Veröffentlicht am 07-09-2019

Eine Choreographie der Ideen

„Warum nennen wir Dante Alighieri beim Vornamen? Weil Dante unser Freund ist. “(Namensnennung unbekannt)

Der Kritiker oder Künstler, dem man vertrauen möchte, muss bereit sein, verletzlich und fehlerhaft zu sein. Sie muss bereit sein, sich zu irren. Sie muss bereit sein zu riskieren. Und es ist für die Kritiker nicht weniger beängstigend, sich zu offenbaren als für die Tänzerin, Choreografin, Schauspielerin, Künstlerin oder Musikerin.

Positionieren Sie sich zunächst in Zeit, Raum und kulturellem Kontext und zeigen Sie sich - wenn auch elliptisch - dem Leser. Das ist wichtig. Wenn sie den Geschichtenerzähler nicht kennen, interessiert sie die Geschichte nicht. Wenn sie Ihnen nicht vertrauen können, können sie Ihren Aussagen nicht vertrauen. Zeigen Sie Ihre Vorurteile auf und artikulieren Sie Ihre Position, die auf mehreren Achsen abgebildet ist. Sei freundlich.

„Hallo und willkommen.“ Ich bin fast 50 Jahre alt. Ich bin männlich, weiß, jüdisch erzogen. Ich bin in den Vororten von Baltimore aufgewachsen. Ich bin zum College nach Evanston, IL gezogen. Ich bin nach Seattle gezogen. Ich war einmal auf einem Benefizalbum mit Nirvana, Pearl Jam und Soundgarden. Ich habe zu viel getrunken und Drogen genommen. Ich leide an Depressionen und Angstzuständen. Ich bin nach New York City gezogen und habe den zweifelhaften Unterschied, die erste Person auf dem Planeten zu sein, die den 11. September bloggt. Ich war einmal Bürgermeister von NYC. Ich habe 2003 eine Kunstwebsite gestartet, die immer noch veröffentlicht wird. Ich habe an Orten wie Performance Space 122 und dem Lower Manhattan Cultural Council gearbeitet. Ich organisierte ein Basisforschungsprojekt zur Ökonomie der kulturellen Produktion in den darstellenden Künsten. Ich habe ein tolles Stipendium für Kunstautoren für ein wirklich interessantes Projekt bekommen, aber ich habe es irgendwie versaut. Ich habe geheiratet, was einige Menschen angesichts meiner Geschichte überrascht hat, und es war das Beste, was mir je passiert ist. Ich bin nach San Diego gezogen und habe viel über Amerika gelernt. Jetzt lebe ich in Los Angeles und bis vor kurzem hatte ich das Gefühl, dass ich verschwunden bin, verdampfe, mich auflöse und nicht mehr festgemacht habe - ein Fremder, der in einem fremden Land treibt und nirgendwo ein Halteseil hat. In letzter Zeit ist es besser geworden. Die einzige absolute Wahrheit, von der ich überzeugt bin, ist die unerschütterliche Tatsache endloser Komplexität. Ich glaube an gruselige Action in der Ferne. Ich war den größten Teil meines Lebens in der Nähe von Auftritten. Vor fünfzehn Jahren hätte ich diese Worte nicht zur Verfügung gehabt. Jeder Tag wird vom Terror genauso erfasst wie von der Hoffnung, aber ich arbeite daran. Ich denke es wird besser.

Jetzt kennst du mich. Genug jedenfalls fürs Erste.

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„Der Gegensatz zwischen [künstlerischem Schaffen und Kunstkritik] ist völlig willkürlich. Ohne die kritische Fakultät gibt es überhaupt kein künstlerisches Schaffen, das diesen Namen verdient. “- Oscar Wilde,„ Der Kritiker als Künstler “

Vor nicht allzu langer Zeit war ich im Gespräch mit einem nachdenklichen, intelligenten und versierten interdisziplinären Performance-Macher. Sie erzählten mir von einem neuen Projekt, an dem sie beteiligt waren - einem Online-Journal von Künstlern, die über die Arbeit anderer Künstler schreiben. Ich sagte, dass ich gerne einen Workshop über Kritik als kreative Praxis leiten würde und sie schreckten zurück. "Nein!! Nein, wir schreiben keine Kritik !! Wir wollen keine Kritiker sein! “, Sagten sie. "Wir wollen einfach nur die Performance sehen und unsere Antworten darauf schreiben, Kontext und Hintergrund bieten und vielleicht ein Gespräch beginnen."

"Das, mein Freund, nennt man Kritik", antwortete ich.

