Ein unbequemes Meisterwerk: Als Kunst den Faschismus übernahm

Guernica war 1937 eine wenig bekannte spanische Stadt und ist heute ein Synonym für Staatsterror

Picasso arbeitet 1937 an Guernica (Quelle: Wikipedia)

Es war später Nachmittag am Montag, dem 26. April 1937, als eine Flugzeugformation am Himmel südlich von Guernica auftauchte.

Noel Monks, ein Journalist der London Daily Press, entdeckte sechs tief fliegende deutsche Kampfflugzeuge, als er auf dem Weg nach Bilbao im Nordwesten Spaniens an der kleinen baskischen Stadt vorbeifuhr. Über ihnen befand sich eine Formation von Bombern.

Mönche knallten in seinen Pausen und gingen mit seinem Begleiter in Deckung, als die Kämpfer herumrollten, um eine Schusslinie auf das Auto zu bekommen. Die beiden duckten sich erschrocken in einen Graben, als Kugeln in den Schlamm um sie herum schlugen. Sie hörten das gedämpfte Geräusch von Bomben, die in der Ferne explodierten.

Später in dieser Nacht fuhren die Mönche nach Guernica zurück, nachdem ihnen mitgeteilt worden war, dass die Stadt von einem weinenden Regierungsbeamten zerstört worden war. Das Spiegelbild der Flammen war in den Wolken aus zehn Meilen Entfernung zu sehen. Als die Mönche ankamen, wurde er sofort in Dienst gestellt, um Soldaten beim Sammeln von Leichen zu helfen.

"Einige der Soldaten schluchzten wie Kinder", schrieb er. "Es gab Flammen und Rauch und Sand, und der Geruch von brennendem Fleisch war übel."

Der Reporter entdeckte rund hundert Flüchtlinge auf der Plaza, "umgeben von einer Feuerwand […] heulten und weinten und schaukelten sie hin und her." Mönche schrieben über den „unvergesslichen“ Anblick verkohlter Überreste mehrerer Frauen und Kinder, die lebendig zusammengekauert verbrannt hatten und im Keller eines Hauses Zuflucht gesucht hatten. Es war ein Markttag gewesen, und Hunderte waren auf dem Platz versammelt, als die Bomber angriffen.

Das Massaker wurde von der Condor-Legion der Luftwaffe durchgeführt, einer Ergänzung der nationalsozialistischen Luftkriegsmaschine, die die Kampagne des faschistischen Generals Franco zum Sturz der republikanischen spanischen Regierung unterstützen sollte.

"Vollständige Vernichtung"

Der kommandierende Offizier des Angriffs, Wolfram von Richthofen, schrieb:

Als das erste Junkers-Geschwader eintraf, war bereits überall Rauch (von der VB [VB / 88], die mit 3 Flugzeugen angegriffen hatte); Niemand würde die Ziele von Straßen, Brücken und Vororten identifizieren, und so ließen sie einfach alles direkt in die Mitte fallen. Die 250er stürzten eine Reihe von Häusern und zerstörten die Wasserleitungen. Die Brandstifter könnten sich nun ausbreiten und wirksam werden. Die Materialien der Häuser: Ziegeldächer, Holzveranden und Fachwerk führten zu einer vollständigen Vernichtung.

Es gab eine Reihe von Gründen, warum der Angriff so ausgeführt wurde, wie er war. Republikanische Truppen wurden nach Bilbao zurückgedrängt und Guernica war eine wichtige Kreuzung auf dem Weg in die baskische Stadt.

Die Zerstörung der Stadt verhinderte den Rückzug der republikanischen Bataillone und ermöglichte einen schnelleren nationalistischen Vormarsch nach Westen. Das „offizielle“ Ziel der Operation war die Rentiera-Brücke am Rande der Stadt.

Der Überfall war auch ein psychologischer Angriff. Guernica und Umgebung war eine nördliche Hochburg der republikanischen Widerstandsbewegung und ein kulturelles Zentrum des baskischen Volkes. Die Vernichtung der Stadt war symbolisch: ein enormer Schlag für die Moral der Republikaner.

