Veröffentlicht am 07-09-2019

Kunst und Leben

Dies ist der Text eines Vortrags, der am 25. November 2017 anlässlich des Weltphilosophietags gehalten wurde. Die Veranstaltung wurde gemeinsam von der National Gallery of Modern Art Bengaluru und der New Acropolis International Organization organisiert und stand unter dem Thema „Renaissance: Art, Philosophy and Leben".

Das Thema der heutigen Diskussion wirft die Frage auf, welche Art von Philosophie Kunst und Leben verbindet. Das Wort „Renaissance“ wird jedoch häufig verwendet: Ein Wort, das „Wiedergeburt“ oder „Wiedererweckung“ bedeutet. Es könnte sich also auf die Notwendigkeit einer neuen Philosophie beziehen, die neue Verbindungen herstellt. Es bezieht sich aber auch auf eine Zeit in der europäischen Geschichte vom späten 14. bis zum frühen 17. Jahrhundert, die für uns heute von Bedeutung ist, da sie eine Verschiebung darstellt, insbesondere in meinem eigenen Gebiet der Architektur, aber auch in vielen bildenden Künsten, von der Welt des anonymen Handwerkers zu der des Signaturkünstlers. Dies legte den Grundstein für die heutige Moderne, in der alles, was wir Kunst nennen, durch eine spezifische Urheberschaft gekennzeichnet ist, die an die Kreativität eines Individuums oder einer Gruppe von Individuen gebunden ist, und was auf diese Weise nicht gekennzeichnet werden kann, wird in Handwerk getrennt. Diese Trennung war vor der Renaissance nicht so ausgeprägt. Wenn ich also das Thema des heutigen Abends in seiner Gesamtheit untersuche, fühle ich mich gezwungen, zwei Aspekte zu untersuchen: (i) die Beziehung zwischen Kunst und Leben; und (ii) diese Verschiebung vom anonymen Handwerker zum Signaturkünstler.

Eine populäre Antwort auf das erste Problem ist, dass Kunst in gewisser Weise aus dem Leben stammt, indem sie das Leben imitiert oder reflektiert oder eine Ansicht davon formuliert. Ich werde auf diese Frage mit einem Zitat antworten: „Kunst ist keine Kopie der realen Welt. Eines der verdammten Dinge ist genug! “(Die Quelle dieses Zitats ist unbekannt, wird aber in Nelson Goodmans Buch Languages ​​of Art zitiert). Wie Sie dem Zitat entnehmen können, glaube ich eindeutig, dass Kunst das Leben nicht imitiert. Ich werde bald auf diese Frage zurückkommen, aber bevor ich das tue, möchte ich kurz auf den Wechsel vom Handwerker zum Künstler eingehen

Richard Sennett weist darauf hin, dass die Verlagerung eine radikale Wende beinhaltet. Der Handwerker orientierte sich äußerlich an der Gemeinde, in die er eingebettet war. Diese lokale Gemeinschaft war sowohl Kunde des Handwerkers als auch Kollege bei der Bewältigung der existenziellen und praktischen Belange des Lebens. Die expressive Struktur der Kunstform tendierte dazu, in einer traditionellen Sprache zu bleiben, die von Handwerkern und Mäzenen geteilt wurde. Im Gegensatz dazu ist der zeitgenössische Künstler durch eine innere Wende zu einem reflektierenden und kreativen Selbst gekennzeichnet: eine radikale Wende, die zwei Hauptauswirkungen hatte. Erstens bot die Abkehr von der Gemeinschaft eine Anonymität, die ein Tor zu uneingeschränkter Kreativität war, die vom Blick der Tradition befreit war. Individuelle Innovation, die extreme Originalität bevorzugt, verdrängte die traditionelle Ausdrucksweise. Der Wert der Kunst entspringt nun dem kreativen Genie des Künstlers als Individuum und bettet Sinn in die Absichten des Künstlers ein. Diese Haltung reduziert den Betrachter der Kunst auf eine relativ passive Rolle, die sich am oberen Ende auf die Interpretation der Absichten des Künstlers beschränkt und am unteren Ende lediglich das Erscheinungsbild des Kunstwerks mag. Und zweitens, sobald das Kunstwerk eher eine Verbindung zu einem künstlerischen Individuum als eine Tradition des Lebens darstellt, wird das Phänomen der Kunst zu einer Reihe von individualisierten Transaktionen und nicht zu einer gemeinsamen Suche. Dies hat die Frage nach der Bedeutung der Kunst für das Leben zu einer komplexen Frage gemacht. Anstatt zu fragen, was Kunst bedeutet, ist es vielleicht produktiver, zuerst zu fragen, was für ein menschliches Bedürfnis Kunst ist.

