Veröffentlicht am 15-08-2019

Sogar Ansel Adams hatte einen blinden Fleck

Ein längst vergessener Fotograf namens William Porterfield hat dieses Bild 1905 gemacht. Aber vielleicht ist er heute besser bekannt, wenn die F64-Schule nicht so eifrig erklärt hätte, dass der Pictorialismus tot sei

Wir alle haben buchstäblich und metaphorisch einen blinden Fleck. Ansel Adams hatte einen so großen und mächtigen, dass er, Beaumont Newhall und einige andere einige sehr wichtige und wundervolle Fotografen aus der Geschichte der Fotografie „verschwanden“. Auf diese Weise haben sie auch dazu beigetragen, eine wichtige Bewegung in der Fotografie, die sich Pictorialism nennt, zu „verschwinden“.

Bildhauer machten sich Gedanken über Gefühle und setzten jede erdenkliche Technik ein, um den Job zu erledigen. Weicher Fokus, mehrere übereinander geschichtete Bilder, Textur-Bildschirme, Malen auf Negativen und Drucken - all dies kann verwendet werden, um das gerade von der Kamera erzeugte Negativ zu modifizieren.

Tree - near Julian California ”, ein klassisches Bild und ein wunderschöner Pigmentdruck von William Mortensen

Der Pictorialismus blühte als fotografischer Stil von 1885 bis in die 1920er Jahre. Viele frühe Fotografen wie Julia Margaret Cameron, Edward Steichen und Heinrich Kuehn waren oder begannen als Bildhauer. Tatsächlich hat Ansel Adams auch als einer angefangen, aber nachdem er in den Bann der F64-Schule geraten war, hat er den Bildhauerei aufgegeben und sich vehement dagegen gewandt.

Die F64-Menge glaubte, dass nur ein „gerades“ Bild fotografisch rein sei, nachdem Sie das, was die Kamera gesehen hatte, geändert hatten und vom Weg abgekommen waren. Und wenn reine Fotografie „besser“ war, musste der Pictorialismus „schlecht“ sein, und Fotografen, die sie praktizierten, waren ebenfalls „schlecht“ und konnten ignoriert oder verunglimpft werden. Da Adams und Newhall ästhetisch in Einklang gebracht wurden und Newhall den Grundstein für die Geschichte der Fotografie schrieb, wurden wichtige Bildhauer wie William Mortensen und Elias Goldensky aus der Geschichte herausgeschrieben ... und wir haben eine große und schöne Tradition verloren. Ohne Anerkennung des Establishments waren die Techniken des Pictorialismus größtenteils vergessen und die Welt marschierte weiter.

Jenny in Pigtails von Robert Balcomb, William Mortensens bester Schüler. Von Hand auf Fotopapier gedreht. Kein Photoshop.

Nur dass die Schönheit niemals verschwindet, auch wenn sich unsere Vorstellung davon, was sie ausmacht, ändert. Und reine Fotografie könnte nicht alle Vorstellungen von Schönheit enthalten, die Menschen haben könnten. So schlichen sich die Praktiken des Pictorialismus an den Rändern ein: Ein weicher Fokus schoss hier, Bewegung wurde dort als Unschärfe dargestellt. Solange es weder einen Namen noch eine Schule gab, zog es nicht den Zorn der puristischen Fotografen auf sich.

Und dann kam die digitale Fotografie und Photoshop erschien und plötzlich waren wir zurück im Zeitalter des Pictorialismus, nur ohne die ästhetischen Diskussionen, die die Grundlage des Pictorialismus als Bewegung bildeten.

Um mehr über die Konzepte des Pictorialismus zu erfahren, müssen Sie zu den Fotografen zurückkehren, die darüber geschrieben und sie geübt haben, und verstehen, woran sie gedacht haben, als sie ihre Bilder gemacht haben.

