Design ist doch Kunst

Eine Meditation über den Tanz zwischen Design und Intuition

Wenn ich male ... schaue ich es mir an und sage: "Der Raum in dieser Ecke dort braucht ein wenig Blau." Also lege ich mein Blau dort hin und dann, dann schaue ich dort hin und es sieht dort blau aus, also nehme ich Mein Pinsel und ich bewegen es dort hin und ich mache es dort auch blau.

Dieses Zitat und die umgebende Passage aus der Philosophie von Andy Warhol haben mich jahrelang begleitet. Als ich es zum ersten Mal las, schien es auf eine Art intuitive künstlerische Kraft hinzudeuten, auf die ich noch nicht zugreifen konnte - eine bestimmte Sichtweise auf Ihre eigene Arbeit, die es der Arbeit ermöglichte, im Gespräch mit Ihnen als Schöpfer zu existieren.

Im vollständigen Auszug beschreibt Warhol seinen Prozess, den blauen Pinsel auf der Leinwand zu bewegen, bis sich alles richtig anfühlt, dasselbe mit dem grünen Pinsel zu tun, einen Blick darauf zu werfen und zu entscheiden, wann das Bild fertig ist. Auf den ersten Blick mag diese Beschreibung den Anschein erwecken, als sei ein Gemälde gedankenlos oder ungeplant, aber ich denke, die Wahrheit ist, dass diese Bilder Verkörperungen einer Art erlerntem Instinkt für das Komponieren von Bildern waren.

Und wie bei Warhols Gemälden beleuchtet das Schriftdesign eine leistungsstarke Methode der intuitiven Komposition, die in allen Designdisziplinen angewendet werden kann.

Im Rahmen des Type @ Cooper-Programms können Studenten Gastvorträge in der Vorlesungsreihe Herb Lubalin (archiviert auf Vimeo) besuchen. Während eines solchen Vortrags über Holzarten leitete Sprecher David Shields in Rob Roy Kellys Buch A Collector's Guide to Trivets & Stands ein, in dem die Gebrauchsgegenstände gründlich katalogisiert wurden. Shields erwähnte, dass Untersetzer-Design eigentlich ziemlich typografischer Natur ist. Und ich fragte mich, was die mögliche Verbindung sein könnte, bevor mir klar wurde, dass es vielleicht um die Zusammensetzung der Untersetzer ging.

Standbild aus Shields Vortrag

Genauso wie ich lerne, Gegenformen mit Strichen auszugleichen, um überzeugende und lesbare Buchstabenformen zu erstellen, würde jemand, der einen Untersetzer entwirft, versuchen, Luft mit Eisen auszugleichen und eine überzeugende und nutzbare Plattform für ein heißes Gericht zu schaffen.

Zurück in unseren Studio-Sessions jeden Dienstag brachte ich Hannes Famira meine neuesten Design-Proofs zur Kritik und Anleitung, wohin ich als nächstes gehen sollte. Hannes kann Dinge sehen, die ich in den Briefen nicht sehen kann. Er kann einen Kontrollpunkt im ganzen Raum auswählen und mit geschlossenen Augen eine „klumpige“ Kontur sehen.

In der Mitte des Semesters hatte ich zwei interessante Themen. Einerseits könnte die Idee, dass die Kompositionsregeln des Typs (über die Orthodoxien der Proportionen von Großbuchstaben / Kleinbuchstaben, Serifenkonstruktion usw. hinaus) weitgehend auf andere Arten von Design und Kreation angewendet werden könnten. Auf der anderen Seite die Idee, dass es einen fortgeschrittenen kompositorischen Anblick und Instinkt gibt, den Experten besitzen - einen Instinkt, auf den ich noch nicht zugreifen konnte.

Und das ist sicherlich keine neue Idee. „Kompositionen gut ausbalancieren“ ist keine bahnbrechende Entwicklung. Aber anstatt einfach zu sagen: „Es ist wichtig zu wissen, wie man komponiert“, möchte ich diese beiden Ideen aufgreifen, sie öffnen und in die Praxis des Entwerfens von Schnittstellen integrieren - das, was ich am besten kann und zu dem ich neige jede neue Idee zu erzählen.

