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Veröffentlicht am 31-03-2019

Ausstellungsbesprechung: Eugene Richards: Das Lauf der Zeit bei ICP

Eugene Richards: The Run-On of Time präsentiert 50 Jahre Arbeit des Fotografen. Die Show zeigt seine frühesten Fotos, die im Arkansas Delta veröffentlicht wurden, bis zu seiner symbolischen Rückkehr in den Süden 2014 und alles, was dazwischen geschah.

Im Laufe seiner Karriere sah Richards die tiefsten Momente des Daseins - Geburt, Tod, Ehe und Familie - alle spielen eine bedeutende Rolle in seiner Arbeit. Außerdem hat er seine Bilder mit den intensiven Auswirkungen von Krankheiten, Vorurteilen und Krieg auf Einzelpersonen und Gemeinschaften durchdrungen. Häufig wird seine Arbeit als "unbeirrt" beschrieben, aber als "poetisch", was eindeutig ist. Aber was Richards zu einem der größten modernen Fotografen macht, ist seine Nähe zu seinen Motiven.

Diese leidenschaftliche Ehrlichkeit, die er seinen oft traurigen Untertanen zufügt, kommt nicht nur von seiner geschickten Liebe zum Detail, sondern auch von seiner tiefen emotionalen Investition in diese Menschen. Ohne das Thema auszunutzen, gewinnt Richards stattdessen sein Vertrauen und seinen Respekt, um eine privatere, ehrlichere Wahrheit über ihr Leben und die gesamte Menschheit zu enthüllen.

Richards fällt in die Schule von Robert Frank nicht nur in seiner beiläufigen Subjektivität, sondern auch in Bezug auf den sozialen Fokus und den strategischen Einsatz von Zuschneiden und Perspektive. Seine Verbindungen zu W. Eugene Smith sind ebenfalls bemerkenswert. Obwohl wir uns nicht tief damit befassen, könnte man sogar sagen, dass er auf das Konzept des "entscheidenden Moments" von Henri Cartier-Bresson und die unmittelbare Nähe des Kriegsfotografen Robert Capa schaute. Trotzdem ist die einzigartige Stimme von Richards zugleich informativ, da sie poetisch ist und die Stressfaktoren des Lebens ans Licht bringt, die wir oft ignorieren. Das Nachlaufen der Zeit war mehr eine Erinnerungsbank als eine Ausstellung.

Da die Arbeit von Richards so viele Jahre umfasst und sich auf ein so breites Themenspektrum bezieht, erfolgte die Anordnung der Show eher thematisch als periodisch oder nach Projekt. Kunstwerke nur an das Jahr zu binden, an dem sie entstanden sind, ist ziemlich limitierend. Während der historische Kontext für das Studium der Kunst von zentraler Bedeutung ist, ist es auch wichtig, Werke im Vakuum zu sehen, als Sammlung und nicht als Chronik. Durch die Kuratierung der Show auf diese Weise verlieren sich die Zuschauer nicht bei der Ableitung historischer Lesungen der Werke und können sie nur nach dem, was sie sind, und nach der Erfahrung, die sie bieten, betrachten. Ein solches Arrangement versucht nicht, Antworten zu finden, sondern taucht den Betrachter in diese intimen, gelebten Erfahrungen ein. Natürlich können wir die Daten immer noch anerkennen, aber dies ist in unserer Analyse keine treibende Kraft. Die Show wurde stattdessen in sieben verschiedene Themenbereiche unterteilt. Der erste Raum, der einige seiner schulischen Arbeiten umfasst, konzentrierte sich auf seine Zeit im ländlichen Amerika.

