Veröffentlicht am 11-09-2019

Ein Gespräch mit Yagiz Mungan, CODAME Artist

Eine Reihe von Interviews mit Künstlern und Sprechern, die auf dem CODAME ART + TECH Festival [2018] von Irene Malatesta gezeigt wurden

Yagiz Mungan, interdisziplinärer Künstler

Die interdisziplinäre Künstlerin Yagiz Mungan schafft Arbeiten, die VR / AR, Sound / Musik, Interaktion, Performance, virtuelle Welten und Gaming miteinander verbinden. Er interessiert sich insbesondere für generative Strategien zur Erstellung von Bildern und Tönen sowie für Möglichkeiten, mithilfe von Technologie die Grenzen der menschlichen Wahrnehmung und der emotionalen Reaktion zu verschieben. Seine Arbeit zielt oft darauf ab, vertraute Erfahrungen zu rekontextualisieren oder unheimliche technologische Begegnungen im modernen Leben anzusprechen.

Mungan hat einen MSc in Computertechnik und einen MFA in interaktiver Kunst und stellte seine Arbeiten auf der ganzen Welt aus. Für das CODAME ART + TECH Festival 2018 zeigt Mungan ein Projekt namens Illy, eine KI, die über Klang ohne Sprache kommuniziert.

Das diesjährige CODAME Festival mit dem Codenamen #ARTOBOTS bietet 4 Tage lang Installationen, Workshops, Vorträge und mehr, die sich auf den wachsenden Einfluss künstlicher Intelligenz und Robotik in der modernen Welt konzentrieren. In diesem Gespräch erörtert Mungan diese und weitere Themen, einschließlich seines Hintergrunds und seiner frühen Klangexperimente, wie er verschiedene technologische Medien mischt, um neue Medienkunst zu schaffen, und wie VR uns helfen kann, das Unmögliche zu erfahren.

IM: Hallo Yagiz, danke, dass du dem Chat zugestimmt hast. Du bist ein Künstler, der mit interaktiven Installationen, interaktiver Musik und gemischter Realität arbeitet. Könnten Sie zunächst ein wenig darüber sprechen, wer Sie sind und welche Art von Arbeit Sie leisten?

YM: Ich mag es, interaktive oder generative Dinge zu kreieren, bei denen der Computer oder die Software Teil der Erfahrung als aktiver Agent ist. Damals habe ich Ingenieurwissenschaften studiert und mich inspirieren lassen, meine Projekte kreativer zu gestalten. Ich habe mich mit algorithmischen und generativen Ansätzen für meine Arbeit befasst. Ich konnte dorthin gelangen, wo es keinen Benutzer gab, aber es gab mehr Ausdruck durch Software. Von dort bin ich zum Spielen gekommen: zum Spieledesign und zu interaktiven Installationen.

Ich habe immer mit Musik und Kunst gearbeitet, aber als ich jünger war, waren Technologie und Kunst zwei getrennte Dinge. sie existierten nicht zusammen. Meine Idee, sie zu kombinieren, ist mit der Zeit gewachsen. Als ich in die algorithmische Erzeugung einstieg, schrieb ich Software, die Musik komponierte und Bilder schuf. Ich bin in Systeme geraten, mit denen man interagieren kann, um Musik, Videos, Code für ein Spiel oder Installationen zu erstellen.

Mixed Reality oder VR ist nur ein weiteres Medium, um Installationen zu erstellen. In der VR gibt es keine physischen Einschränkungen für das, was Sie erstellen können.

Es hört sich so an, als würdest du dich hauptsächlich als Künstler bezeichnen, der mit Interaktivität arbeitet, und all diese verschiedenen Medien waren verschiedene Wege, um das zu erreichen.

Das ist eine Möglichkeit, ja. Für mich würde ich "interdisziplinärer" Künstler sagen, weil das Codieren mein Handwerk ist. Klänge sind für mich immer das Wichtigste: Ich versuche immer, sie klang- oder musikorientiert zu machen. Visuals sind immer da, aber ich versuche immer, den Sound zu einem sehr wichtigen Teil des Projekts zu machen und darauf aufzubauen, anstatt „Lass uns etwas Musik in den Hintergrund stellen.“ Stattdessen möchte ich mich normalerweise mit dem Erstellen von Musik befassen.