Abraham Maslows Hierarchie der Bedürfnisse (Quelle: Wikipedia)

Wir neigen dazu, die Bedürfnisse in Bezug auf Abraham Maslows berühmte Pyramide zu bewerten, in der die menschlichen Bedürfnisse in einer Hierarchie angeordnet werden. An der Basis stehen ursprüngliche physische Bedürfnisse, und wenn man diese Bedürfnisse befriedigt, tendiert man zu Bedürfnissen höherer Ordnung und sucht nach der Selbstverwirklichung, die an der oberen Spitze der Pyramide liegt. Kunst wird normalerweise irgendwo in der oberen Hälfte dieser Pyramide platziert, als ein sich entwickelndes Bedürfnis. Es wird als eine Art Luxus behandelt: Nachdem wir die Grundbedürfnisse erobert haben, können wir uns, wenn wir noch Geld übrig haben, der Kunst hingeben. Wir neigen daher dazu, Kunst als hauptsächlich in seltenen Räumen wie Museen und Galerien angesiedelt zu betrachten, und ein Teil davon findet seinen Weg in unsere Häuser, sobald wir es uns leisten können. Bis wir diesen Punkt des Überflusses erreichen, müssen wir uns mit billigen Kalenderdrucken oder gleichwertigen Inhalten mit formelhafter Dekoration und nicht mit kreativer Kunst begnügen.

Wenn wir jedoch auf die Vorrenaissance-Welt des traditionellen Handwerks zurückblicken, von der hier in Indien noch viel zu finden ist, finden wir etwas ganz anderes. Kunst ist kein Luxus, sondern Gesellschaften, deren Überlebenskampf am prekärsten ist - ländliche Gesellschaften, Stammesgesellschaften -, die am stärksten in die Kunst eingebettet sind. Warum muss in einem solch prekären Kampf selbst das nützlichste Objekt - eine Lehmwand einer Hütte, ein Tontopf - in Kunst verwandelt werden?

Ich hatte mit dieser Frage zu kämpfen, bis ich auf diese Aussage der britischen Schriftstellerin Jeanette Winterson stieß: "Die Frage" Worum geht es in Ihrem Buch? "Hat mich immer verwirrt. Es geht um sich selbst, und wenn ich es in anderen Worten zusammenfassen könnte, hätte ich nicht so sorgfältig darauf achten sollen, die Worte zu wählen, die ich tat. “ In ihrem Argument, dass sich das Buch nur anbietet, impliziert sie, dass das Hauptangebot eines Kunstwerks seine eigene Genauigkeit ist. Genauigkeit ist wichtig, weil der Alltag so chaotisch und chaotisch ist. Wir werden ständig von mehreren Dingen bombardiert, und jedes Ding ändert sich ständig. In dieser wechselnden Verwirrung wissen wir nicht, was der Bezugsrahmen sein soll.

Die Kunst widersteht durch ihre Genauigkeit dieser anarchischen Entropie des Lebens. In der Kunst erfassen wir das Universum in einer Präzision der Form, die sich nicht ändert und uns einen stabilen Bezugsrahmen bietet, an dem wir messen können, wer wir sind, wo wir sind. Kunst widersteht dem Leben, statt es zu imitieren. Der Haupttitel von Wintersons Buch, aus dem ich ihr Zitat zog, lautet „Art Objects“. Wenn Sie es zum ersten Mal lesen, denken Sie, dass sie das Wort „objects“ als Nomen verwendet, aber wenn Sie das Buch lesen, stellen Sie fest, dass sie es als ein Nomen beabsichtigt Verb.