Ich habe dieses Gespräch im Laufe der Jahre Dutzende Male geführt und jedes Mal wundert mich diese kognitive Trennung. Was macht die Kunstfertigkeit des kritischen Schreibens für so viele unleserlich? Warum stellen sich so viele selbstidentifizierte Künstler vor, dass die kreative Praxis des kritischen Schreibens so weit von ihrer eigenen entfernt ist?

Das Klischee "Jeder ist ein Kritiker" ist eine Binsenweisheit. In jeder Entscheidung, die wir treffen, steckt Kritik - Urteilsvermögen -. Wenn wir Brokkoli gegenüber Rosenkohl bevorzugen, Truffaut gegenüber Tarantino, Poesie gegenüber Prosa, Mets gegenüber Yankees, Hip-Hop gegenüber Country & Western, Prince gegenüber Celine Dion, In-n-Out-Burger gegenüber McDonald's und Shakespeare gegenüber Neil Simon, kariert über Pastellfarben, V-Ausschnitt über Rundhalsausschnitt, Boxer gegen Slip, die Liste geht weiter. Alle diese Entscheidungen oder Vorlieben, ob bewusst oder nicht, spiegeln einen Akt kritischer Unterscheidung wider.

Künstler sind also Kritiker, wenn nicht explizit, dann implizit in Bezug auf ihre ästhetischen und beruflichen Entscheidungen. Warum loben einige Künstler die BAM und verspotten den Broadway? Warum verehrt ein Künstler Miles Davis und entlässt Ramsey Lewis? Verehren Sie Merce Cunningham, aber schmähen Sie Paul Taylor? Lob Webern aber höhnisch bei Beethoven? Feiern Sie John Ashbery, aber drehen Sie bei Billy Collins die Nase hoch? Warum vernachlässigen und entlassen so viele weiße, männliche Künstler aller Disziplinen regelmäßig die Arbeit von Künstlerinnen, schwarzen Künstlern, ländlichen Künstlern, Künstlern aus der Community oder selbst ausgebildeten Künstlern? Oft sind es jene Künstler, die Kritiker am lautesten verachten, die selbst die bösartigsten Kritiker anderer Künstler sind. Fragen Sie einen Kunstadministrator, der in einem Stipendiengremium mit Künstlern zusammengearbeitet hat, und er wird bestätigen, dass kein Kritiker, Administrator oder Stipendiat einen Künstler schärfer beurteilt als ein anderer Künstler.

Gleichzeitig setzen sich einige Künstler - wie Kritiker, Administratoren und Stipendiaten - für andere Künstler ein, betreuen sie, fördern sie, fördern und unterstützen sie. Das Werk eines Künstlers zu unterstützen oder abzulehnen, sind sowohl negative als auch positive Kritik, Befürwortung oder Feindseligkeit, die das widerspiegeln, was wir Geschmack nennen. Diese Geschmacksdemonstrationen - ich mag das, ich mag das nicht - sind Teil des Selbstdefinitionsprozesses. Junge Künstler sind fast immer die leidenschaftlichsten und kritischsten Kritiker, weil es einfacher ist, sich selbst danach zu definieren, wogegen Sie sind, als danach, wofür Sie sind. Mit der Zeit werden Sie zu dem, was Sie sind, obwohl Sie es selbst sind, bis Sie sich nicht mehr durch das definieren müssen, was Sie nicht sind, weil Sie etwas ganz für sich selbst sind.

Nur wenige Menschen beginnen ihr kreatives Leben damit, Kritiker zu werden. Als ich jung war und in einem sterilen und stereotypen Vorort aufwuchs, wollte ich nur fliehen. die am leichtesten zugängliche Flucht war das Lesen. Später waren es Musik, Theater, Sex und Drogen, die mich auf die Suche nach einer „echten“ Erfahrung brachten. Und die Art und Weise, wie ich diese Erfahrungen verstand, bestand darin, darüber zu schreiben.

Ich strebte danach, Künstler, Schauspieler, Musiker oder zumindest ein sogenannter kreativer Schriftsteller zu sein. Aber es war dieses kritische Schreiben, dieses beharrliche, endlose Ringen mit der Bedeutung der Dinge, in das ich jedes Mal zurückkehrte. Ich war und bin getrieben von dem verzweifelten Hunger, die Welt auf der Suche nach Sinn zu untersuchen, zu dekonstruieren und zu rekonstruieren. Deshalb bin ich gezwungen, Künstler zu suchen, die Arbeit machen, die mein Leiden und meine Isolation lindert, mir Freude bringt, mir hilft, mich ganz und verbunden mit der unermesslichen Einheit zu fühlen. Wenn ich diese Künstler und diese Arbeit finde, möchte ich sie mit allen teilen. Wenn ich enttäuscht bin, möchte ich verstehen, warum. Dieses Schreiben, diese Choreografie der Ideen lindert mein Leiden, wenn auch nur während des Schöpfungsprozesses.