Das ist interessant, denn das ist eine wirklich unterschiedliche Sichtweise, ob die Musik das Thema ist oder ob die Musik im Hintergrund ist. Sie haben bereits erwähnt, dass die Codierung Ihr Handwerk ist. Sie haben einen Master in Computer Engineering und einen MFA in Electronic Art. Könnten Sie ein wenig über Ihren Hintergrund und Ihre Herkunft sprechen und wie Sie beschlossen haben, diesen formalen Ausbildungsweg fortzusetzen?

Ich komme aus der Türkei. Woher ich in meiner Kindheit in den frühen 2000ern stamme, war es eine Kultur, in der man als erfolgreicher Student bestimmte Fächer studieren muss. Ich hatte nicht allzu viele Optionen zur Auswahl und studierte Ingenieurwesen.

Ich hatte immer das Gefühl, dass dort etwas fehlt. Als ich meinen Master machte, ging ich von der Untersuchung, was mit Programmieren oder Engineering gemacht werden kann, zu der Erkenntnis, dass ich damit die Musik basteln kann, die mir gefällt. In meiner Masterarbeit ging es darum, Kompositionen algorithmisch zu erstellen. Als ich damit fertig war, dachte ich, ich möchte auch eine Benutzerinteraktion.

In meinem zweiten Master ging es um interaktive Kunst als zeitbasiertes Medium. Der Fokus lag auf Installationen, künstlerischen Ideen und Benutzerinteraktion. Das war irgendwie mein Weg.

Ihr kreativer Weg macht tatsächlich sehr viel Sinn: Sie waren UX-Entwickler, Hochschullehrer, Sie haben an Spieledesign gearbeitet ... Sie haben viele verschiedene Dinge getan, aber sie alle haben diese Komponente der Kreativität einbezogen, etwas geschaffen und Interaktivität betrieben und Technik. Sie sind auch viel gereist. Können Sie Ihre bisherigen Jobs und Städte kommentieren?

Das ist eine interessante Frage, weil ich so viel Zeit in der Schule verbracht habe. Wenn es um Jobs geht, haben sich meine Titel geändert, aber was ich mache, ist größtenteils dasselbe. Am interessantesten finde ich die Arbeit, die ich außerhalb meiner regulären „Jobs“ mache. Die Leute, die ich treffe, die Technik- und Kunst-Community in San Francisco. Mit Leuten in dieser Community zu reden ist immer mehr als unterhaltsam. Ich habe das Gefühl, dass ich mehr tun muss. Nicht auf wettbewerbsfähige Weise, aber Sie wissen, ich fühle mich inspiriert!

Ich war in vielen Städten. Ich war nach meinem Studium in Indiana. Ich war in Schweden und dann einige Zeit in Deutschland. Viel Zeit in der Türkei. In Bezug auf die Kunstszene kann ich beispielsweise Indiana nicht mit San Francisco vergleichen, weil es so anders ist. Hier gibt es immer neue Leute zu treffen. Hier passiert so viel.

Gab es in Bezug auf Ihre Arbeit ein bestimmtes Projekt, das Sie von Anfang an inspiriert hat?

Ich war seit meinem siebten Lebensjahr immer mit Musik beschäftigt. Mein Hauptinstrument ist die Gitarre. Ich spiele auch Synthesizer. Ich glaube, das begann, als ich in einer Klasse war, und ich habe einen sehr einfachen Sound-Making-Code erstellt, und ich war daran interessiert, weiterzugehen. Ich habe mir die Grundlagenforschung angeschaut, da draußen gibt es eine Menge Dinge, und mir ist klar geworden, dass es ein Gebiet gibt, das ich studieren und erforschen kann, um mich zu verbessern.

Für den ersten Teil war es ein bisschen zufällig. Sie erhalten beispielsweise ständig Werbung, E-Mails von Anbietern und sehen den neuen Redner, was auch immer. Ich erinnere mich, dass ich die E-Mail erhielt, in der behauptet wurde, der neue Sprecher habe einen bestimmten Frequenzgang und ich dachte: "Das kann der Mensch nicht hören!" Ich war inspiriert, es zu testen. Ich habe einen einfachen Code erstellt, um diesen Sound abzuspielen, und natürlich konnten wir nichts vom Laptop hören.

Dies war nur ein frühes Experiment. Ich hatte nur Spaß und dann wurde mir klar, dass ich auf diese Weise Musik machen kann. Im Laufe der Zeit entdeckte ich eine ganze Reihe von Werkzeugen, die Menschen für kreative Technologien verwendet haben. Es war der erste Schritt für mich.