Bild-Gutschrift: Stephen Huyler, das gemalte Gebet

Die Volksgesellschaften blieben in die Kunst eingebettet, weil sie das Verständnis des Universums nicht an Spezialisten wie Wissenschaftler delegierten. Die einzige Möglichkeit, die Welt, in der sie lebten, persönlich zu verstehen, bestand darin, sie durch Kunst neu zu gestalten. Es ist also nicht die Absicht des Künstlers, wie sich das Kunstwerk für uns eignet, um zu messen, wer und wo wir sind. Dieses wunderbare Stück Rangoli ist eine Repräsentation des Kosmos und gewährt der Person, die es zeichnet, eine Wertschätzung des Universums, das sie bewohnt; ein persönliches und verkörpertes Verständnis, das alles andere als abstrakt ist. Es sind wir, die sogenannten „Moderns“, die diese Verbindung verloren haben. Wenn wir einen solchen Rangoli haben möchten, um unser Zuhause während eines Festivals wie Diwali zu bereichern, haben die meisten von uns nicht die Möglichkeit, ihn selbst zu zeichnen. Wir sind normalerweise darauf angewiesen, dass unsere Magd es malt: eine Frau, die wir im Vergleich zu uns als ungebildet betrachten. Vielleicht ist ihr Verständnis dieser Welt, insbesondere ihre Verwurzelung darin, in gewisser Weise weitaus raffinierter und raffinierter als unser eigenes.

Wenn Kunst ein Mittel ist, um ein Maß für uns und unsere Welt zu finden, dann dringt sie in die alltäglichsten und nützlichsten Objekte ein. Kunst ahmt das Leben nicht nach, sie nimmt das Leben auf und wird so zum Leben. Es gibt keine Trennlinie zwischen Nützlichkeit und Kontemplation. Ein Kokosnussschaber, eine Gemüsereibe, wird zu ästhetischen Objekten, die lebendig sind. Der Bruch zwischen Nützlichkeit und Kontemplation ist eine existenzielle Angst, die unsere Moderne kennzeichnet. Und es spiegelt sich am stärksten in der Art und Weise wider, wie wir die Erziehung unserer Kinder strukturieren. Schauen Sie sich den Kindergarten und die Grundschule an, in denen der Nutzen weniger wichtig ist und der Schwerpunkt auf der Energie des Lernens liegt, und wir sehen Zeichnen, Malen und Kunst als primäre Lernmodi. Gehen Sie zur High School, wo sich der Schwerpunkt auf die Nützlichkeit verlagert hat - die Fächer, auf die Sie sich spezialisieren müssen, die Berufswahl, die Sie verfolgen müssen - und die Kunst ist in den Hintergrund getreten, ein optionaler und liebevoller Genuss für diejenigen, die damit weitermachen möchten.

Was macht man, wenn man in diesem Niemandsland zwischen zwei Welten gefangen ist, ein Leben führt, das von der Welt des traditionellen Handwerks entfernt ist, aber nicht bereit ist, diesen zeitgenössischen Bruch zwischen Nützlichkeit und Kontemplation zu akzeptieren, der Kunst als Luxus behandelt? Ich halte es für die beste Strategie, den Rat von Evelyn Waugh anzunehmen, als er sagte: "Sagen Sie nicht Ihre Meinung zu Kunst und dem Zweck des Lebens. Sie sind von geringem Interesse und Sie können sie sowieso nicht ausdrücken. Halten Sie sich an Ihre Geschichte. Es ist nicht das wichtigste Thema in der Geschichte, aber es ist eines, über das Sie ausschließlich sprechen können. “Ich interpretiere den Rat von Waugh als Vorschlag, eine persönliche und keine abstrakte Perspektive einzunehmen, denn wenn Sie Ihre Geschichte erzählen, ist dies nicht der Fall projizieren Sie sich selbst, aber nutzen Sie die Authentizität, die nur in Ihrer eigenen Geschichte möglich ist, um von etwas zu sprechen, das über sich hinausgeht.