Der Künstler und Kritiker Matthew Ghoulish schreibt in seinem Essaybuch „39 Microlectures in Proximity of Performance“: „Die meisten Kritiker würden die Idee, dass Kritik existiert, um eine Veränderung herbeizuführen, nicht bestreiten. Aber was soll sich ändern? “Er fährt fort:

„Kritik verändert den Kritiker nur konsequent […] Wenn wir diese schwerwiegende Einschränkung akzeptieren - nämlich, dass die erste Funktion der Kritik darin besteht, den Kritiker zu verändern -, können wir anfangen, entsprechend zu handeln […]. Wenn wir nach Problemen suchen, wir werden sie überall finden. Aus Sorge um uns selbst und unser psychisches Wohlbefinden sollten wir stattdessen nach den Aspekten des Staunens suchen. […] Wenn wir unser Verständnis vertiefen, können wir dann unsere Chancen erhöhen, diese Momente ausfindig zu machen? Wie vertiefen wir unser Verständnis? […] Wir können uns das kritische Denken selbst als einen Prozess vorstellen, durch den wir unser Verständnis vertiefen. “

Das erste Mal, dass ich mich daran erinnere, dass ein Kunstwerk meine Welt wirklich aufgeregt hat, war Kristen Kosmas erste Einzelausstellung „bla bla fuckin bla“ 1991 oder 1992 im Raum 608 in Seattle. Ich erinnere mich, sie gesehen und, was noch wichtiger ist, gehört zu haben Sie spielt und fühlt buchstäblich, wie sich die Welt um mich dreht. Ich hatte noch nie jemanden mit einer so ausgeprägten, einzigartigen, prägnanten, poetischen Stimme gehört, die auch tief verwurzelt war.

Diese Sprache hatte ich zu diesem Zeitpunkt noch nicht, aber ich hatte das Gefühl, dass Kristen irgendwie einen unergründlichen Brunnen der ewigen Wahrheit erschlossen und diese Energie in den Raum geleitet hatte. Ihre Sprache war irgendwie gleichzeitig fußgängerisch und poetisch, funktional und lyrisch, von dieser Welt und nicht von dieser Welt, mythisch und prosaisch. Eine Frau, ein Stuhl und ihre Worte waren alles, was nötig war, um mein Leben zu verändern. Ich verließ das Theatergefühl, als ob sich die ganze Welt seit meinem Eintritt verändert hätte, als ob sich alle meine früheren Annahmen über mich selbst, die Welt und meinen Platz in ihr in Frage gestellt hätten. Ich glaube ehrlich gesagt nicht, dass ich jemals genesen bin. Diese Aufführung veränderte mein Verständnis davon, was Theater sein und was es tun könnte. Es hat mein Leben verändert.

Die Anzahl der Werke, die meine Realität irgendwie verändert und mein Gefühl, in der Welt zu sein, verändert haben, ist überraschend hoch, vielleicht weil ich so viel Zeit damit verbracht habe, sie zu suchen. Els Comediants 'Dimonis beim Edinburgh Festival 1989, im Sommer auch David Glass und Peta Lilys Zweihandriff auf Moby Dick, Whale. Nirvana, Mudhoney und Bikini Kill 1991 im Paramount in Seattle an Halloween. Radioholes Fluke (ein weiteres Moby Dick-Riff), Young Jean Lees Songs of the Dragons Flying to Heaven, Trisha Browns Wassermotor, Verdensteatrets Konzert für Grönland, die letzten Aufführungen des Merce Cunningham Company in der Park Avenue Armory, das Unrelated Solos-Programm von Mikhail Baryshnikov, Steve Paxton und David Neumann, 600 Highwaymen's This Great Country. Die Liste geht weiter.

Noch länger ist die Liste der Werke, die mich erschöpft und frustriert, enttäuscht und sich gefragt haben, was genau schief gelaufen ist.

