Veröffentlicht am 25-03-2019

AuMar: Nächtliche Zyklone

von Shelley Holcomb & Whitney Gibson

Das kollaborative Duo AuMAR besteht aus Aurel Haize Odogbo und Marcelline Mandeng. Gemeinsam befragen sie Aspekte ihrer materiellen Realität durch die Sprache der Mythenbildung. Ihre Schwesternschaft ist eine treibende Kraft in all ihren Projekten und findet ständig Elemente in der natürlichen Welt, die diese Quelle kreativer Energie widerspiegeln.

Marcelline Mandeng (links) und Aurel Haize Odogbo (rechts)

Sie waren kürzlich in Los Angeles, um im Rahmen ihres Aufenthalts bei Navel „Nocturnal Cyclones“ aufzuführen. Das Stück ist eine Fortsetzung von AuMARs erstem Stück "Plastic Symbiosis", das im MoMA Ps1 uraufgeführt wurde und in Chicago in der Rebuild Foundation, Philly im CeC Center und in Karma LA gezeigt wurde. Ihre einwöchige Residenz verbrachte sie damit, ein neues Werk zu produzieren, das aus aufgezeichneten Texten, Tönen und Bewegungen bestand und in einer Video-Performance endete, die am Ende ihres Aufenthalts am Sonntag, dem 18. November, uraufgeführt wurde.

Wir hatten großes Glück, dass wir die Gelegenheit hatten, uns während einer ihrer Proben mit ihnen zusammenzusetzen und ihre gemeinsamen und individuellen Übungen zu besprechen.

Alle Bilder von Whitney Gibson.

Aurel Haize Odogbo

Shelley: Kannst du mir etwas über deine Herkunft erzählen und wie AuMAR entstanden ist?

Aurel (oben): Der Name unseres Duos, AuMAR, stammt von der Kombination unserer Vornamen - mein Name ist Aurel und sie heißt Marceline. Wir haben beide unabhängige Praktiken und sind in vielerlei Hinsicht ziemlich interdisziplinär. Ich spiele, schreibe und zeichne ein bisschen und sie macht Musik, DJs, sie ist Performancekünstlerin und skulpturiert. Wir kennen uns für eine Minute, wir haben unser eigenes Ding gemacht, wir haben eine Zeitlang unsere eigene Arbeit gemacht und dann haben wir uns 2012 in Baltimore getroffen. Ich bin aus Baltimore, sie ist aus Philly.

Marcelline (unten): Aber nicht ursprünglich, ich bin in Kamerun geboren und aufgewachsen und bin mit elf in die Staaten gezogen und seitdem in Philly.

Marcelline Mandeng

A: und ich bin halb Nigerianer, mein Vater kommt aus Nigeria. Es gibt eine Verbindung, die sich daraus ergibt. Wir sind afrikanische Schwestern.

M: und wir spielen diesen Aspekt, unsere Verbindung, auf jeden Fall mit auf, und wenn wir uns weiterentwickeln, werden wir uns noch mehr bewusst machen, wie sich das in unserer Arbeit zeigt.

A: Ich fühle mich einfach im DMV DC Maryland Virginia Gebiet, dort gibt es viele Einwanderer und Afrikaner. Wir haben im Grunde eine Zeit lang individuell gearbeitet und wir waren Freunde, und wir sprachen schließlich darüber, wie wir zusammenarbeiten mussten.

M: Ich war Teil eines Kollektivs namens ATM mit Scratch und DJ Haram. Wir veranstalteten monatliche Partys in Philly und dann kam PS1 auf uns zu und bat uns, eine Sonntagsstunde mit ihnen zu veranstalten, für die Aurel und ich zusammenarbeiten sollten dieses erste mal. So entstand unser erstes Stück "Plastic Symbiosis". Es ist ein Film mit visueller Kunst, der mit einer begleitenden Live-Performance uraufgeführt wird.

Es gibt eine Szene namens "Plastic Symbiosis", die die Geburtsstunde von AuMAR ist - es ist im Wesentlichen eine Arbeit, die sich mit Mythologie befasst - eine, in der wir uns finden und wir lernen, uns gegenseitig zu spiegeln und die Eigenschaften, die wir bewundern, hervorzuheben und das möchten wir auch haben. Bei diesem Projekt haben wir sehr viel gelernt, einander zu vertrauen und zu lernen, wie man sich sieht: Die Werte der anderen Spieler werden auf unsere Werte abgestimmt. Wir beschäftigen uns in dieser Arbeit mit vielen Truppen, verwenden den Prozess der Mitose als Ausgangspunkt, betrachten eine Zelle, die sich in zwei Hälften teilt und welche Auswirkungen eine Zelle hat, wenn sie sich vermehrt und immer mehr in sich wächst. Eine andere Art, wie wir die Zelle präsentieren, ist die Darstellung einer Gebärmutter. Die Gebärmutter trägt eine Entität, die sich selbst zur Welt bringt und zu etwas Größerem wird als sie selbst: Eine neue Entität heißt AuMAR.