Lassen Sie uns ein wenig über die Arbeit sprechen, die Sie gerade machen. Könnten Sie etwas über Ihre aktuellen kreativen Projekte erzählen, worauf Sie sich am meisten freuen und was Sie dazu antreibt, sie zu erstellen? Warum machst du sie, was willst du am allermeisten kommunizieren?

Nun, meine Arbeit geht zwei Wege. Manchmal gibt es etwas in der bildenden Kunst, das ich untersuchen möchte, oder eine Benutzerinteraktion, auf die ich neugierig bin. Es gibt also keine wirkliche Botschaft oder Bedeutung, aber ich möchte nur sehen, wo ich aus einer ästhetischeren Position komme. Manchmal, wenn es etwas gibt, das mich stört oder zum Nachdenken bringt, mache ich ein Stück darüber.

Im Moment arbeite ich mehr mit Musikvisualisierern und erstelle mithilfe von Musik abstrakte Landschaften. Ich versuche, mich von den alten abstrakten Formen zu lösen und realistischere Bilder zu machen. Es ist ein unterhaltsames Projekt, bei dem einige visuelle Effekte untersucht werden, die ich durch Sound fahren kann.

Was ist mit den Landschaften, von denen Sie angezogen werden, warum mit Landschaften?

Nun, ich würde sagen, nicht so landschaftlich wie in der Natur, sondern beispielsweise in einer Stadt. Zum Beispiel, wenn Sie in einem Café sitzen und Menschen beim Überqueren der Straßen zusehen. Ich kann so etwas erschaffen, das im wirklichen Leben unmöglich wäre, wenn sich einige Leute nach oben bewegen, andere nach unten bewegen ...

Und dann kann ich Motion Capture verwenden, um dies zu erstellen. Zerbrochenheit interessiert mich, die Tatsache, dass sie nicht wirklich existieren oder nicht existieren können.

Zum Erstellen Ihrer Kunstwerke verwenden Sie Unity und WebGL. Können Sie etwas mehr über Medien und Werkzeuge erzählen, mit denen Sie Ihre Arbeit erstellen? Was ist Ihnen am wichtigsten?

Ja, das sind meine beiden Hauptwerkzeuge für die Visualisierung. Ich arbeite gerne in einem Raum und die Arbeit in physischen Räumen ist interessant, aber nicht immer erschwinglich oder praktisch. Deshalb arbeite ich gerne in virtuellen Räumen oder kombiniere sie, so als gäbe es einige physische Aspekte zu den virtuellen Aspekten. In diesen Fällen verwende ich Unity oder WebGL.

Der Grund, warum ich mich für das eine oder andere entscheiden könnte, liegt darin, dass in einem von ihnen etwas Bestimmtes enthalten ist, das ich benötige. Hauptsächlich wähle ich basierend auf den Distributionsmitteln. Wenn ich die Arbeit online an andere verteilen muss, gehe ich zu WebGL, der Browser-Methode, [ich] verwende gerne die Bibliothek three.js, damit Sie einfach einen Link freigeben können und andere Zugriff darauf haben. Für eine ereignisbasierte Sache benutze ich gerne Unity. Es macht sehr viel Spaß und ist einfach zu bedienen mit vielen Funktionen. Es ist etwas schwieriger zu verteilen.

Eine andere Sache ist die Treue. Mit meinen Fähigkeiten kann ich eine bessere Qualität in Unity erzielen, was manchmal wichtig ist. Für den Sound ist es ein bisschen interessant. Ich liebe Unity, aber die Möglichkeiten zur Klangerzeugung sind begrenzt. Die meiste Zeit verbinde ich eine andere Sache wie MAX / MSP, die wie ein Live-Performance-Tool ist, aber das macht es schwieriger, das Gesamtprodukt bereitzustellen oder an andere zu senden.

Wenn ich in einem Raum arbeite, benutze ich gerne viele der Geräusche in diesem Raum, um sie wieder in die Ausstellung zu mischen, die Geräusche zu erfassen und sie wieder zu verarbeiten. Manchmal mag ich es auch, meine eigenen Kompositionen zu zeigen, die Gitarre spielen, als Teil der Erfahrungen, die ich mache.

Welche emotionalen künstlerischen Inhalte werden Ihrer Meinung nach nun durch Mixed-Reality-Technologien möglich? Sie arbeiten in VR mit all diesen neuen Tools. Es gibt offensichtlich einen Grund, warum Künstler VR verwenden möchten, um etwas Neues zu kommunizieren, oder?