Was ist kein Design?

In einem kürzlich geführten Interview habe ich etwas gesagt, über das ich lange nachgedacht, aber nie offen gesagt habe - alle Dinge, die geschaffen werden, sind Kunst.

Was ich damit zumindest teilweise meine, ist, dass es wahrscheinlich keinen Sinn macht, geistige Energie darauf zu verwenden, Dinge in Spalten von „Kunst“ und „nicht Kunst“ zu sortieren. Ich möchte nicht sagen, dass etwas „keine Kunst“ ist, und dann am Haken sein, um festzustellen, was ist. Ich möchte aber auch sagen, dass wir mehr über Dinge als absichtliche Kreationen nachdenken sollten, die ihre eigene Bedeutung haben und der Person, die ihnen begegnet, etwas vom Schöpfer mitteilen.

Ja, das heißt, ich denke, das Venn-Diagramm von Kunst und Design ist im Grunde ein Kreis.

Die unausgesprochene zweite Hälfte dieser Aussage ist, dass alle Dinge, die mit Absicht geschaffen wurden, entworfen wurden. Ja, das bedeutet, dass ich denke, dass Kunst entworfen ist, und ja, es bedeutet auch, dass ich denke, dass das Venn-Diagramm von Kunst und Design im Grunde genommen ein Kreis ist.

Ich finde es verlockend, Kunst und Design als völlig unterschiedliche Konzepte zu betrachten, weil Design sich anders anfühlt - als hätte es unterschiedliche Ziele, unterschiedliche Prozesse und oft eine systematischere Rolle bei der Herstellung von Produkten. In einer Episode von Design Notes, die ich mit Cameron Koczon von Fictive Kin aufgenommen habe, sagte er Folgendes:

… Als ich Brooklyn Beta leitete, sah ich viel Aufmerksamkeit für das Design und es wurde etwas, worüber VCs sprachen, Unternehmensleiter [sagten]: „Du musst es haben. Du musst dir etwas Design besorgen. “ … „Design“, das Wort, ist jetzt überall. Gute Arbeit das Wort "Design". Aber Designer, die Community - ich glaube nicht, dass sie viel davon bekommen, und ich glaube nicht, dass diejenigen von uns, die entworfene Produkte erhalten, viel davon bekommen.

Koczons Punkt (der in An Important Time for Design ausführlich beschrieben wird) ist, dass die Idee des Designs, insbesondere im technischen Bereich, heilig wurde und - nach meiner eigenen Interpretation - das Wort selbst zu einer Art leerem Behälter wurde, in den wir packen konnten unsere eigenen Überzeugungen und Ideale, oft über die Dinge, die wir wollen oder auf die wir hoffen. Das praktische Ergebnis davon war laut Koczon keine Erhebung der Designer, die diese neuen heiligen Objekte schufen, nur des Wortes und der Idee der Praxis.

Ich denke, diese Perspektive zu verstehen und mir die Erlaubnis zu geben, von der Erzählung zurückzutreten, dass Design irgendwie eine erhöhte Funktionsweise ist, hat mir gezeigt, dass es vielleicht Raum gab, andere Orthodoxien des Designs in der Technik herauszufordern oder zumindest neue einzuführen Ideen zum Gespräch.

Ich möchte bereits unsere Vorstellung von Schnittstellen als statische oder Terminal-Kreationen in Frage stellen, indem ich ihnen erlaube, mit Benutzern zu leben, aber vielleicht können wir dies derzeit tun, während wir uns noch mit Schnittstellen befassen, die sich auf dieser Ebene nicht anpassen Lassen Sie unsere Aufmerksamkeit auf das Konzept von Design (es sind viele Dinge) fallen und beginnen Sie erneut, sich von den intuitiven Praktiken von Disziplinen wie Schriftdesign zu leihen, um unsere Arbeit zu informieren und zu beleben.

Intuieren lernen

Etwas, das ich verlernen musste, als ich anfing, Schriftdesign zu lernen, war der Instinkt, mich auf Zahlen zu verlassen. Stammbreiten und Abstandsmetriken haben mich als Chance für ein starkes System bezeichnet. Ich sollte in der Lage sein, die richtigen Werte herauszufinden und sie gleichmäßig auf jede Glyphe anzuwenden, oder? Falsch. Also, so falsch.