Ich werde also über die Kunst in meinem eigenen Zuhause sprechen: über Gemälde, die meinem Zuhause Farbe verleihen, mich aber auch an meinen Wohnort erinnern und mich über meine Beziehung zu diesem Kontext nachdenken lassen. In einigen Fällen weiß ich, wer der Künstler ist, und in einigen Fällen weiß ich es entweder nicht oder ich erinnere mich nicht. Aber das macht keinen Unterschied - es ist das Gemälde selbst, das mich beschäftigt, und nicht die Identität, Absichten oder Fähigkeiten des Künstlers. Sobald die Kunst vom Künstler öffentlich zugänglich gemacht wurde, lässt sie die Stimme des Künstlers hinter sich und spricht nur noch mit seiner eigenen Stimme. Der Künstler hat sein Talent genutzt, um eine Aura zu erschaffen, und danach spricht diese Aura, nicht der Künstler. Diese Gemälde sind weder für einen kurzen Blick auf sie da, noch um meiner Wohnung einen ästhetischen Wert zu verleihen. Es sind bestimmte Orte der Genauigkeit, in die ich trete - oft für lange Momente. Es ist, als würde ein Gespräch stattfinden, das sich oft wiederholt.

So kann ich mir dieses Musikergemälde ansehen und über meine Beziehung zur Musik nachdenken. Ich sehe, wie die Musiker ausgerichtet sind, alle in die gleiche Richtung: Sie treten eindeutig für ein Publikum auf. Aber dieses Publikum ist nicht im Bild, also bin ich es als Beobachter dieses Gemäldes, der dieses Publikum ausmacht. In gewisser Weise bin ich notwendig, um das Gemälde zu vervollständigen. Diese Musiker sind jung und alt und stammen eindeutig aus einer Tradition musikalischer Ausdrucksweise und Darbietung, die eine Gemeinschaft über Generationen hinweg in ihren Bann gezogen hat. Sie verkörpern ein Erbe, das ihrer Musik Kraft verleiht. Ich frage mich, wie ich als weit von einem solchen Erbe entfernter Mensch das Recht habe, sein Publikum zu konstituieren. Vermindere ich ihre Kunst, indem ich vor ihnen sitze?

Oder ich kann mir dieses Gemälde eines jungen Mädchens mit einem Hahn ansehen und über das Land- und Kleinstadtleben nachdenken. Ich frage mich, ob die Farben und die Wärme des Gemäldes vom Glück des jungen Mädchens sprechen. Ist ihr Ausdruck Gelassenheit, Inhalt einer alten Tradition? Oder ist es etwas anderes? Spricht die vibrierende Sinnlichkeit ihres Körpers - die auf dem Gemälde so auffällig ist - von einer kreativen und energetischen Weiblichkeit, die durch die Tradition, in der sie lebt, unterdrückt wird, und ihr Ausdruck ist tatsächlich eine resignierte Akzeptanz der Zwänge, die sie binden und dazu zwingen Mache es mit kleinen Gesten der Individualität wie der Blume in ihrem Haar oder der Kette um ihren Hals.

Das Gespräch mit diesen beiden Gemälden bringt mich dazu, über die Beziehung zwischen Tradition und Moderne nachzudenken: Gedanken, die nicht zustande gekommen wären, wenn ich nicht die Zeit investiert hätte, geduldig vor diesen Gemälden zu stehen und sie zu mir sprechen zu lassen. Und noch heute kann ich vor diesen Gemälden, die seit Jahren in meinem Haus hängen, sitzen und von ihnen etwas Neues lernen.