"Von der Metapher zum Dokument" heißt es. Dieser Abschnitt zeigt den unorthodoxen Einstieg von Richards in die Fotografie. Nach seinem Bachelor-Abschluss in englischer Sprache an der Northeastern University entschied sich Richards, am MIT am abstrakten Landschaftsfotografen Minor White teilzunehmen, der das Medium als eine Möglichkeit lehrte, „die Welt zu beschreiben und eine spirituelle oder emotionale Bedeutung zu schaffen“. Diese Werte versickerten Richards 'gezielte Aufnahme und intensive Liebe zum Detail. Während seiner Zeit bei White kam es während des Vietnamkrieges zu einer drastischen Veränderung in Amerika, die ein gespanntes, sozialpolitisches Klima über die Nation wusch. Anstatt sich anzumelden, schloss sich Richards VISTA (Volunteers in Service to America) an, die ihn als Anwalt der Gesundheitsfürsorge nach Arkansas brachte. In Arkansas arbeitete er als Reporter und Sozialarbeiter mit seiner Kamera, um auf den extremen Rassismus und die wirtschaftliche Not, die er sah, zu reagieren. Viele dieser Bilder erschienen in seinem ersten Buch Few Comforts oder Surprises: The Arkansas Delta (1973). Hier sehen wir, wie der Künstler von einem akademischen Stil in Richtung Journalismus ging.

In diesem Bereich finden wir eine Sammlung von Werken aus den Jahren 1970 bis Anfang der 2000er Jahre, die sich weitgehend den "amerikanischen Leben und sozioökonomischen Realitäten" widmen. Es sollte darauf hingewiesen werden, dass diese Themen nach und nach spezifischer werden. Neben den Werken aus seinem ersten Buch sehen wir viele Arbeiten von Below the Line: Living Poor in America (1987) und Cocaine True Cocaine Blue (1994), wo Richards mit Bildern und Worten die Art und Weise analysiert, wie Menschen angesichts der Armut überleben. Vorurteile und Sucht. Aber nur das, Richards knüpft eine echte Verbindung zu seinen Untertanen. Er nähert sich jedem Projekt mit minimaler vorheriger Forschung und stellt fest, dass es ihn mit unnötiger Vorspannung überdeckt. Stattdessen verbringt Richards lange Zeit damit, sich mit den von ihm gewählten Menschen zu unterhalten, und zeigt damit sein aufrichtiges Interesse, ihre Perspektive zu hören, Vertrauen aufzubauen und gegenseitigen Respekt zu schaffen. Diese Bilder zeigen die intensive Realität des Armenlebens in den ländlichen Bezirken Arkansas und North Dakota, aber auch in den urbanen Gebieten von Philadelphia und Brooklyn. Die meisten Menschen, die gezeigt werden, sind in einen normalen Zyklus von Sucht und Not eingebettet.

Als nächstes wird der Zuschauer zu einem persönlicheren Abschnitt zu Richards geführt, zu seiner Rückkehr in seine Heimatstadt Dorchester, MA, wobei er Werke von Dorchester Days (1978) und Exploding into Life (1986) zitiert. Wir sehen hier mit seinem tragbaren 35-mm-Film zahlreiche visuelle Hinweise auf das Werk von Robert Frank, zitiert durch diese spontanen, strategisch erfassten Bilder einer Stadt, die von Armut und Rassenspannung geprägt ist. Diese flachen, flachen Feldaufnahmen vermitteln diese kieselige Umgebung mit bewusster Unruhe und gleichzeitig einem sofortigen Gefühl der Kindheit. Er dokumentiert auch seine Frau, Dorothea Lynchs Reise durch Brustkrebs, mit ehrlicher Ehrlichkeit und Zuneigung bis zu ihrem Tod im Jahr 1983.

Diese turbulente Reise führt perfekt in den folgenden Abschnitt mit dem Titel „Gesundheit und Menschlichkeit“. Aufnahmen aus seinem Buch The Knife and Gun Club (1989), in dem Richards Zeit verbrachte, um eine Notaufnahme in Denver zu dokumentieren und das anstrengende physische und psychologische Gewicht der geleisteten Arbeit Dort. Fotos von Procession of Them (2008) sind ebenfalls vorhanden und zeigen die ungerechten Lebensbedingungen mehrerer engagierter psychiatrischer Patienten. Beide Projekte wurden während der Arbeit für Menschenrechtsgruppen abgeschlossen und betonen die Verbindung der persönlichen Gesundheit zu einem kollektiven, gesellschaftlichen Wohlbefinden.