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„Es ist nicht das Ja oder Nein eines Urteils, das für andere Menschen von Wert ist, obwohl das ursprüngliche Ja oder Nein zu einer bestimmten Art von Musik möglicherweise die Aktivität eines ganzen Lebens bestimmt hat. Was andere Menschen davon profitieren, ist diese Aktivität selbst, das Spektakel eines Geistes bei der Arbeit. “- Virgil Thomson,„ Die Kunst, Musik zu beurteilen “

Geste. Phrase. Sequenz. Bewegungsvokabular. Dies sind einige der Wörter, mit denen wir die Bausteine ​​des Tanzes beschreiben; Dies sind einige der Werkzeuge der Choreografie.

Choreografie könnte das Problem von Körpern sein, die sich im Laufe der Zeit im Raum befinden und über die Möglichkeiten der Bewegung und Nichtbewegung, Stille oder Klang, Symmetrie und Asynchronität, die bequeme Illusion von Anfang, Mitte und Ende oder die beunruhigende Realität der Zeit, die sich in alle Richtungen bewegt, streiten einmal, kein Wille, keine Kontrolle, keine Gewissheit - und immer noch die Möglichkeit einer transzendenten, offenbarenden Schönheit.

Dies sind einige andere Begriffe des Tanzes: Akkumulation, Ausrichtung, Takt, Klarheit der Linie, Körperlichkeit, Kontrapunkt, Dynamik, Anstrengung, Ökonomie, Fluss, Form, Inversion, Ebenen, lyrisch, Minimierung, Spiegelung, Motiv, Musikalität, Opposition, perkussiv, Rückschritt, Rhythmus, Form, Raum, Haltung, Stil, nachhaltig, Technik, Tempo, Zeit, Gleichklang, Variation, Gewicht.

Innerhalb des Vokabulars der Choreografie - Geste, Phrase, Sequenz - befindet sich das Vokabular des Schreibens: Wort, Satz, Absatz. Sie existieren in und nebeneinander; Sie sind semantische Geschwister, hybride Lexika, mehr gleich als verschieden. Beide Kunstformen sind auf diese Werkzeuge angewiesen, um sich vermittelte Begegnungen vorzustellen, zu schaffen und durchzuführen. Der Künstler entscheidet, was wann, in welcher Reihenfolge und in welchem ​​Umfang offenbart wird und was verborgen bleibt - auf diese Weise gestaltet der Künstler in der Zeit.

Das Medium eines Choreografen sind Körper im Raum über die Zeit, das Medium eines Schriftstellers sind Wörter im Raum über die Zeit. Und wenn Tanz das Spektakel (oder Anti-Spektakel, wie es der Fall sein mag) von Körpern ist, die sich im Laufe der Zeit in Bewegung befinden (oder nicht), dann ist Kritik, wie Thomson sagt, „… das Spektakel eines Geistes bei der Arbeit.“ Der Schriftsteller Es ist dem Choreografen sehr ähnlich, mit nicht viel mehr als einer Idee, einer Reihe von Fragen und Problemen und einer bestimmten Anzahl verfügbarer Werkzeuge.

Die Choreografie von Ideen ist eine verkörperte Praxis wie Tanz oder Musik oder Performance, denn es ist der Körper, durch den wir die Welt erfahren, und es ist der Körper, der den Akt des Schreibens ausführt. Der Verstand mag der Ort sein, an dem Sinn gemacht wird, aber es sind unsere Augen, die sehen, unsere Ohren, die hören, unsere Nase, die riecht, die Haut, die sich anfühlt, die Augen, die weinen, die Lungen, die keuchen, die Lippen, die sich küssen, die Körper, die sich berühren und Herzen, die in der Gegenwart eines anderen aufregen oder brechen.

Geste, Phrase, Sequenz, Wort, Satz, Absatz - dies sind die Werkzeuge, die alle Choreografen gemeinsam haben, unabhängig davon, ob sie mit Körpern oder Wörtern in drei oder zwei Dimensionen, öffentlich, privat oder irgendwo dazwischen arbeiten. Dies sind einige der Werkzeuge, die verwendet werden, um die Vorstellungskraft zu fesseln, Aufmerksamkeit zu wecken, Beobachtungen und Einsichten in unvorhersehbaren Sequenzen zurückzuhalten und zu enthüllen, um uns zu überraschen, das Vertraute zu vertrauen und unser Wunder, in der Welt zu sein, zu erneuern.