Maid Pouring Milk von William Mortensen

William Mortensen war ein außergewöhnlicher Stylist und jahrelang vielleicht der bekannteste der Pictorialisten des 20. Jahrhunderts. Seine Fehde mit Ansel Adams war legendär, obwohl ihre Einstellungen zu den Unterschieden nicht gut übereinstimmten. Mortensen trennte den Mann vom Künstler, während Adams sowohl Mortensen als auch seine Arbeit heftig hasste. Auch Jahre nach seinem Tod konnte Adams wenig oder nichts Gutes über ihn sagen. Rückblickend war und ist seine handwerkliche Meisterschaft erstaunlich, obwohl Mortensens Thema oft grotesk und manchmal kitschig war. Die meisten Menschen, die zum ersten Mal einen Mortensen-Abzug sehen, können kaum glauben, dass es sich um ein Foto handelt.

Mortensen leistete Pionierarbeit beim Drucken eines Negativs auf Papier, beim Schattieren des Rückens mit einem Bleistift, um die Glanzlichter zurückzuhalten, beim Drucken des Ergebnisses auf ein anderes Blatt Papier, beim erneuten Schattieren des Rückens (diesmal, um die Schatten des jetzt negativen Bildes abzudunkeln) und beim Drucken das Ergebnis ein drittes Mal, vielleicht durch einen Textur-Bildschirm, um ein positives Bild von außergewöhnlichen texturellen und klanglichen Qualitäten zu machen. Wenn es einen Künstler gibt, der die Möglichkeiten von Photoshop gründlich verstanden und vorausgesehen hat, lange bevor es erschien, dann ist es William Mortensen. In den letzten Jahren ist das Interesse an Mortensen wieder gestiegen. Eine Internetrecherche wird Nachdrucke seiner Bücher und viele Beispiele seiner Arbeit liefern.

Ein sehr ungewöhnlicher Druck. Dies ist ein Bild, das von Robert Balcomb fotografiert und dann von Balcomb und Mortensen handkoloriert wurde. Mortensen färbte die linke Seite, Balcomb die rechte. Beide haben die Arbeit unterschrieben.

Robert Balcomb, ein modernes Beispiel, studierte ausgiebig bei William Mortensen und fertigte über vierzig Jahre lang Porträts mit Mortensens Techniken an. Sein Buch Ich und Mortensen - Fotografie mit dem Meister - erhältlich unter www.amphoraeditions.com ist eine Reminiszenz, ein Schaufenster für auf Mortensen-Art gemachte Bilder und eine Einführung in analoge Fototechniken, von denen viele im digitalen Bereich angewendet werden können Welt. Der Druck ist wunderschön und es lohnt sich, das Buch in Ihrem Regal zu haben.

Mortensen und Balcomb sind eine kleine Auswahl von bildnerischen Darstellungen, die online und in neuen und gebrauchten Buchhandlungen erhältlich sind. Sie bieten einen Einblick in das Denken, das vor einem Jahrhundert die Bildherstellung geprägt hat. Heute haben wir Tausende von Tutorials, in denen wir erklären, wie man fast alles in Photoshop macht, aber es wird nur sehr wenig darüber gesprochen, warum wir Bilder machen oder welche Absicht dahinter steckt. Die F64-Schule öffnete die Tür für Generationen von scharfen und schönen Bildern, aber auf Kosten einer ganz anderen Art, über das Bild nachzudenken.

Vor hundert Jahren diskutierten Fotografen ernsthaft über das ästhetische Warum und Wie von Bildern. Sie schrieben und diskutierten leidenschaftlich nicht darüber, welche Kamera oder Linse besser war, sondern welche Denkweise sie ihrem gewünschten Ergebnis am nächsten brachte. Für die Bildmaler war das Bild eher ein Ausdruck von Emotionen als eine fotografische Tatsache. Vielleicht ist es an der Zeit, Leute anzurufen, die das jetzt für Bildmaler des 21. Jahrhunderts tun, und die Diskussion erneut zu beginnen.

(Eine andere Version dieser Geschichte erschien vor ein paar Jahren zum ersten Mal in L'oeil de la Photographie. Danke, Jean Jacques, dass du mir die erste Gelegenheit zum Schreiben gegeben hast!)

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