Ja. In der physischen Welt gibt es viele Dinge, die Sie aufgrund grundlegender Einschränkungen wie Platz oder Ressourcen wie Geld usw. nicht erreichen können. Was VR Ihnen gibt, ist die Fähigkeit, Dinge wie unmögliche Szenarien zu erschaffen. Es versetzt Sie aus der Perspektive der ersten Person in das Unmögliche. Alles wird plötzlich real, wie: "Ich kann das wirklich anfassen."

Eines der Dinge, die ich kürzlich gemacht habe, war ein VR- und Tanzstück. Freya Olafson und ich haben diese tanzenden Avatare kreiert. Sobald Sie genug davon erstellt haben, haben Sie das Gefühl, sich auf dem Waldboden eines hoch aufragenden, robotergesteuerten, sich bewegenden Avatars zu befinden. Es schuf ein Gefühl des Erhabenen. Sie können nicht einfach dorthin gelangen. Erreichen Sie den Punkt, der unmöglich ist, aber Sie spüren plötzlich: "Ich bin tatsächlich hier, das ist unmöglich."

Manche Leute benutzen VR, um die physische Welt nachzubilden, und dann wird es einfach lustig, wie ein Witz. Für mich ist es interessant, Menschen in diese unmöglichen Situationen zu versetzen, in denen dies zu einer sehr persönlichen Form der Erfahrung wird. Sie sehen es mit Ihren eigenen Augen. Es kann dich wirklich erreichen.

Foto von Motion Aftereffect von Freya Bjorg Olafson und Yagiz Mungan, 2017. Foto von Robbie Sweeny. Diese Arbeit wurde im Rahmen des CounterPulse Artist Residency Commissioning Program mit Unterstützung der National Endowment for the Arts, der Zellerbach Family Foundation und des Ken Hempel Fund for the Arts entwickelt. Mehr Infos hier.

Künstler setzen sich schon sehr lange auf unterschiedliche Weise mit dem Erhabenen auseinander. Denken Sie, dass die Mixed-Reality-Technologie ein besonders gutes Medium oder ein Ort ist, um dieses Gefühl zu vermitteln?

Ja, ich denke schon. Es ist ein Medium für alles, aber die Tatsache, dass man überall Menschen unterbringen kann, ist sehr stark, weil man Menschen dort unterbringen kann, wo man es sich vorstellt, nicht nur in einer Landschaft, sondern auch in einem Geisteszustand. Es muss kein realer Raum sein, auf dem sie stehen könnten. Es könnte ein Raum ohne Grund sein, oder es könnte ein Übergangsraum sein. Es könnten nur Lichter und Geräusche sein. Es könnte kein Raum sein. Das ist ziemlich stark.

Absolut. Und wie wäre es mit einem kleinen Blick in die Zukunft? Gibt es neue Technologien, für die Sie sich besonders begeistern, die sich noch in der Proof-of-Concept-Phase befinden, die Ihrer Meinung nach jedoch noch nicht vollständig für die Erstellung hochwertiger Kunstwerke genutzt wurden?

Es gibt immer den linearen Fortschritt, den aufstrebende Technologien haben. Wir beschäftigen uns immer noch mit Netzwerkkabeln und manchmal werden die Kabel störender als das Stück! Aber was die neuen Technologien angeht, wäre es interessant zu sehen, wohin AR geht. Zu diesem Zeitpunkt wird nur die Oberfläche abgekratzt, aber wenn sie tatsächlich vorhanden ist, ist es schwierig zu sagen, was Augmented Reality und was physisch ist. Das wird interessant und beängstigend sein.

Ansichten von Illy, von Yagiz Mungan

Lassen Sie uns über das kommende CODAME ART + TECH Festival sprechen. Können Sie uns etwas über die Arbeit erzählen, die Sie zeigen werden?

Es wird eine Version von Illy sein, einem halbintelligenten System. Es ist ein sich entwickelndes Projekt, das schon seit einiger Zeit läuft.

Der Ausgangspunkt für Illy war ein Gerät: ein Amazon Alexa oder Google Home. Wenn Sie eines davon verwenden, sprechen Sie mit einem Plastikobjekt, sagen etwas und erwarten ein Ergebnis. Und wenn Sie dieses Ergebnis erhalten, fühlen Sie sich glücklich und zufrieden, aber wenn es heißt: "Oh, das habe ich nicht verstanden", sind Sie frustriert. Wenn es das falsche Lied spielt, wird man frustriert.