Die Kunst in meinem Haus ist nicht auf Gemälde beschränkt: Viele der Gemälde leben neben Kunstobjekten, die aus in die Kunst eingebetteten Kulturen stammen, die Kunst nicht als Luxus betrachten, und erinnern mich daran, wie wir die Welt durch Kunst neu gestalten und begreifen . Diese Kunstgegenstände sind nicht nur Stücke, die bei uns zu Hause gut aussehen. Sie sind Speicher der Erinnerung. Sie leben dort als Speicher der Erinnerung und erinnern uns daran, wo wir gewesen sind und wie wir den Blick auf die neuen Orte gelenkt haben, zu denen wir gereist sind. Und wenn diese Geschichten mit der Schönheit der Arbeit verflochten sind, wird unser Leben dadurch bereichert.

Einige dieser Objekte sind bemerkenswert schön. Ich kann sie mir jeden Tag ansehen und staunen, ob es sich um eine Sumatra-Maske, einen javanischen Sperma-Hahn oder eine schwedische Glasarbeit handelt. Ich denke darüber nach, wie gesegnet wir sind, dass solche Schönheit in unser Leben gekommen ist. Oft bringt die Tatsache, dass diese Schönheit von weit her kommen musste, mehr Kraft. Um es zu erreichen, mussten wir aus unserer Haut der Vertrautheit heraustreten, mit neuen Augen reisen, die unbekannt und schmucklos sind, und dann wieder in unsere alte Haut zurücktreten. zu finden, dass es eine neue Person ist, die immer zurücktritt. In Italo Calvinos Buch "Invisible Cities" tadelt Kublai Khan Marco Polo, weil er nach seiner Rückkehr aus fernen Ländern weiterhin über sich und seine Vergangenheit spricht, und fragt Polo, ob er nur mit dem Kopf nach hinten reist. Polo antwortet: "Bei der Ankunft in jeder neuen Stadt findet der Reisende wieder eine Vergangenheit von ihm, von der er nicht wusste, dass er sie hatte: Die Fremde dessen, was Sie nicht mehr sind oder nicht mehr besitzen, wartet an fremden, nicht besessenen Orten auf Sie." Dieser Akt, entfernte Schönheit zu entdecken und in unser Haus einzuladen, ist ein Akt, sich selbst zu entdecken: eine fortgesetzte Entdeckung, die notwendig ist, um eine Entartung in ein von Gewohnheit betäubtes Roboterleben zu vermeiden.

Aber jenseits von Erinnerung oder Schönheit ist es ein Gefühl der Zuneigung, das mit der Arbeit wächst. Mit ein bisschen Kunst ist Zuneigung augenblicklich und die Hauptursache dafür, dass die Kunst in unser Haus kommt. Aber bei allen ist es eine Zuneigung, die sich im Laufe der Zeit aufbaut. Und weil Zuneigung das Fundament ist, kann Kunst, die von unseren Kindern produziert oder geschenkt wird, bequem im selben Haus neben der Arbeit von erfahrenen Künstlern oder Handwerkern sitzen. Sie leben zusammen, nicht weil sie ästhetisch gleich oder harmonisiert sind, sondern weil wir für sie alle die gleiche Zuneigung haben. Und wenn sich diese Zuneigung bemerkbar macht, verschwinden die ästhetischen Unterschiede, und die gesamte Kunst verschmilzt unter dem Eindruck eines gelebten Lebens.

Und dann beginnt die Kunst, diese Zuneigung zurückzugeben und eine Bindung aufzubauen wie ein Elternteil, der ein Kind liebevoll erzieht und unterrichtet. Ich kann mir diese Reproduktion von Frank Lloyd Wright ansehen und finde heraus, was ich bewundern sollte. Es erzählt mir von Skalenhierarchien, von Verbindungen zwischen Moderne und Tradition.

Ich versuche, Rätsel zu lösen, indem ich die Gesichtsausdrücke dieser Frauen entschlüssele. Ich spekuliere über die Gedanken und Worte, die sie durchdringen müssen. Worüber denken oder sprechen sie? Stärke? Kapitulation? Verlust? Zurückhaltung? Gesellschaft? Kreativität? Gelassenheit? Jeden Tag taucht eine neue Möglichkeit auf, und ich habe keine Zeit, die unendlichen Welten zu beschreiben, in denen mein Geist reist, wenn ich darüber nachdenke.