Der letzte und perverseste Grund für die Bombardierung war das Experimentieren. Der Angriff auf Guernica war eine tödliche Generalprobe für die Bombardierungstaktiken, die nur zwei Jahre später für den Blitzkrieg in Polen und Frankreich angewendet wurden. Die Condor-Legion sollte ihre Ergebnisse dem Oberkommando der Luftwaffe melden.

Hermann Göring gab während der Nürnberger Prozesse zu, dass er Hitler aufgefordert hatte, Franco bei Luftangriffen zu unterstützen, um die Technologie und Taktik der entstehenden Luftwaffe zu bewerten.

Guernica nach dem Angriff (Public Domain, Quelle: Wikipedia)

Bei dem Angriff wurden drei Arten neuer deutscher Flugzeuge sowie italienische Flugzeuge eingesetzt. Junker- und Heinkel-Bomber warfen Sprengstoff ab, um die Gebäude in die Luft zu jagen und die Straßen und Brücken der Stadt zu zerschlagen.

Die späteren Wellen warfen mehr als dreitausend kleine Brandbomben ab, um die Stadt in einen Strudel Feuer zu verwandeln. Zivilisten, die - wie George Steer für die Times schrieb - auf die Felder rund um die Stadt flüchteten, wurden von herabstürzenden deutschen Kämpfern mit Maschinengewehren erschossen.

Steers Artikel, der ursprünglich von seinen Arbeitgebern nicht angenommen wurde, wurde am 28. April in der Times und der New York Times gedruckt. Die Geschichte fand schnell Eingang in die internationale Presse.

Picassos Moment

Spaniens berühmtester Sohn, Pablo Picasso, lebte zu dieser Zeit in Paris. Als er am 1. Mai 1937 den Artikel von George Steer in der Morgenzeitung las, war sein Leben und seine Karriere auf einem neuen Weg.

Bis zu diesem Tag war Picassos Produktion trotz des Aufstiegs des Faschismus und des spanischen Bürgerkriegs weitgehend unpolitisch. Atelierszenen und Porträts seiner jungen und schönen Liebhaber und Musen Marie-Thérèse Walter und - nach seiner Trennung von Walter 1935 - Dora Maar machten den größten Teil seiner kreativen Leistung aus.

Picasso war bis dahin ein sehr wohlhabender und angesehener Künstler, der nach Inspiration gesucht hatte, nachdem er in den 1910er und 20er Jahren den Gipfel des Experimentierens erreicht hatte.

Picassos

Eine scheinbar kurze Abweichung von diesem Weg kam im Januar 1937, als er eine Reihe von Comic-ähnlichen Drucken The Dream and Lie of Franco produziert hatte. Es war seine erste offen politische Arbeit - wenn auch nur eine kleine -, die produziert wurde, um Geld für die republikanische Regierung zu sammeln.

Trotz beunruhigender Anspielungen auf Terror in seinen Gemälden zu dieser Zeit gab es keine Verpflichtung zu größeren Arbeiten, die sich mit den Schrecken befassten, die den kommenden Weltkrieg ankündigten.

Der Traum und die Lüge von Franco zeigten den angehenden Diktator in einem surrealistischen und satirischen Licht. Der groteske und ständig transmogrifizierende Franco greift Statuen mit einem Pickel an, frisst sein Pferd, posiert im Schlepptau als Kurtisane mit Blume und Fächer und reitet ein Schwein mit einem Speer. Kritiker sahen in der Arbeit etwas, das nur avantgardistische Insider und Cliquen der Kunstwelt ansprechen würde.

Spätere Ergänzungen der Drucksequenz (siehe Abbildung oben) werden weniger surrealistisch und satirisch. Sie beginnen ein menschliches Drama zu vermitteln. Frauen werden weinend dargestellt, fliehen aus brennenden Häusern und beschützen oder trauern um ihre Kinder. In Thema und Stil haben diese zusätzlichen Szenen vorweggenommen, was als nächstes kommen wird.