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„Es gibt Kunst, um das Lebensgefühl zurückzugewinnen. Es besteht darin, Dinge fühlen zu lassen, den Stein steinig zu machen. Der Zweck der Kunst ist es, die Wahrnehmung von Dingen so zu vermitteln, wie sie wahrgenommen werden und nicht wie sie bekannt sind. Die Technik der Kunst besteht darin, ein Objekt „fremd“ zu machen, Formen zu erschweren, die Schwierigkeit und Länge der Wahrnehmung zu erhöhen, weil der Wahrnehmungsprozess ein ästhetisches Selbstzweck ist und verlängert werden muss. In der Kunst ist es unsere Erfahrung des Bauprozesses, die zählt, nicht das fertige Produkt. “- Viktor Shklovsky,„ Kunst als Technik “

Alles beginnt mit der Begegnung.

Der Vorspann rollt, die Ouvertüre spielt, unser romantischer Held und unsere Heldin treffen sich und lehnen sofort ab. Er ist zu schwach, sie zu bedürftig. Er ist zu arm, sie ist zu reich: eine Liste gepaarter Gegensätze… und doch. Sie werden mit einem Hindernis konfrontiert, einer widerstrebend und ambivalent geteilten Suche, deren erfolgreicher Abschluss es erfordert, dass unser Held und unsere Heldin zusammenarbeiten, zusammenarbeiten, etwas erreichen und überwinden. Sie haben Erfolg, wild und jenseits ihrer Erwartungen. Am Ende des Films sind sie - zu ihrer Überraschung und zu der von niemand anderem - einander in die Arme gefallen, weil sie die wahre Liebe gefunden haben. Jedes Klischee enthält einen Kern der Wahrheit. Wir sind nur Menschen, wir können nur so schnell gehen wie wir können, lernen so schnell wie wir lernen können, leben und lieben so schnell wie wir lieben können - unser Körper bewegt sich durch den Raum über die Zeit, die natürliche Zeit, wie sie sich entfaltet und wie wir erleben es. Die ersten Eindrücke sind oft falsch, das, worauf wir uns anfangs zurückziehen, kann das werden, was wir am meisten lieben, das, was beim ersten Zusammentreffen gefällt, wird schelmisch, vertraut, klapsig, weltlich. Es ist ein Geheimnis, das andauert. Können wir immer dabei sein, etwas preiszugeben? Können wir im Staunen bleiben, offen für Entdeckungen und Entdeckungen?

Oder vielleicht datieren wir online. Wir begegnen einem Bild, ein paar scheinbar herausragenden Fakten, die geschrieben wurden, um zu verleiten, zu verkaufen, zu überreden und Interesse zu wecken. Diese Bilder, Sätze und Blicke werden geteilt, man stellt sich vor und hofft, als Opfer - hier ist die beste Version von mir, hier sind die vielen Dinge, die du lieben kannst, hier ist meine Fähigkeit zu lieben, zu erfüllen, zu vervollständigen, zu teilen in Lachen und Tränen. Oder vielleicht nur, um sich zu unterhalten, ohne Bedingungen, nur um sich ungezwungen mit Freunden zu treffen, die bestenfalls Vorteile bieten. In jedem Fall verfügen wir nur über eine begrenzte Menge an Informationen und füllen den Rest aus. Wir stellen uns das bestmögliche Szenario und das bestmögliche Ergebnis vor und planen ein persönliches Treffen. Wir investieren Zeit, Energie und Ressourcen. Wir geben unser Bestes Version von uns selbst und setzen Sie sich dieser Person gegenüber in der Hoffnung, dass sie diejenige sind, die begierig ist, den Vorteil des Zweifels zu geben. Niemand geht auf ein Date und hofft, dass die andere Person eine Katastrophe ist.

Und so ist es mit dem Kunstwerk und seinem Zeugnis.

Wir treten optimistisch, offen und aufgeschlossen ein. Wir bemühen uns, uns selbst bewusst zu sein, wir atmen tief und beruhigen den Geist, wir lassen zu, dass das, was vor uns liegt, sich in seiner eigenen Zeit offenbart, wir unterhalten uns. Wir beginnen notgedrungen an der Oberfläche und bewegen uns hoffentlich im Laufe der Zeit tiefer und komplexer. Wir stellen uns diese Begegnung als Ort einer Reihe kartografischer Koordinaten entlang der unzähligen Achsen des Raum-Zeit-Kontinuums vor, entdecken reale Zusammenhänge, stellen uns andere vor, die noch nicht da sind, und stellen uns gemeinsame Erfahrungstendenzen vor, die sich in das Universum und zurück zu uns selbst winden. uns in einen Zustand der Gnade und der Möglichkeit zu hüllen, einen Moment, in dem wir uns so sehen, wie wir wirklich sind, und es ist herrlich.

Und dann kehren wir zur allgegenwärtigen Situation zurück, fragen uns, was passiert ist, und bewerten die Erfahrung.

