und komplexer. Wir stellen uns diese Begegnung als einen Ort einer Reihe von kartierten Koordinaten entlang der unzähligen Achsen des Raum-Zeit-Kontinuums vor, entdecken reale Verbindungen, stellen uns andere vor, die noch zu sein sind, und stellen uns gemeinsame Erfahrungsranken vor, die sich ins Universum und zurück zu uns selbst winden. Umhüllt uns mit einem Zustand der Gnade und der Möglichkeit, einem Moment, in dem wir uns so sehen, wie wir wirklich sind, und es ist herrlich.

Und dann kehren wir zur Quotidian-Gegenwart zurück, fragen uns, was passiert ist, und bewerten die Erfahrung.

Wir stellen uns vor, dass wir uns mit Performance beschäftigen, um eine Veränderung in uns selbst zu bewirken, oder die Künstlerin stellt sich vor, dass sie ein Kunstwerk schafft, um das Publikum oder vielleicht die Welt zu verändern. aber die Kunst kann nicht ohne den Betrachter existieren.

Der Beobachter-Effekt sagt uns, dass die Anwesenheit eines Beobachters und der Akt der Beobachtung das ändern, was beobachtet wird. Der Beobachter wird durch den Akt der Beobachtung verändert. Dies ist eine Frage der Beziehung und Position, nicht mehr, es gilt immer dann, wenn es einen Beobachter und einen Beobachter gibt. Die Kritikerin setzt das vom Kunstwerk vorgeschlagene Gespräch nicht so sehr mit einem Urteil fort, sondern mit einem Ringen mit ihrer eigenen Antwort, einer Abbildung dieser Beziehung auf und innerhalb der Gesamtsumme ihrer Erfahrung.

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"Jeder ist ein Künstler" - Joseph Beuys

Jeder ist ein Kritiker, genauso wie jeder ein Künstler ist, und so wie es nur sehr wenige gute Künstler gibt, sind nur sehr wenige Menschen gute Kritiker.

Vielleicht liegt es daran, dass so viele alltägliche Menschen jeden Tag so viele Dinge schreiben - E-Mails, Texte, Verkaufsberichte, Bestellungen, Mitarbeiterbewertungen, Grußkarten, Facebook-Beiträge -, dass sie den Akt des Schreibens oft mit der Kunst des Schreibens verwechseln: Text als Dienstprogramm eher als Ausdruckssache.

Tatsächlich erfordert das Schreiben jedoch Arbeit, spezielle Werkzeuge und viel Übung, um zu lernen, wie man sie kunstvoll einsetzt. Kritisches Schreiben ist eine generative Kunst, die aus Prüfung und Offenbarung, Selbstbeobachtung und Zweifel geboren wurde. Es ist eine Performance, eine intime Begegnung, die Verletzlichkeit und Tapferkeit fordert, eine Choreografie von Ideen.

Nur wenige Menschen sind bereit, die Arbeit des Kritikers zu tun, sowohl nach innen als auch nach außen zu schauen und sich zu fragen, warum sie sich einem Kunstwerk, einem Aufsatz, einer Idee, einer Philosophie oder einer Person positiv oder negativ gegenüber fühlen. Noch weniger haben sowohl das natürliche Talent als auch den Willen zu lernen, wie man kunstvoll über ihr internes Wrestling schreibt und Ideen auf der Seite choreografiert.

Es ist mit Kritik wie mit allen Kunstformen: Man begibt sich auf eine Reise mit einer Vision, einem bekannten Ziel, der Straße von hier nach dort ist klar markiert und hell abgegrenzt. „Ich werde mich nicht davon abhalten lassen, diesen fernen Ort zu erreichen, nach dem ich mich lange gesehnt habe“, sagen Sie sich selbst und jedem, der zuhören wird. "Denn ich habe einen prächtigen Hügel gesehen, auf dem ich ein herrliches Gebäude bauen werde."

Wir stellen uns vor, dass die Menschen nach Abschluss der Arbeit kommen und sich über diese außergewöhnliche Kreation und auch über ihren bemerkenswerten Schöpfer wundern werden. Die Welt wird auf die Arbeit schauen und einige Wahrheiten werden über sich selbst, über andere, über die Welt, in der wir leben, und über die Welten, die wir nicht kennen, offenbart. Sie werden unsere Schöpfung betrachten und darauf hinweisen, wie es Rilke auf seinem berüchtigten archaischen Torso von Apollo getan hat: „Denn hier gibt es keinen Ort, der dich nicht sieht. Du musst dein Leben ändern. “ Dann machen wir - der Künstler, der Schriftsteller - unseren ersten Schritt auf dem Weg der Untersuchung, nur um herauszufinden, dass nichts so ist, wie wir es uns vorgestellt haben.