A: Es gibt verschiedene Phasen, zum Beispiel gibt es diese goldenen Lichterketten von beiden Händen. Sie repräsentieren die Idee, dass Puppen der erste Bezugspunkt sind, aus dem Sie Ihre Wahrnehmung von sich selbst entwickeln.

M: Wir haben über siamesische Zwillingspuppen, Barbie, Bauchrednerpuppen und Marionetten nachgedacht. Die Saiten repräsentieren den Bauchredner und die Marionetten, und wir handeln beide als Figuren.

A: Ich bin besessen von Rollenspielen und habe das Gefühl, dass sie einen großen Einfluss auf mich haben. Es ist eine Art, wie ich an das Selbst denke, den Körper gestaltet, das Werden und die Selbstverwirklichung…

M: Ja oder die Idee eines Avatars in einem Videospiel… Wie kleiden Sie einen Avatar an oder geben ihm Emotionen? Es ist ein sehr absichtlicher Prozess, über den wir in „Plastic Symbiosis“ sprechen wollten. Es ist eine intime verwundbare Beziehung, aber wir vergrößern sie und bauen daraus eine Erzählung auf. Es geht darum, Kontrolle zu besitzen und auch die Kontrolle aufzugeben.

S: Ist eine Menge deiner Arbeit autobiografisch?

M: Immer.

A: Meine persönliche Praxis war immer autobiografisch, wenn ich beim Zeichnen viele Selbstporträts machte. Wenn ich viel schrieb, ging es immer sehr um mich und meine eigene Erzählung, allerdings wurde es immer durch die Mythologie verzerrt. Nehmen Sie sehr reale und raue Aspekte meines Lebens oder meiner Identität und binden Sie sie in Mythologien ein, um sie zweideutig zu machen und so, wenn Sie über diese Erzählungen nachdenken, sie formbar und universell anwendbar sein können.

S: Auf welche Art von Mythologien verweisen Sie?

A: Das variiert. Wir nehmen im Wesentlichen Aspekte der Realität auf und machen sie fantastisch.

M: Von der Musik, die wir machen, bis zu den Kleidungsstücken, die wir tragen, machen wir Arbeit, die eine Art Flucht ist. Wir sind uns unserer Realitäten sehr bewusst, und wir nutzen unsere Arbeit, um nicht nur über diese Realitäten zu sprechen, sondern als Mittel, um unseren Bedingungen zu entgehen, indem wir sie so viel größer machen, als sie tatsächlich sind, so dass sie uns nicht so sehr beeinflussen . Wir haben es ausgedehnt und so fantastisch gemacht, dass es über uns scheint. Ich denke, obwohl die Erzählung spezifisch für unsere Realitäten ist, sind diese Themen immer noch für jedermann anwendbar. Ich habe das Gefühl, dass die meisten Menschen die Art der Haare, die sie tragen, oder die Kleidung, die sie wählen, vorsätzlich betrachten. Es ist alles in gewisser Weise politisiert. Jeder hat eine Agentur, um seinen eigenen Körper zu entwerfen oder wie er sich selbst gestaltet. Darüber hinaus dürfen einige Personen ihre Körper entwerfen, andere nicht.

S: Was ist Ihr Prozess, wenn Sie zusammenarbeiten?

M: Es gibt einige Signaturtechniken, die wir in unserer kollaborativen Praxis anwenden. Eine davon ist der häufige Einsatz von Found Footage und die Verwendung von übereinander liegenden Ebenen und Bildern, um die Wirkung einer Doppelbelichtung in unseren Videos zu erzeugen. Ursprünglich habe ich nur Sounds gefunden, von denen ich dachte, dass sie mit den Emotionen übereinstimmen, die wir zu dieser Zeit darzustellen versuchten, aber jetzt hat sich unser Sound dahingehend entwickelt, dass ich die meisten Tracks produziere unsere. Ich fing an, Sounds zu singen, als ich auf Partys in Philly auflegte, und schließlich wollte ich einen Sound haben, über den ich die volle Kontrolle habe, also habe ich angefangen, mit verschiedenen Maschinen und Techniken zu experimentieren. Eine weitere Signaturtechnik in unserer Arbeit ist die Erstellung einer Partitur mit gesprochenem Wort, die als Hinweise dient, die wir in den Performances „Gesten“ nennen.