Wir stellen uns vor, dass wir uns mit der Performance beschäftigen, um eine Veränderung in uns selbst herbeizuführen, oder die Künstlerin stellt sich vor, dass sie ein Kunstwerk schafft, um das Publikum oder vielleicht die Welt zu verändern. aber die kunst kann nicht ohne den betrachter existieren.

Der Beobachter-Effekt sagt uns, dass die Anwesenheit eines Beobachters und der Akt der Beobachtung das ändern, was beobachtet wird. Der Beobachter wird durch den Beobachtungsakt verändert. Dies ist eine Frage der Beziehung und der Position, nicht der Lage, sondern immer dann, wenn es einen Beobachter und einen Beobachteten gibt. Die Kritikerin setzt das vom Kunstwerk vorgeschlagene Gespräch nicht so sehr mit einem Urteil fort, sondern mit einem Ringen mit der eigenen Antwort, einer Abbildung dieser Beziehung auf und innerhalb der Gesamtsumme ihrer Erfahrung.

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"Jeder ist ein Künstler" - Joseph Beuys

Jeder ist ein Kritiker, so wie jeder ein Künstler ist, und so wie es nur sehr wenige gute Künstler gibt, sind nur sehr wenige Menschen gute Kritiker.

Vielleicht liegt es daran, dass so viele Menschen jeden Tag so viele Dinge schreiben - E-Mails, Texte, Verkaufsberichte, Bestellungen, Mitarbeiterbewertungen, Grußkarten, Facebook-Posts -, dass sie oft den Akt des Schreibens mit der Kunst des Schreibens verwechseln: Text als Dienstprogramm eher als Ausdruckssache.

Aber das Schreiben erfordert in der Tat Arbeitskraft, spezielle Werkzeuge und viel Übung, um zu lernen, wie man sie kunstvoll einsetzt. Kritisches Schreiben ist eine generative Kunst, die aus Prüfung und Offenbarung, Selbstbeobachtung und Zweifel entsteht. Es ist eine Performance, eine intime Begegnung, die Verletzlichkeit und Tapferkeit erfordert, eine Choreographie der Ideen.

Nur wenige Menschen sind bereit, die Arbeit des Kritikers zu tun, nach innen und außen zu schauen und sich zu fragen, warum sie sich einem Kunstwerk, einem Aufsatz, einer Idee, einer Philosophie oder einer Person gegenüber positiv oder negativ fühlen. Noch weniger haben sowohl das natürliche Talent als auch den Willen, kunstvoll über ihr internes Wrestling zu schreiben und Ideen auf der Seite zu choreografieren.

Es ist mit Kritik, wie es mit allen Kunstformen ist: Man beginnt eine Reise mit einer Vision, einem bekannten Ziel, dem Weg von hier nach dort, der klar markiert und hell abgegrenzt ist. "Ich werde nicht davon abgehalten sein, den fernen Ort zu erreichen, nach dem ich mich lange gesehnt habe", sagen Sie sich selbst und jedem, der zuhören wird. "Denn ich habe einen prächtigen Hügel gesehen, auf dem ich ein herrliches Gebäude errichten werde."

Wir stellen uns vor, dass die Menschen nach Abschluss der Arbeiten diese außergewöhnliche Kreation und auch ihren bemerkenswerten Schöpfer bestaunen werden. Die Welt wird auf das Werk blicken und einige Wahrheiten über sich selbst, über andere, über die Welt, in der wir leben, und über die Welten, die wir nicht kennen. Sie werden unsere Schöpfung betrachten und darauf hinweisen, wie es Rilke an seinem berüchtigten archaischen Apollo-Torso getan hat: „Denn hier gibt es keinen Ort, der dich nicht sieht. Sie müssen Ihr Leben ändern. “Dann machen wir - der Künstler, der Schriftsteller - unseren ersten Schritt auf dem Weg der Untersuchung, um zu entdecken, dass nichts so ist, wie wir es uns vorgestellt haben.

Künstler und Kritiker beginnen mit einer Frage und machen sich auf die Suche nach Antworten, um herauszufinden, dass jede so genannte Antwort mehr Fragen, Welten in Welten in Welten, wie russische Nistpuppen schwer zu lösender Probleme und unlösbarer Rätsel aufwirft. Eine Escher-ähnliche Landschaft existenzieller Zweifel, die für immer in sich zusammenbricht.