Viele Elemente des Schriftdesigns werden optisch erstellt und angepasst, und obwohl der Begriff eines Systems stark typisiert ist, scheint das System eher als Sammlung von Konzepten als als Sammlung unveränderlicher Komponenten zu fungieren. Die Zuordnung der Optiken und Systeme, die ich vom Schnittstellendesign zum Schriftdesign kenne, führt zu Konflikten in den Buchstabenformen. Und um aus diesem Instinkt auszubrechen, musste ich lernen, intuitiv zu sein. Dafür brauchte ich eine neue Perspektive.

Negativ ist das neue Positiv

In einem einwöchigen Workshop über Buchstabenproportionen unter der Leitung von John Downer fand ich diese Perspektive. Downer erzählte uns etwas, das meine Sichtweise auf die Dinge, die ich schuf, wirklich veränderte.

Er sagte, man solle Buchstabenformen nicht als diskrete Objekte betrachten, die auf einem Hintergrund liegen, sondern als Formen, die durch den Hintergrund eingeschränkt - geformt - werden. Dass die Zähler in und um die Buchstaben wirklich das waren, was wir gestalteten, nicht die Buchstaben selbst. Wir sollten einen Tintenpool aufräumen, keinen schaffen.

Und das blieb bei mir. Nicht nur, weil es einen großen Einfluss darauf hatte, wie ich Abstände in der Schrift verstehe oder wie ich Buchstaben in Bezug auf den Hintergrund und untereinander wahrnehme, sondern auch, weil es eine breite Anwendbarkeit auf Schnittstellen hat.

Eine der häufigsten Kritikpunkte, die ich an zeitgenössischen Benutzeroberflächen gelesen habe, insbesondere im Internet oder auf großen Bildschirmen - aber sicherlich mit größerer Leidenschaft auf kleineren Bildschirmen, auf denen Platz kostbar ist - ist, dass zu viel weißer Raum vorhanden ist. Dieser negative Raum wird oft als "verschwendet" oder "ungenutzt" oder "leer" bezeichnet. Wenn wir ihn jedoch so betrachten, wie Downer den Typ sieht, können wir beurteilen, ob weißer Raum und verschwendeter Raum wirklich dasselbe sind. Und ich denke, die Antwort könnte überraschend sein.

Der negative Raum gibt dem positiven Raum, den er enthält, Form und Bedeutung.

Der negative Raum verleiht dem darin enthaltenen positiven Raum im besten Fall Form und Bedeutung. Wenn wir es so betrachten, können wir diesem Raum spezifische Gestaltaufgaben geben - es kann Nähe, Kontinuität oder Schließung schaffen oder beseitigen. Wenn zu diesen Zwecken kein negativer Raum verwendet wird, spürt man es. Die Schnittstelle, die Schrift - das Design - funktioniert nicht ganz. Wir sind mehr als ein einfacher Austausch von Bildschirmraum für Informationen, wir sollten über die Raumnutzung unter diesen qualitativen Begriffen nachdenken und sie bewerten.

Eine Sammlung von Konzepten

Ich bin nicht jemand, der gerne sagt: "Das Beste, von dem ich weiß, dass es ___ ist". Lassen Sie mich also verwöhnen, wenn ich sage, dass die besten Design-Systeme, die ich kenne, nicht einschränkend sind.

Eine der Hauptkritikpunkte an der gegenwärtigen systematischen Renaissance des Interface-Designs ist, dass die von uns erstellten und gemeinsam genutzten Design-Systeme für Designer zu restriktiv sind und Ausdruck, Erweiterung und die Intuition, für die ich mich in diesem Beitrag einsetzen möchte, ersticken. Dies war sicherlich ein Gefühl, das wir über die frühen Iterationen von Material Design bei Google gehört haben. Zu diesem Zweck hat sich Material weiterentwickelt. Im Jahr 2018 erfüllte der Begriff des Material-Theming das System mit einer Vielzahl von Subsystemen und Parametern, die es den Designern ermöglichen, die grundlegenden Konzepte und die Verwendbarkeit von Material beizubehalten und gleichzeitig ein einzigartiges und ausdrucksstarkes System zu schaffen.