Ich kann mich in der Mystik dieser Bäume verlieren. Im Gegensatz zu vielen anderen Gemälden, die sich an Sie zu wenden scheinen, als würden sie etwas sagen, tun diese dies nicht. Sie sitzen einfach still und rätselhaft da und bieten nichts an. Man fühlt sich gezwungen, auf sie zuzugehen und weiter hineinzugehen. Sie schlagen Orte vor, die jenseits dessen liegen, was man sieht, versteckt durch eine Kurve im Weg oder durch Nebel. Ich fange an, mir vorzustellen, was ich entdecke, wenn ich über diese Bäume gehe. Aber was ich mir vorstelle oder entdecke, ist nicht wichtig. Was wichtig ist, ist, dass ich mich gezwungen fühle, diese Reise zu machen. Es war, als würden diese Zeichnungen zu mir sagen: „Es gibt da draußen eine Welt jenseits dessen, was man sehen kann. Wirst du so tun, als ob es nicht existiert, nur weil du es nicht sehen kannst? Können Sie sich mit der eingeschränkten Perspektive Ihrer aktuellen Position zufrieden geben? “Durch ihre unergründliche Stille fordern diese Zeichnungen meine Selbstzufriedenheit heraus.

Wenn ich meiner Selbstzufriedenheit nicht begegne, öffne ich die Tür zur Entwertung der Kunst. Ich mache mich passiv und lehne die Verantwortung für den Sinn in der Kunst ab, indem ich ihn fest in die Absichten und die Kreativität des Künstlers als Persönlichkeit setze, und meine Selbstzufriedenheit gedeiht. Die sich daraus ergebende Abwertung der Kunst nimmt viele Formen an, und ich schlage hier drei Hauptformen vor:

1. Eine Reduktion auf die dekorative Ästhetik, die nichts anderes verlangt, als dem Auge zu gefallen.

2. Eine oberflächliche, medienwirksame Feier des Künstlers als kultiger und zeitungswürdiger Mensch, die möglicherweise Daniel Boorstins Definition der Berühmtheit als "eine Person, die für ihre Bekanntheit bekannt ist" wieder aufleben lässt.

3. Ein monetisierter Vermögenswert, der wie in diesem Bild dargestellt als Anlage- oder Statussymbol bewertet wird.

Wir geben der Kunst oft die Schuld an der Situation und sagen, dass sie sich in Richtung esoterischer Abstraktion bewegt hat, weg von der leicht lesbaren figürlichen Darstellung, die die vormoderne Kunst charakterisiert und daher für uns weniger zugänglich ist. Wir versuchen, diese Distanz zu rechtfertigen, indem wir fragen: "Was ist mit der Kunst passiert?" Obwohl ich nicht behaupten würde, dass jede abstrakte Kunst eine Berücksichtigung verdient, würde ich diese Entschuldigung, Kunst zu beschuldigen, nicht einfach akzeptieren. Lassen Sie mich zum Schluss auf dieses abstrakte Gemälde eingehen, zu dem sich meine Beziehung in letzter Zeit geändert hat. Es hing viele Jahre im Haus meiner Mutter und ist mir daher seit einiger Zeit bekannt. Nachdem meine Mutter letztes Jahr verstorben war, haben meine Frau und ich es geerbt. Es musste restauriert werden, sodass es erst vor wenigen Wochen an die Wand unseres Hauses gehängt werden konnte. Plötzlich und in jüngster Zeit hat sich meine Beziehung zu ihr zu einer vertrauten und täglichen Ebene entwickelt. Dies ist das Bild, mit dem ich die meiste Zeit verbracht habe, seit ich die Einladung erhalten habe, heute hier zu sprechen. Ich finde es zwingend, und ich habe Zeit damit verbracht, mich zu fragen, warum. Was sehe ich darin? Glut? Fußabdrücke? Die Schichten der Erde? Morgendämmerung, Tag, Sonnenuntergang und Nacht? Versteckte Feuer? Oder vielleicht brauche ich keine figürliche Interpretation, und es ist eine reine Präsenz, die mein Bewusstsein für Dunkelheit, Licht und Energie subtil formt. Es gibt keine richtige Antwort. Was zählt ist, dass jeder Tag eine neue Möglichkeit bietet. Und ich weiß, dass sich das, was in den letzten Wochen passiert ist, in den nächsten Jahren fortsetzen wird. Dieses Gemälde wird an der gleichen Stelle in meinem Haus hängen. Dennoch wird es jeden Tag ein anderes Bild und ich werde jeden Tag eine andere Person.