Nachdem ich diesen Prozess mit meinem Akzent durchlaufen hatte, war ich besorgt, dass ich über einen Plastik-Bot so frustriert sein könnte. Nachdem ich ein bisschen darüber nachgedacht hatte, kam ich auf Illy, eine künstliche Intelligenz, die kein Englisch versteht. Illy versteht keine Sprache, versteht kein Sprechen, versucht jedoch, die Stimmen, die Tonhöhe, die Lautstärke und die Haupteigenschaften des Klangs zu interpretieren und darauf zu reagieren. Es entsteht eine Kommunikation, bei der beide Seiten wissen, dass es kein Verständnis geben wird. Es liegt an Ihnen, dem, was darin steht, eine Bedeutung zu geben.

So kommuniziert es zurück, wenn Sie mit ihm sprechen, aber nicht in der Sprache?

Genau. Das Gespräch ist eher ein Monolog, aber es liegt an Ihnen, was es sagt. Das ist also die Hauptidee. Es wird entweder ein VR-Projekt oder ein großes Display geben. Sie können Illy als eine Sache betrachten, die nur raue Geräusche macht, oder es könnte Ihr verständnisvollstes Haustier sein, oder Sie können es wie ein Baby behandeln. Wie Sie wissen, sprechen Sie mit einem Baby. Sie wissen, dass das Baby Sie nicht versteht. Es geht nur darum, wie du dich fühlst.

Was möchten Sie, dass die Leute über Ihre Arbeit Bescheid wissen? Oder woran möchten Sie sie am meisten denken lassen, wenn sie Ihre Arbeit auf dem Festival sehen?

Es geht um unsere Beziehung zu Dingen, zur Technologie, zu KIs und darum, wie die Kommunikationsmittel unsere Perspektive und Erwartungen verändern. Ich sage zum Beispiel jetzt etwas, und Sie können verstehen, dass wir dieselben Symbole verwenden, aber wenn ich auf Türkisch spreche, wäre das nur Lärm und für Sie völlig wertlos.

Oder denken Sie über die Beziehung zwischen Menschen nach, wenn Sie in ein Café gehen und um einen Kaffee bitten. Die meiste Zeit in unserem hektischen Leben ist unsere Erwartung: "Diese Person gibt mir Kaffee." Wenn diese Person versucht, ein kleines Gespräch mit Ihnen zu führen, lautet Ihre Reaktion: "Ich muss gehen, warum verschwenden Sie meine Zeit!" Es ist so eine kleine Sache, aber sich dieser Wechselwirkungen wirklich bewusst zu sein, ist ganz anders als unbewusst.

Es ist interessant darüber nachzudenken, wie Klang, Klangqualität und Bedeutung von Sprache häufig miteinander verschmelzen. Wie in Ihrem Projekt: Sie präsentieren es so, aber wir wissen, dass wir mit einer sehr süßen Stimme etwas Bedeutungsvolles sagen können und umgekehrt. Es ist sehr einfach für uns, diese Erwartungen zu haben, die dann falsch sind, weil wir nur unsere eigene Perspektive anwenden.

Das ist das kulturelle Konstrukt. Verschiedene Sprachen haben unterschiedliche Arten, Dinge zu sagen. Bei manchen klingt es zum Beispiel so, als würde ich mit Ihnen sprechen, wenn Sie in einer Sprache etwas „Süßes“ aussprechen. All diese Bedeutungen sind vom Menschen geschaffene kulturelle Dinge, auf die wir uns einigen müssen. Sie benötigen den richtigen Decoder, um zu verstehen, und was ist, wenn Sie ihn nicht haben?

Verbinde dich und erfahre mehr über Yagiz Mungan auf der CODAME-Website:

Sie finden seine Arbeiten auf dem CODAME ART + TECH Festival [2018], einer viertägigen Konferenz mit Workshops, Vorträgen und Nachtleben-Events @ The Midway, San Francisco, 4.-7. Juni 2018, Codename #ARTOBOTS:

CODAME ART + TECH Festival [2018] #ARTOBOTS

Irene Malatesta ist Schriftstellerin, kreative Strategin und Liebhaberin der digitalen Kunst in San Francisco. Sie finden sie auf Twitter und Instagram @irenekaoru.

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