Ein 4dp-Eckwinkel in der Grundlinie bedeutet beispielsweise nicht, dass alle geformten Komponenten 4dp-Ecken haben. Die Ecken können je nach Größe der Komponente, ihrer relativen Bedeutung in der Benutzeroberfläche oder sogar der Aktion, die ein Benutzer ausführt, variieren der Moment, in dem sie ihm begegnen. Sie können modifiziert und asymmetrisch gemacht werden, um Aktionen zu betonen oder hervorzuheben. Das Formsystem in Material verfügt über eine solide interne Logik, behält jedoch einen starken Ausdrucksbereich bei.

Als ich Wakehurst entwarf, kam es eher wie ein Farn in einem Gewächshaus heraus als wie einer im Wald.

Und die interne Logik einer Schrift funktioniert genauso. Anstatt ein Menü mit Komponenten zu haben, die wir zu einem Ganzen zusammenfügen, können Elemente erweitert, untersucht und neu definiert werden, um eine zusammenhängende, aber dynamische Familie von Formen zu bilden.

Als ich Wakehurst entwarf (die oben abgebildete Schrift), interpretierte ich meinen Referenztext mit organischen, grünen Terminals, die das Wachstum eines Farns hervorriefen, aber in einem rationalen, strukturierten Satz von Glyphen enthalten waren. Es kam eher wie ein Farn in einem Gewächshaus als wie ein Farn im Wald heraus und wuchs organisch in einer starren Struktur, anstatt unter anderen organischen Formen zu existieren. Wenn Sie oben auf das a schauen, wie es sich auf das j, das y, das &, das c und andere Zeichen bezieht, können Sie die Variation sehen.

Mit anderen Worten, das System einer Schrift fungiert als etwas lockereres konzeptionelles Thema. Eine verwandte, aber biologisch unterschiedliche Gruppe von Pflanzen hat in Wakehurst Wurzeln geschlagen und kann auch in Ihrem Entwurfssystem Wurzeln schlagen.

Beim Interface-Design entstehen diese neuen botanischen Exemplare häufig als Reaktion auf neue oder sich ändernde Anforderungen oder Umgebungen. Unterschiedlicher Boden, unterschiedlicher Niederschlag und Sonnenlicht. Vielleicht ist eine Futtersuchkreatur gekommen und hat an Ihren Knopfkomponenten geknabbert. Habe ich diese Metapher zu weit gedrängt?

Erweiterung, Erforschung und Entwicklung sind entscheidend für die Langlebigkeit eines Systems.

Lassen Sie das Design sich ausdrücken

Wenn wir zu Material Design zurückkehren und im Kontext einer großen Organisation darüber nachdenken, in der ein bestimmtes Thema an verschiedene Designteams zur Implementierung in ihre eigenen spezifischen Produkte weitergegeben werden kann, ist es leicht zu erkennen, wie selbst diese ausdrucksstarke und stilisierte Version funktioniert von Material, das wir erstellt haben, kann sich klaustrophobisch anfühlen. Wenn Sie mit einem umfassenden Stickersheet konfrontiert werden, wie es vom Material Theme Editor erstellt wurde, ist es leicht, eine stark erweiterte Auswahl als eine Reihe von Grenzen wahrzunehmen.

Ich würde anbieten, dass diese Breite stilisierter Komponenten tatsächlich die Mindestzutaten bietet, die erforderlich sind, um eine vielfältige und ausdrucksstarke Produktpalette mit demselben Thema zu erstellen. Ich weiß das, weil wir es mit Google Material umgesetzt haben, dem Thema, das meine Kollegen bei Google erstellt haben, um Google Apps die ausdrucksstarken Eigenschaften von Themen zu verleihen und die Marke Google produkt- und plattformübergreifend zum Leben zu erwecken.