"Alles, was wir lieben, wird verloren gehen"

Picasso war auch von der republikanischen Regierung beauftragt worden, ein Wandbild für die spanische Ausstellung auf der Weltausstellung in Paris zu produzieren.

Seine ersten Versuche, das Design zu entwerfen, waren Bilder, die aus seinem Standardrepertoire des Themas „Künstleratelier“ abgeleitet waren, aber Freunde und republikanische Delegierte versuchten ihn davon zu überzeugen, dass die Gräueltaten von Guernica Gegenstand der monumentalen Arbeit sein sollten.

Picasso widersetzte sich zunächst. Er wollte vermeiden, etwas Bedeutendes zu schaffen, das als bloße Propaganda ausgelegt werden könnte. Aber als er George Steers Augenzeugenaussage über den Angriff von Guernica am 1. Mai gelesen hatte, wusste er, dass er das Wandbild der Gräueltat widmen musste. Nach dieser schicksalhaften Entscheidung brauchte Picasso 35 Tage, um das Meisterwerk zu schaffen, das für viele sein Genie definiert.

Guernica, 1937. (Faire Verwendung. Quelle: Wikipedia)

Der Künstler hatte normalerweise in Privatsphäre gearbeitet, aber Picasso hatte zugelassen, dass der Fortschritt dieses bestimmten Gemäldes von Dora Maar in Fotografien festgehalten wurde. Prominente Besucher durften Picassos Haus betreten, um die laufenden Arbeiten zu sehen. Seine Produktion wurde so weit wie möglich bekannt gemacht, als Picasso versuchte, das Bewusstsein für den zunehmend brutalen Bürgerkrieg zu schärfen.

Für Picasso war die Flut des Faschismus eine existenzielle Bedrohung für die Zivilisation. Picassos Freund Michel Leiris erkannte auf dem Gemälde die Bedrohung durch die kommenden Dinge. Picasso, bemerkte Leiris, hatte "unseren Schicksalsbrief geschrieben: Alles, was wir lieben, wird verloren gehen."

Picasso sagte über die laufenden Arbeiten:

"In dem Panel, an dem ich arbeite, das ich Guernica nennen werde, und in all meinen jüngsten Kunstwerken drücke ich deutlich meine Abscheu vor der Militärkaste aus, die Spanien in einen Ozean von Schmerz und Tod versenkt hat."

Nach vielen schnellen Überarbeitungen wurde das Gemälde am 4. Juni fertiggestellt, mit viel Zeit für die Veröffentlichung vor der Internationalen Ausstellung.

In den 1930er Jahren arbeitete Picasso weitgehend im Geheimen, aber während des Gemäldes von Guernica öffnete er seine Studiotüren für Besucher. Die Fotografin Dora Maar, seine damalige Geliebte und Muse, hielt den Fortschritt des Gemäldes von den frühen Stadien bis zur Fertigstellung fest. Diese frühe Zeichnung enthüllt zahlreiche Details, die für die endgültige Version geändert würden. Der Soldat mit dem gebrochenen Schwert hebt in dieser Version seine Faust im republikanischen Gruß, indem er den Gruß entfernt, den Picasso dem Gemälde entpolitisiert hat. (Faire Nutzung)

Modern und mythologisch

Es war angeblich Maar, der Picasso zu fotografischen Experimenten zog, und das beeinflusste vielleicht die Entscheidung, das Wandbild in Schwarzweiß zu malen, und gab ihm die Unmittelbarkeit des Fotojournalismus.

Die Szene ist ein Gemetzel in einem rätselhaften Nichtraum, der sich sowohl im Freien als auch in einem Raum befindet. Die unmöglichen und unerbittlichen, aber erkennbaren Merkmale der Szene unterstreichen die positive Spannung zwischen Allegorie und Realität in der Arbeit.

Links neben dem Gemälde steht ein Stier in der Dunkelheit über einer Frau, die über ein totes Kind in ihren Armen trauert. Ein anscheinend zerstückelter Soldat liegt tot auf dem Boden, sein abgetrennter Arm hält ein zerbrochenes Schwert, aus dem eine Blume wächst.