Aber während ein Künstler gelegentlich eine luxuriöse Position der Gewissheit einnimmt, ist die authentischste kritische Position eine von zweifelhaftem Optimismus; Der Kritiker muss bereit sein, sein Herz offen zu legen und sich regelmäßig das Herz brechen zu lassen. Sie muss bereit sein, über ihre Liebe oder ihren Herzschmerz zu schreiben und sie mit der ganzen Welt zu teilen.

Und dazu muss sie in der Lage sein, Sätze zu formulieren, die ihre Erfahrung mit dem Kunstwerk anschaulich beschreiben und gleichzeitig die Konturen ihrer Innerlichkeit vermitteln. Wir, der Leser / Zuschauer, müssen einen Pfad entlang geführt werden, der aus Sätzen besteht, ohne zu wissen, wohin wir gehen, ohne uns dabei verloren zu fühlen. Wir müssen fühlen, wie es der Kritiker empfindet - Freude, Erheiterung, Schmerz, Enttäuschung, Verwirrung, Wunder, Geheimnis, Offenbarung, Trostlosigkeit, Verzweiflung, Erleuchtung, Zufriedenheit und möglicherweise sogar Liebe.

Die Kritikerin muss bereit sein, sich auf das Projekt des Teilens ihrer Erfahrungen einzulassen, auch wenn sie weiß, dass die schriftliche Manifestation zwangsläufig die glitzernde Perfektion des reinen Denkens verfehlt.

Alle Künstler stehen auf die eine oder andere Weise vor der Aufgabe, die Kluft zwischen dem isolierten Erleben von Selves, dem Abgleiten und dem Entsetzen von The Void zu überbrücken, über unendliche Zeit und Raum zu greifen, um sich, wenn auch nur kurz, mit anderen in einer ephemeren Gemeinschaft zu verbinden und zu fragen einander: „Erfährst du, was ich erlebe? Passiert das alles wirklich? “

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„Alternative Tatsachen sind keine Tatsachen. Das sind Lügen. "-Chuck Todd," Meet the Press "

„Aber was hat das alles mit mir zu tun?“, Fragen Sie.

Der Ort, an dem Live-Auftritte stattfinden, ist normalerweise die dreidimensionale Welt: eine Bühne, eine Galerie oder ein öffentlicher Raum. Das Schreiben befindet sich normalerweise im zweidimensionalen Raum: eine Seite, ein Bildschirm oder vielleicht eine Wand.

Wenn wir einem Kunstwerk im dreidimensionalen Raum begegnen, stehen uns viele Informationen zur Verfügung, um den Kontext zu liefern. Wir befinden uns in einer bestimmten Stadt, einem bestimmten Stadtteil, einem bestimmten Veranstaltungsort oder einem öffentlichen Raum mit bestimmten Bedingungen - bequemen Sitzen oder Klappstühlen oder einer Matte auf dem Boden, oder wir sind gezwungen zu stehen. Wir sind umgeben von Tausenden von anderen, wir sind einer von wenigen Menschen; Wir haben viel Geld bezahlt, um hier zu sein. Wir sind einfach die Straße entlang gegangen und haben angehalten, um zuzusehen - wir haben überhaupt nichts bezahlt. Wir sind in einer Galerie mit weißen Wänden, wir sind in einer Garage, einem Feld, einem verlassenen Gebäude; Wir sind am Broadway. Wir können größtenteils auf unsere Interpretation und unser Verständnis vertrauen und unsere Erwartungen entsprechend kalibrieren.

Wenn wir im physischen zweidimensionalen Raum auf ein Schreibwerk stoßen - auf ein Buch, eine Zeitschrift, ein Magazin oder eine Zeitung - haben wir auch eine bestimmte Menge an Informationen zur Verfügung, um den Kontext bereitzustellen. Dies ist eine angesehene Zeitung, ein Unterhaltungs-Hochglanz, ein fotokopiertes Zine mit Clip-Art, eine akademische Zeitschrift, die ich in der Buchhandlung der Universität gekauft habe. Dies ist ein Kunstbuch, ein Massenmarktbuch, vielleicht eine Zeitschrift über Wein, Waffen und Jagdhunde oder über das Altern, die Luftfahrt oder die Politik. Es ist glänzend oder matt, es ist wunderschön illustriert, es ist dicht mit Text, es ist täglich, wöchentlich, vierzehntägig, monatlich, vierteljährlich.