A: Und in jeder Partitur gibt es immer eine Textzusammenstellung, die zum großen Teil aus meinem Schreiben stammt.

M: Während wir uns weiterentwickeln, werden unsere Disziplinen immer verschwommener, weil wir uns selbst herausfordern, neue Dinge zu lernen. Wir beschränken uns nicht gerne auf das, was wir bereits wissen, sondern konzentrieren uns hauptsächlich darauf, einen Weg zu finden, um unsere Ideen zu vermitteln.

A: Ich glaube definitiv, dass wir von einer experimentelleren Aufführungspraxis zu einer präziseren musikalischen Praxis werden, die verpackt und konkret ist. Es fühlt sich an wie ein Objekt.

M: Ja, etwas anderes ändert sich, wenn wir mehr zusammenarbeiten, indem wir Referenzen verwenden, die mehr auf der materiellen Welt basieren. In der neuen Arbeit, die wir nach „Nocturnal Cyclones“ machen, einer EP, die wir von Grund auf produzieren, dh Songs schreiben und Visuals erstellen, schauen wir auf unsere Abstammung als Bezugspunkt für das Neue funktioniert. Wir verwenden Bilder, die auf Statuen und Rüstungen der Amazonas-Krieger von Dahomey basieren, einer rein weiblichen Truppe und den tödlichsten weiblichen Kriegern der modernen Geschichte. In dem Video „Nocturnal Cyclones“ zeigen wir die vier Phasen des Lebenszyklus einer Motte, die sich über die vier Phasen einer Hurrikanformation erstrecken.

S: Was ist an nachtaktiven Tieren, wie Motten und Eulen, an denen Sie interessiert sind?

M: Der Prozess, sich selbst zu werden, ist sehr intim. Wie Sie zu sich selbst werden, ist etwas, das andere Menschen nicht kennenlernen möchten, meistens geschieht dies in Ihrem Schlafzimmer oder auf Ihrem Bildschirm. Nachttiere funktionieren im Dunkeln und es macht uns mächtig. Indem wir die Motte dem Hurrikan gegenüberstellen, vermitteln wir das Chaos, das dem Transformationsprozess innewohnt, aber auch im Chaos Trost finden.

S: Können Sie mehr über die verschiedenen physischen Objekte sprechen, die Sie in Ihren Performances verwenden, und wie Sie sie als „Gesten“ sehen?

M: Einige Elemente, die wir in diese Arbeit einbeziehen, sind sowohl Live-Instrumente als auch vorgefertigte Instrumente, z. Wir wollten uns auf die Stimme und verschiedene Mikrofontypen für diese Performance konzentrieren.

A: Wenn ich an eine Geste denke, denke ich an Zeichnen oder Skizzieren. es ist eine sich wiederholende Aktion, die wir gerade durchführen.

M: Und wenn wir über unseren Sound als eine Partitur mit Hinweisen nachdenken, ist es fast wie ein Tanzabend, aber mit einem anderen Genre von Gesten.

A: Die Gesten sind Möglichkeiten, Objekte unkonventionell zu verwenden, um verschiedene Klänge zu verstärken, die die Umgebung schaffen, die wir einem Publikum vermitteln möchten.

S: Am Ende Ihrer Vorstellung durchbrechen Sie die Grenze zwischen Publikum und Performer, indem Sie sich gemeinsam in die Menge drehen. Gibt es etwas Bestimmtes, das Sie mit dieser Geste signalisieren?

M: Ich habe das Gefühl, dass viele Geschichten oder Geschichten von folx wie uns in der Welt nicht existieren. Ich denke, wenn Leute mit Trans Folx interagieren, werden wir entweder fetischisiert oder fühlen uns als ob wir unsichtbar im Raum sind. Wir wissen natürlich, dass die Leute uns während der Aufführung anstarren werden. So können wir unsere Verletzlichkeit ausdrücken und gleichzeitig mit unserem Publikum in Verbindung treten. Wir möchten nicht das Gefühl haben, dass wir auf ein Podest gestellt oder objektiviert werden. Daher ist es wichtig, dass wir immer die Mauer zwischen uns brechen.

A: Es ist eine andere Ebene, dich in unsere Welt zu bringen.

* Anfangstext von der Navel-Website.

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