Sokrates sagte, dass das ungeprüfte Leben es nicht wert sei, gelebt zu werden, und schlug Philosophie als Mittel zur Untersuchung Ihres Lebens vor. Diese Ansicht findet Anklang in der indischen Philosophie. Ein prominentes Beispiel ist Adishankaracharyas Text „Vivekachudamani“, in dem „Viveka“ oder „Unterscheidung“ als „Chudamani“, „das Kronjuwel“, eine primäre Eigenschaft, nach der man suchen muss, um die Bedeutung aufzudecken des eigenen Seins. Ich würde argumentieren, dass die Genauigkeit der Kunst ein Mittel darstellt, mit dem diese Philosophie, das eigene Leben zu untersuchen und Unterscheidungsvermögen zu erlangen, greifbar, zugänglich und persönlich werden kann.

Dafür muss man sich die Mühe machen, sich mit Kunst auseinanderzusetzen, und nicht erwarten, dass die Kunst die ganze Arbeit macht. Kunstwerke in Ihr Zuhause, in Ihr Leben zu bringen, ist wie einen guten Freund einzuladen, hierher zu kommen. Sie werden dort nicht passiv sitzen und verlangen, dass Ihr Freund Sie unterhält. Sie werden die Identität Ihres Freundes nicht für immer an das Ereignis seiner Geburt gebunden einfrieren. Wie Freunde müssen Sie Ihre Kunstwerke so behandeln, dass sie der Liebe und Rücksichtnahme wert sind, die durch lange Zeiträume des Engagements erzielt werden, das ausschließlich von der Freude an ihrer Gesellschaft bestimmt wird. Wie bei Freunden müssen Sie in die Zeit Ihrer Kunstwerke investieren: Zeit, die durch Konzentration, Geduld, Wärme, Zuneigung, Urteilslosigkeit, Bereitschaft zum Zuhören und Offenheit zum Teilen gekennzeichnet ist. Und genau wie die Freundschaft entwickelt sich die Beziehung weiter, stärkt sie und verleiht jedem gemeinsamen Tag Freude, Tiefe und Entdeckung.

Investieren Sie in diese Art von Beziehung zur Kunst, und es wird erstaunlich sein, was mit Ihrer Lebensphilosophie geschehen wird, denn Philosophie wird eher intim als intellektuell. Aber sei passiv und erwarte, dass die Kunst die ganze Arbeit erledigt, und du wirst nur eine Kunst sehen, die von dir entfernt ist, reduziert auf Dekoration, Investition oder Statussymbol. In diesem Fall wird die Frage „Was ist mit der Kunst passiert?“ Zu einer einfachen Lösung, um zu vermeiden, was Sie untersuchen sollten. Die authentische und ehrliche Frage lautet: "Was ist mit uns passiert?"

Siehe auch

Mein Onkel Merlin: Ein von slawischen Motiven inspiriertes IndiespielDer Bardavon - Vergangenheit, Gegenwart und ZukunftHast du von Lesotho gehört?SCHIESSEN SIE ES EINFACH.Der Mann, der Bilder von jedem Gemälde machte, das er in Museen sahDie Grenzen der "revisionistischen Geschichte"