In jedem Fall können wir mit einiger Sicherheit die Herkunft der Drucksache, die Welt, aus der sie stammt, und den wahrscheinlichen sozialen, kulturellen und wirtschaftlichen Kontext des Schriftstellers ableiten. Wenn das Schreiben in gedruckter Form erscheint, erscheint der Verfasser in einem festen Kontext, der Autorität vermittelt. Im Übrigen ergibt sich diese Autorität aus dem Vorwand, dass die Veröffentlichung - und demzufolge auch der Verfasser - objektiv ist oder zumindest ihre Vorurteile bekannt sind.

Wenn jedoch im Internet geschrieben wird, besteht eine inhärente Instabilität des Kontexts. Eingebettet in ein riesiges dezentrales Informationsnetzwerk haben wir buchstäblich die Perspektive verloren, denn alles kann jederzeit aus jedem Blickwinkel betrachtet werden. Im Internet schwebt der Autor im Weltraum, verfolgt einen unzuverlässigen Leitstern, der sich ständig in Bewegung befindet und seine Form ändert. Oft kann sich der Autor nicht auf die übertragene Autorität einer etablierten Publikation verlassen. von gleicher bedeutung ist, dass die publikation nicht mehr vom mythos der objektivität abhängen kann.

Der Neurowissenschaftler Anil Seth schlägt vor, dass wir alle die ganze Zeit halluzinieren. Wenn wir uns über unsere Halluzinationen einig sind, nennen wir das „Realität“. Live-Auftritte bieten uns die Möglichkeit, diese Arbeit absichtlich und gemeinsam in einem gemeinsamen Raum über einen festgelegten Zeitraum auszuführen. Ein Künstler schlägt eine Reihe von Fragen und Bedingungen vor, die die „Realität“ repräsentieren oder repräsentieren sollen, oder ein Kunstwerk der Realität, das das enthüllen soll, was verdeckt oder bisher nicht gesehen, unbemerkt oder unsichtbar war. Seit dem frühen 20. Jahrhundert haben viele Künstler Kunst geschaffen, die ihre eigenwillige Innerlichkeit, ihre phänomenologische Erfahrung des Seins in der Welt zur Geltung bringt.

Die kritische Antwort besteht nicht darin, die wesentliche Wahrheit dieser phänomenologischen Erfahrung in Frage zu stellen, sondern zu fragen, ob diese Erfahrung sinnvoll vermittelt wird, ob sie auf die eigene Erfahrung des Kritikers abbildet oder ob eine kognitive Dissonanz entsteht, die das Bekannte entkennt, ob es eine Wahrscheinlichkeit dafür gibt es kann so für andere tun.

"Erlebst du, was ich erlebe? Passiert das alles wirklich? “

Demokratie erfordert per definitionem einen Konsens in so alltäglichen Fragen wie der Farbe der Ampeln und eine tiefgreifende philosophische Grundlage für die unveräußerlichen Menschenrechte, die die Grundlagen der Zivilgesellschaft bilden. Diejenigen, die unsere Demokratie untergraben würden, setzen Verwirrung als Instrument ein, um unseren kollektiven Realitätssinn zu destabilisieren. Sie würden uns glauben machen, dass wir in einer Post-Wahrheits-, Post-Fakt-Gesellschaft leben.

Es heißt, dass Dante für alle praktischen Zwecke das Italienische als eigenständige Literatursprache geschaffen hat, indem er verschiedene regionale Dialekte mit einigen lateinischen Elementen verschmolz. Obwohl das Fortschreiten der Göttlichen Komödie von der Hölle zum Paradies Dantes Glauben an ein geordnetes Universum widerspiegelt, stellte seine Entscheidung, in der Landessprache zu schreiben, den Primat des Lateinischen in Frage und so kann man sich vorstellen, dass sie den Niedergang derselben Ordnung ausgelöst hat. Seine Schaffung des Italienischen als diskrete Sprache, die regionale Unterschiede ausräumte, ermöglichte es schließlich, sich einen diskreten Nationalstaat namens Italien vorzustellen.

Und so lehrt uns die Geschichte, dass die Choreografie von Ideen die Fähigkeit hat, unsere Erfahrung der Welt zu formen und neu zu formen; Diese Kunst kann Welten zerstören, selbst wenn sie neue schafft.

Unsere Demokratie hängt von der Arbeit der Künstler-Kritiker ab, um der Diffusion von Verwirrung, der Verbreitung von Fehlinformationen und der gewaltsamen Reduzierung der Vorstellungskraft unserer Gesellschaft durch die kurzfingrigen Vulgarier am Tor entgegenzuwirken. Es ist Zeit, sich an die Arbeit zu machen.

Siehe auch

Kunstjournale: Was sind sie, warum sollten Sie eines haben und wie können Sie anfangenDie 10 besten Filme 2017