Ein Pferd in der Mitte des Gemäldes, das den größten Teil der zentralen Pyramide der Komposition ausmacht, fällt qualvoll unter eine Deckenleuchte mit einer bloßen Glühbirne. Rechts sehen zwei Frauen, eine mit einer Lampe durch ein Fenster gelehnt, den Sturz des Pferdes. Ganz rechts greift eine Frau nach oben und jammert inmitten von Flammen.

Alle Figuren sind so stark verzerrt wie in vielen Werken Picassos der 1930er Jahre. Die menschlichen Figuren sind gebrochen, ihre Glieder sind aufgebläht oder geschrumpft, um den Zwecken des vor uns ausgetragenen ästhetischen Traumas zu entsprechen. Ihre Haut ist blass und flach wie ausgeschnittenes Papier gerendert, und ihre Gesichtszüge sind in gleichmäßigen Linien schwarzer Farbe gezeichnet. Nur das Pferd ist (teilweise) mit Schattierungen modelliert. Die Mitte der Komposition ist ein Durcheinander von Gliedmaßen, Schatten und zerbrochenen Facetten, die ein Dreieck bilden.

Es wurde viel über den angeblich verborgenen Schädel im Gemälde oder den Kopf des Harlekins geschrieben, aber Picasso blieb über jede „Bedeutung“ in der Arbeit auf dem Laufenden. Jeder Ansatz, die Bedeutung oder die geheimen Botschaften des Gemäldes zu enträtseln, bleibt spekulativ.

Vielleicht keine Bedeutung, aber es gibt Anzeichen. Die Szene ist eine ungewöhnliche Mischung aus Moderne (hervorgehoben durch die Glühbirne) und Antike (Schwert). Es besteht auch aus einigen der häufigsten Motive Picassos der Zeit.

Der Künstler hatte im letzten Jahrzehnt seine eigene Mythologie aufgebaut - in seinem Kunstwerk tauchten eine Reihe gängiger archetypischer und mythologischer Wesen auf: das Pferd, der Matador, die Taube, das lichttragende Kind, die Ziege, der Harlekin, der Minotaurus und der In den 1930er Jahren tauchte bull in allen Medien in verschiedenen Medien auf. Der Harlekin und (später) der Minotaurus gelten weithin als Stellvertreter des Künstlers.

La Minotauromachie von 1935 enthält fast die gleichen Bilder wie Guernica (Quelle: Wikipedia)

Der Stier und der Minotaurus sind dunkel und monströs. Das Pferd, oft als weiß dargestellt, ist fast immer Opfer eines Stierangriffs. Das lichttragende Kind - immer ein Mädchen - scheint trotz Gefahr nicht in Gefahr zu sein, wie sie bezeugen.

Die Kombination des mythologischen und fotoähnlichen Farbschemas Schwarz, Weiß und Grau hat eine besondere Macht über den Betrachter. Wäre das Gemälde in Farbe gewesen, wäre es vielleicht als zu distanziert und zu weit von der Gräueltat entfernt angesehen worden. Das Schwarz-Weiß hat den Effekt, die Mythen in eine zeitungspapierähnliche Realität zu verwandeln, die tatsächlich durch das Verdrehen und Brechen ihrer Formen unterstrichen und nicht verraten wird.

Atrocity Ausstellung

Im Juli 1937 wurde das Gemälde auf der Internationalen Ausstellung im spanischen Pavillon ausgestellt. Das Thema der Ausstellung - Technologie - wurde von der spanischen Regierung völlig ignoriert, deren Exponate sich auf den Bürgerkrieg und den Angriff der Franco-Nationalisten auf die Demokratie konzentrierten.