Google News, Google Home und Google Mail

Google Material funktioniert wie viele andere Design-Systeme und verfügt über eine Reihe von Komponenten sowie eine Reihe von Prinzipien und Richtlinien für die Art der Erweiterung, des Ausdrucks und der Evolution, die zuvor erläutert wurden. Während die Art der Komponenten und Interaktionen, die das System bietet, eine ganz bestimmte Marke zum Ausdruck bringen, haben die Teams brillante Arbeit geleistet, um Apps wie Google Home, Aufgaben, Kalender, Aufbewahrung und Google Mail auf eine Weise mit Google Material zum Leben zu erwecken ermöglicht es dennoch jedem, eine Kernpersönlichkeit und Erfahrung zu bewahren.

Auf die gleiche Weise, wie Wakehurst Strich-Terminals verwendet, um verschiedene Arten von Glyphen abzugrenzen - zum Beispiel dem $ Blattkanten zu verleihen, um es vom S zu unterscheiden - kann die sorgfältige Auswahl, Zusammenstellung und Erweiterung von Komponenten eines begrenzten Systems interessante und dynamische Persönlichkeiten für schaffen verwandte Schnittstellen.

Intuition nutzen

Die Wahrheit ist, dass wir als Menschen alle etwas zum Designprozess mitbringen. Die Anhäufung unserer Erfahrungen, Interaktionen, Geschmäcker, Überzeugungen und Vorurteile zeigt sich in unserer Arbeit. Die Dinge, die wir erschaffen, sind natürlich Erweiterungen von uns. Und obwohl es wichtig ist, sich emotional von unserer Arbeit zu lösen, ist es unmöglich, unser eigenes Spiegelbild darin nicht zu sehen.

Intuitive Komposition kann sich flüchtig anfühlen.

Als Ingenieur führt das Schreiben von Code zur Ausführung derselben Aufgabe an zwei verschiedenen Tagen wahrscheinlich zu unterschiedlichem Code. Als Schriftdesigner verwalte ich Dateien sorgfältig, da ich niemals zweimal genau die gleichen präzisen optischen Kurveneinstellungen vornehmen könnte.

Intuitive Komposition kann sich flüchtig anfühlen. Das Fehlen genauer, unfehlbarer Regeln ist ein Risiko.

Der Schlüssel ist, intuitive Kräfte mit Absicht einzusetzen.

Dass sich unsere Arbeit natürlich dazu eignet, Teile unseres individuellen Lebens zu enthalten, ist in erster Linie der Grund, warum es wichtig ist, als Designer mit anderen Menschen aus einer Vielzahl von Perspektiven, Hintergründen und Erfahrungen zusammenzuarbeiten. Aber es ist auch der Grund, warum es entscheidend ist, die Dinge zu nutzen, die unseren Instinkt und unsere Intuition ausmachen, um eine intuitive Komposition zu schaffen, die mitfühlend, nachdenklich und natürlich brauchbar bleibt.

Der Schlüssel ist, diese intuitiven Kräfte mit Absicht zu nutzen.

Warhols Make-it-Blue-Over-There-Maltechnik hatte die Absicht, eine Komposition für die Massenproduktion ins Gleichgewicht zu bringen.

Das Betrachten typografischer Glyphen nicht als feste Objekte, sondern als Formen, die durch die Räume begrenzt sind, die sie einnehmen, funktioniert mit der Absicht, lesbaren, verständlichen Text zu erstellen.

Das Formen von Komponenten nach Größe, Höhe und Wichtigkeit funktioniert mit der Absicht, starke mentale Modelle für eine komplexe Schnittstelle zu erstellen.

Die Ziele dieser Beispiele mögen unterschiedlich sein, aber der Prozess, die menschlichen Qualitäten der arbeitenden Systeme und die Instinkte, die wir darauf aufbauen, sind ähnlicher, als wir vielleicht anerkennen.

Genauso wie Kunst nicht ohne Design ist, behaupte ich abschließend, dass Design nicht ohne Kunst sein sollte.

Ich bin Liam, ein UX-Designer bei Google, der sich für Design und Designer einsetzt. Du kannst mir auf Twitter @LiamSpradlin folgen.

Ich veranstalte auch einen Podcast namens Design Notes, in dem Gespräche mit Entwicklern aus verschiedenen Disziplinen geführt werden, um herauszufinden, was uns im Design inspiriert und verbindet.

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