Künstler und Kritiker beginnen gleichermaßen mit einer Frage und machen sich auf die Suche nach Antworten, um herauszufinden, dass sich jede sogenannte Antwort für weitere Fragen öffnet, Welten in Welten in Welten, wie russische Nistpuppen mit unlösbaren Problemen und unlösbaren Rätseln. Eine Escher-ähnliche Landschaft existenzieller Zweifel, die für immer in sich zusammenbricht.

Während ein Künstler gelegentlich eine luxuriöse Position der Gewissheit einnimmt, ist die authentischste kritische Position eine des zweifelhaften Optimismus; Der Kritiker muss bereit sein, sein Herz offen zu legen und sich regelmäßig das Herz brechen zu lassen. Sie muss bereit sein, darüber zu schreiben und ihre Liebe oder ihren Herzschmerz gleichermaßen mit der ganzen Welt zu teilen.

Und dazu muss sie in der Lage sein, Sätze zu bilden, die ihre Erfahrung mit dem Kunstwerk anschaulich beschreiben und gleichzeitig die Konturen ihrer Innerlichkeit vermitteln. Wir, der Leser / Zuschauer, müssen auf einen Pfad geführt werden, der aus Sätzen aufgebaut ist, ohne zu wissen, wohin wir gehen, und uns niemals verloren fühlen. Wir müssen fühlen, wie der Kritiker fühlt - Freude, Erheiterung, Schmerz, Enttäuschung, Verwirrung, Staunen, Geheimnis, Offenbarung, Trostlosigkeit, Verzweiflung, Erleuchtung, Zufriedenheit und möglicherweise sogar Liebe.

Die Kritikerin muss bereit sein, sich auf das Projekt einzulassen, ihre Erfahrungen zu teilen, auch wenn sie weiß, dass ihre schriftliche Manifestation unweigerlich hinter der glitzernden Perfektion des reinen Denkens zurückbleibt.

Alle Künstler sind auf die eine oder andere Weise bereit, die Kluft zwischen dem isolierten Erleben von Selbst, dem Treiben und dem Schrecken der Leere zu überbrücken, über unendliche Zeit und Raum zu greifen, um sich, wenn auch nur kurz, mit anderen in einer kurzlebigen Gemeinschaft zu verbinden und zu fragen einander: „Erlebst du, was ich erlebe? Passiert das alles wirklich? "

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„Alternative Fakten sind keine Fakten. Das sind Lügen. “ -Chuck Todd, "Meet the Press"

"Aber was hat das alles mit mir zu tun?" du fragst.

Der Ort, an dem Live-Auftritte stattfinden, ist normalerweise die dreidimensionale Welt: eine Bühne, eine Galerie oder ein öffentlicher Raum. Das Schreiben befindet sich normalerweise im zweidimensionalen Raum: vielleicht auf einer Seite, einem Bildschirm oder einer Wand.

Wenn wir einem Kunstwerk im dreidimensionalen Raum begegnen, stehen uns viele Informationen zur Verfügung, um den Kontext bereitzustellen. Wir befinden uns in einer bestimmten Stadt, einer bestimmten Nachbarschaft, einem bestimmten Veranstaltungsort oder einem bestimmten öffentlichen Raum mit bestimmten Bedingungen - bequemen Sitzen oder Klappstühlen oder einer Matte auf dem Boden, oder wir sind gezwungen zu stehen. Wir sind von Tausenden anderen umgeben, wir sind einer von wenigen Menschen; Wir haben viel Geld bezahlt, um hier zu sein. Wir gingen einfach die Straße entlang und blieben stehen, um zuzusehen. Wir haben überhaupt nichts bezahlt. Wir sind in einer Galerie mit weißen Wänden, wir sind in einer Garage, einem Feld, einem verlassenen Gebäude; Wir sind am Broadway. Wir können größtenteils unserer Interpretation und unserem Verständnis vertrauen, wo wir uns befinden, und unsere Erwartungen entsprechend kalibrieren.

Wenn wir auf eine Arbeit des Schreibens im physischen zweidimensionalen Raum stoßen - ein Buch, eine Zeitschrift, eine Zeitschrift oder eine Zeitung -, steht uns auch eine bestimmte Menge an Informationen zur Verfügung, um den Kontext bereitzustellen. Dies ist eine Zeitung von großem Ansehen, dies ist ein Unterhaltungsglanz, dies ist ein fotokopiertes Zine mit ClipArt, dies ist eine akademische Zeitschrift, die ich im Buchladen der Universität gekauft habe. Dies ist ein Kunstbuch, ein Massenmarktbuch, vielleicht eine Zeitschrift über Wein, Waffen und Hunde oder über Altern, Luftfahrt oder Politik. Es ist glänzend oder matt, es ist wunderschön illustriert, es ist dicht mit Text, es ist täglich, wöchentlich, vierzehntägig, monatlich, vierteljährlich.