Ferrer de Morgados Madrid 1937 (Black Airplanes) wurde ebenfalls ausgestellt und von Regierungsbeamten wegen seiner realistischeren Darstellung von zivilen Opfern des Bürgerkriegs bevorzugt. (Faire Verwendung. Quelle: Wikipedia)

Für viele war Picassos avantgardistische Behandlung des Themas unangenehm. Das Gemälde wurde von Linken kritisiert, da es nicht wirklich viel von der Wahrheit des Bürgerkriegs enthüllte. Einige der spanischen Delegationen kritisierten ihre modernen und kindlichen Formen, sie bevorzugten ein anderes ausgestelltes Gemälde, Ferrer de Morgados Madrid 1937 (Black Airplanes), das eine ähnliche Szene mit mehr Naturalismus darstellte.

Le Corbusier kommentierte, dass Guernica "nur den Rücken der Besucher gesehen hat". Der deutsche Führer zur Weltausstellung wiederholte angeblich die oft verwendete Kritik an Picassos Kunst, die "jeder Vierjährige hätte malen können". Aber Picasso lehnte traditionalistische Kritik immer ab. Später erklären:

„Es geht mir nur darum, so viel Menschlichkeit wie möglich in meine Bilder zu stecken. Schade, wenn dies einige Anbeter der traditionellen menschlichen Figur beleidigt […] Was ist am Ende ein Gesicht? Sein Foto. Sein Make-up. Was ist vor? Innerhalb? Hinter? Und der Rest? Sieht es nicht jeder auf seine Weise? Ich habe immer gemalt, was ich gesehen und gefühlt habe. “ (Picasso in Arts de France Nummer 6, 1947)

"Filz" ist hier das Schlüsselwort. Der Kunsthistoriker John Berger lobte die Art und Weise, wie Picassos neokubistischer Stil es ihm ermöglichte, Schmerz und Leid in den Formen des Gemäldes zu vermitteln. Wir "sehen" Schmerzen in den verdrehten und deformierten Gliedern der Opfer, ihren dolchartigen Zungen, ihren flachen, großen Augen.

Darüber hinaus krampfen scherbenartige Wellen durch die Formen des Gemäldes. Diese können nur als Spuren beschrieben werden, da sie die Körper und die Szene schneiden und die Beziehung zwischen Figuren und Boden komplizieren. In einem anderen früheren Beitrag beschreibe ich, wie Picasso den Kubismus weiterentwickelt hat, um das zu vermitteln, was nicht gezeigt werden kann. Diese Spuren sind von immensem Leid.

Picasso beabsichtigte, das Wandgemälde nach Abschluss der Internationalen Ausstellung dem baskischen Volk zu schenken, aber zu Picassos Bestürzung wurde es von Beamten abgelehnt. Das Gemälde ging stattdessen 1938 auf eine Tournee durch Skandinavien und England, die von Picassos Händler Paul Rosenberg arrangiert wurde, wo es ausgestellt wurde, um das Bewusstsein (und das Geld für) den Kampf in Spanien zu schärfen.

1939, als Franco den Bürgerkrieg gewonnen hatte, reiste das Wandbild nach Amerika, wo es tourte, bis es schließlich dem Museum of Modern Art in New York anvertraut wurde.

Ein siegreicher General Franco kommt 1939 in San Sebastian, einer baskischen Stadt, zu faschistischen Grüßen an (Quelle: Wikipedia). Picasso vertraute Guernica dem Museum of Modern Art in New York an, bis Freiheit und Demokratie nach Spanien zurückgekehrt waren. (Public Domain. Quelle: Wikipedia)

Picasso erlaubte dem MoMA das Wandbild zur Aufbewahrung, bis Freiheit und Demokratie nach Spanien zurückkehren.

Ein unbequemes Meisterwerk

Während seiner Aufbewahrung im Museum of Modern Art erlangte Guernica eine tiefgreifende Bedeutung als endgültiges Antikriegsbild unserer Zeit. Es war natürlich ein Dokument der Geschichte und ein anerkanntes Meisterwerk der modernen Kunst, aber der Krieg in Vietnam gab dem Gemälde eine neue Bedeutung.

Mitglieder der Art Workers Coalition protestieren vor Guernica und halten Bilder von Frauen und Kindern hoch, die von amerikanischen Truppen in Vietnam massakriert wurden (Quelle: Wikipedia).

Anfang 1970 veranstaltete die Art Workers Coalition vor Guernica einen Antikriegsprotest. Die Teilnehmer hielten Bilder von Frauen und Kindern hoch, die 1968 im Dorf My Lai massakriert wurden, um den Vorstand des MoMA in Verlegenheit zu bringen. Nelson Rockefeller und William S. Paley, zwei Treuhänder des Museums, waren überzeugte Anhänger des Vietnamkrieges und Vorstandsmitglieder, die angeblich vom Konflikt profitiert hatten. Der Standpunkt der Demonstranten war einfach, aktivierte jedoch ein neues Leben in Guernica als eine Art Schorfwunde - halb tot, halb lebendig -, die aufgegriffen werden konnte.

In den folgenden Jahrzehnten wurde das Wandbild zu einem häufigen Ort des Protests. Tony Shafrazi, ein iranisch-amerikanischer Künstler, beschriftete das Wandbild mit roter Farbe mit „Kill Lies All“ und behauptete, sein Vandalismus sei ein Akt kreativer Zusammenarbeit.

Seine Aktion wurde wahrscheinlich durch die Freilassung von Leutnant William Calley inspiriert, der zugegeben hatte, Frauen und Kinder in My Lai ermordet zu haben. "Ich wollte die Kunst absolut auf den neuesten Stand bringen, sie aus der Kunstgeschichte abrufen und ihr Leben geben", sagte er 1980 einer Zeitschrift.

So berühmt wie die Mona Lisa sind weltweit Kopien, Zitate und Parodien von Guernica erschienen. (Faire Verwendung. Quelle: Wikipedia)

Er musste nicht. Guernica lebt in allen Kopien, Zitaten, Anspielungen oder sogar Parodien auf seine schreckliche, erstickende Größe auf Wandgemälden, Bannern, Briefmarken, Plakaten, Abzeichen und Kunstwerken.

Guernica ist so sofort erkennbar wie Barbers Adagio for Strings (geschrieben ein Jahr vor Guernica) und sein Leben ist in der Verwendung davon gemacht. Wie Barbers Adagio wird Guernica immer wieder „aufgeführt“.

Nelson Rockefeller hatte das Gemälde kaufen wollen, aber Picasso weigerte sich, es zu verkaufen, und bestand stattdessen darauf, dass das Wandbild wie er ein Exil war. Guernica würde nach Spanien zurückkehren, wo es hingehörte, hatte Picasso weiter festgelegt, als die Republik wieder gegründet wurde.

Franco starb im November 1975 und sein autokratischer Staat brach zusammen. 1978 entstand Spanien als Demokratie, wenn auch mit einer konstitutionellen Monarchie. Aufgrund der letztgenannten Tatsache bestritt das Museum of Modern Art seine Rückkehr nach Spanien.

Das Gemälde kehrte zurück, ursprünglich geschützt durch einen explosionsgeschützten Bildschirm. Es stellte sich heraus, dass der Bildschirm nie gebraucht wurde, Guernica hatte das Trauma des Vietnamkrieges überlebt und Frieden in Spanien gefunden.

Nachdem Rockefeller das Gemälde verweigert worden war, gab er einen lebensgroßen Wandteppich in Auftrag, den er schließlich den Vereinten Nationen in New York schenkte. Der Wandteppich hängt in einem Korridor vor dem Sitzungssaal des Sicherheitsrates, wo er das Gewissen derjenigen inspirieren soll, die die Kammer betreten.

Am 5. Februar 2003 wandten sich Colin Powell und John Negroponte vor der Kammer des Sicherheitsrates an die Vereinten Nationen, um militärische Maßnahmen gegen den Irak von Saddam Hussein zu legitimieren. Das Argument wurde auf der Grundlage vorgebracht, dass der Diktator Massenvernichtungswaffen besaß und ein finanzieller Unterstützer von Al-Qaida war.