In jedem Fall können wir mit einiger Sicherheit auf die Herkunft der Drucksachen, die Welt, aus der sie stammen, und den wahrscheinlichen sozialen, kulturellen und wirtschaftlichen Kontext des Schriftstellers schließen. Wenn das Schreiben in gedruckter Form erscheint, erscheint der Schreiber in einem festen Kontext, der Autorität vermittelt. Darüber hinaus ergibt sich diese Autorität aus dem Vorwand, dass die Veröffentlichung - und folglich aus dem Verfasser - objektiv ist oder zumindest ihre Vorurteile bekannt sind.

Wenn jedoch im Internet geschrieben wird, liegt eine inhärente Instabilität des Kontexts vor. Das Eintauchen in ein riesiges dezentrales Informationsnetzwerk bedeutet, dass wir buchstäblich die Perspektive verloren haben, da alles jederzeit aus jedem Blickwinkel betrachtet werden kann. Im Internet schwebt der Autor im Weltraum, verfolgt einen unzuverlässigen Leitstern, der sich jemals in Bewegung befindet und seine Form ändert. Oft kann sich der Verfasser nicht auf die übertragene Autorität einer etablierten Veröffentlichung verlassen. von gleicher Bedeutung ist, dass die Veröffentlichung nicht mehr vom Mythos der Objektivität abhängen kann.

Der Neurowissenschaftler Anil Seth schlägt vor, dass wir alle ständig halluzinieren. Wenn wir uns über unsere Halluzinationen einig sind, nennen wir es „Realität“. Live-Auftritte bieten uns die Möglichkeit, diese Arbeit absichtlich und gemeinsam im gemeinsamen Raum über einen festgelegten Zeitraum auszuführen. Ein Künstler schlägt eine Reihe von Fragen und Bedingungen vor, die „Realität“ darstellen oder vorgeben, diese darzustellen, oder ein Kunststück der Realität, das danach strebt, das zu enthüllen, was verdeckt oder zuvor unsichtbar, unbemerkt und unsichtbar war. Seit dem frühen 20. Jahrhundert haben viele Künstler Kunst geschaffen, die ihre eigenwillige Innerlichkeit, ihre phänomenologische Erfahrung des Seins in der Welt zeigt.

Die kritische Antwort besteht nicht darin, die wesentliche Wahrheit dieser phänomenologischen Erfahrung in Frage zu stellen, sondern zu hinterfragen, ob diese Erfahrung sinnvoll vermittelt wird, ob sie auf die eigene Erfahrung des Kritikers abbildet oder eine kognitive Dissonanz erzeugt, die das Bekannte entvertraut, ob es eine Wahrscheinlichkeit dafür gibt es kann dies für andere tun.

„Erlebst du, was ich erlebe? Passiert das alles wirklich? "

Demokratie erfordert per Definition einen Konsens über Angelegenheiten, die so banal wie die Farbe der Ampeln und tiefgreifend wie die philosophische Grundlage für die unveräußerlichen Menschenrechte sind, die die Grundlagen der Zivilgesellschaft bilden. Diejenigen, die unsere Demokratie untergraben würden, setzen Verwirrung ein, um unseren kollektiven Realitätssinn zu destabilisieren. Sie würden uns glauben lassen, dass wir in einer Post-Wahrheits-, Post-Fakt-Gesellschaft leben.

Es wird gesagt, dass Dante für alle praktischen Zwecke Italienisch als diskrete literarische Sprache geschaffen hat, indem er verschiedene regionale Dialekte mit einigen Elementen des Lateinischen verschmolzen hat. Obwohl der Fortschritt der Göttlichen Komödie von der Hölle zum Paradies Dantes Glauben an ein geordnetes Universum widerspiegelt, stellte seine Entscheidung, in der Landessprache zu schreiben, das Primat des Lateinischen in Frage und kann sich daher vorstellen, den Niedergang dieser gleichen Ordnung ausgelöst zu haben. Seine Schaffung von Italienisch als diskrete Sprache, die regionale Unterschiede beseitigt, ermöglichte es schließlich, sich einen diskreten Nationalstaat namens Italien vorzustellen.

Und so lehrt uns die Geschichte, dass die Choreografie von Ideen die Fähigkeit hat, unsere Erfahrung der Welt zu formen und neu zu formen; Diese Kunst kann Welten zerstören, selbst wenn sie neue schafft.

Unsere Demokratie hängt von der Arbeit der Künstlerkritiker ab, um der Verbreitung von Verwirrung, der Verbreitung von Fehlinformationen und der gewaltsamen Verringerung der Vorstellungskraft unserer Gesellschaft durch die kurzfingrigen Vulgärinnen am Tor zu widerstehen. Es ist Zeit, sich an die Arbeit zu machen.