Guernica war für die Veranstaltung von einem blauen Vorhang bedeckt, anscheinend um die Fernsehbilder des Briefings klarer zu machen. Ob es sich um eine Zensur handelte oder nicht, die Umhüllung des Wandgemäldes veranlasste die Menschen, die Verbindung zwischen der Bombardierung von Guernica und dem Angriff auf den Irak herzustellen. So berühmt sind die Bilder der Gemälde, die so in die Phantasie eingepflanzt sind, dass sie durch ihre Bedeckung umso sichtbarer wurden.

Hätte die US-Delegation Guernica so verlassen, wie es war, wäre das Gemälde möglicherweise nicht mit dem bevorstehenden Angriff auf den Irak in Verbindung gebracht worden. Seine Berichterstattung enthüllte eine unangenehme Wahrheit.

Der Fotograf Chris Hondros hat ein kleines irakisches Mädchen, Samar Hassan, gefangen genommen und geweint, nachdem ihre Eltern am 18. Januar 2005 in Tal Afar, Irak, von US-Soldaten der 25. Infanteriedivision erschossen worden waren. Der moderne Fotojournalismus bringt die Schrecken des Krieges auf unmittelbarere und traumatischere Weise nach Hause, als dies in den 1930er Jahren möglich gewesen wäre. (Faire Verwendung. Chris Hondros.)

Der Krieg ist nicht verschwunden. Außergewöhnlich mutige und fähige Fotojournalisten wie Sergey Ponomarev und der verstorbene Chris Hondros haben Konflikte in lebendigen und traumatischen Details dokumentiert. Kriegsfotojournalisten sind in einer Weise heldenhaft, auf die Picasso niemals hoffen konnte, aber die Kraft ihrer Bilder kommt von der Kunst.

Das Bild oben, das bloße Entsetzen, das so viel Mitleid in uns hervorruft, ist umso schrecklicher, als seine dynamische Syntax der Malerei so sehr ähnelt: der scharfe Kontrast von Hell und Dunkel, der Kontrast zwischen dem Soldaten, der über dem hockenden kleinen Mädchen steht so hilflos; ihr blumiges Kleid, sein blutbespritzter Stiefel; sein anonymer Körper und ihr klaffender Mund tauchten aus der Dunkelheit auf.

Es gibt eine allegorische Naht durch das Foto, die nicht nur seine Kraft unterstreicht, sondern ihm auch eine Verwandtschaft mit Guernica verleiht. Es sind nicht nur die schrecklichen Umstände allein, die so tiefes Mitleid in uns erregen und in unserem Gewissen brennen, es ist die Kunstfertigkeit ihrer Übertragung.

Es gibt eine oft erzählte Anekdote, dass ein deutscher Offizier, während Picasso im von den Nazis besetzten Paris lebte, sein Atelier besuchte. 'Hast du das gemacht?' fragte der Offizier und zeigte auf ein Foto von Guernica. 'Nein du hast es getan.' Erwiderte Picasso.

Es ist eine schöne Geschichte, aber sie geht am eigentlichen Punkt vorbei. Guernica ist keine Aufzeichnung der Gräueltaten. Das Gemälde ist autobiografisch. In seinen üppigen, cremigen Akten der frühen 1930er Jahre ging es um sexuelles Vergnügen; Guernica und die weinenden Frauen der späten 1930er Jahre waren einfach die Vorderseite davon: Gemälde von Schmerz und Trauma, die Picasso empfand.

Guernica ist kein Dokument. Ihr Thema ist nicht die Wahrheit, sondern das Gefühl. Es ist die Darstellung der Art und Weise, wie wir uns fühlen, wenn wir Bilder von Entsetzen und Leiden sehen.

Es ist alles da in Picassos mythologischen Tableaus: die dunkle Unmenschlichkeit des Stiers; das verständnislose Leiden des Pferdes; die Mutter, deren Bindung an ihr Kind unterbrochen wurde; das Lampenlicht, von dem wir alle hoffen, dass es der Träger weiterhin trägt, egal was passiert, egal in welche Tiefen wir stürzen. Es ist ein Gemälde der Verzweiflung und des Todes, aber auch der Hoffnung.

Danke fürs Lesen. Ich hoffe du hast etwas Neues gelernt.