Dann gehen wir in die letzten Abschnitte über, die wohl die mächtigsten und rauesten der gesamten Ausstellung sind. Die erste konzentrierte sich auf Krieg und Terrorismus und seine Auswirkungen auf Einzelpersonen. 1982 berichtete Richards über die Auswirkungen des Krieges in Beirut for Life, 1989 hielt er die Ereignisse auf dem Platz des Himmlischen Friedens fest und 1993 zeichnete er ein Kriegsspital in Bosnien und Herzegowina. Darüber hinaus beschäftigt er sich mit den Auswirkungen von 9–11 mit Stepping Through the Ashes (2002), einer poetischen, aber traurigen Bilderserie. Und mit Fotos von War is Personal (2010) erleben wir die unzähligen Personen, die zusammen mit ihren Familien in Afghanistan und im Irak dienten, und dokumentierten die durch den Krieg verursachten Veränderungen auch zu Hause.

Die Show schließt den Kreis mit „Time and Change“, in dem Arbeiten von Red Ball of the Sun Slipping Down (2014) zu sehen sind. Richards kehrt hierher in den ländlichen Mittleren Westen zurück, begleitet von einer Vielzahl von Fundstücken, um dieser Erzählung eine greifbare Wahrheit zu vermitteln. Besonders hervorzuheben war eine Dose Kautabak, die in einem Bauernhaus in North Dakota untergebracht war.

Im Gegensatz dazu sind diese Bilder meist in Farbe, im Gegensatz zu seinen unzähligen Bildern in Schwarzweiß. Richards merkt an, dass Schwarz und Weiß „eine unbestreitbare Beständigkeit haben“. Man hat das Gefühl, der Ort oder das fotografierte Motiv sei für immer da gewesen, und wenn man zurückkehrt, wäre es immer noch da. Farbe hat ein Gefühl der Unbeständigkeit… es ist der Unterschied zwischen Emotionalem und Intellektuellem. “Diese Meditation über Zeitlichkeit ist in dieser Farbarbeit klar, da Richards selbst älter wird und erkennt, wie viel sich über einen Zeitraum von 50 Jahren ändern kann.

Schließlich endet die Show mit einer Feier der Familie und ihrer Fähigkeit, die körperlichen und emotionalen Aspekte des Lebens zu verbinden. Er denkt darüber nach, indem er seine Arbeit im Niger neben bekannten Bildern von New York und Boston platziert. Damit erkennt er ihre einzigartigen Definitionen an, verbindet sie jedoch mit diesem gemeinsamen Bedürfnis nach Pflege und dauerhaften menschlichen Verbindungen. Richards präsentiert dieses zeitlose Thema durch eine Sammlung von Werken aus allen Epochen seiner Karriere, die seine anhaltende Präsenz in allen Bereichen unterstreicht.

Eugene Richards spielt eine besondere Rolle im Kanon der Fotografie. Er geht einen Grat zwischen Moral und Emotionalem. Er dokumentierte Armut, Drogenmissbrauch und Rassismus, das Leben der Arbeiterklasse in South Boston und seine Geburtsstadt Dorchester in den 1970er Jahren, den Endkrebs seiner ersten Frau, eine Notaufnahme in Denver, psychiatrische Krankenhäuser, New York nach dem 11. September und schwere Folgen behinderte Veteranen. Bei einem solchen Thema trennt eine dünne Linie das Sentimentalische, das selten willkommen ist, vom Ausbeuterischen, das unmoralisch ist. In seiner Arbeit bleibt er jedoch nie lange auf beiden Seiten. Was zu erkennen ist, ist seine visuelle und tonale Beziehung zu W. Eugene Smith. Beide hatten ein persönliches Engagement für die Freilegung von häufig ignorierten Personen, und dabei "so weit wie möglich nicht da sein". Wir sehen das gut in seiner Serie in Denver, die an Smiths Country Doctor (1948) erinnert. In The Knife & Gun Club (1989) präsentierte Richards seine Fotos aus seiner Zeit in der Notaufnahme des Denver General Hospital. Im Auftrag von Geo machte Richards eine Vielzahl energiereicher Bilder des Gewichts der Arbeit in der Traumaeinheit. Der Titel des Buches war der Spitzname, der der Notaufnahme gegeben wurde, aufgrund der vielen Stich- und Schussverluste, die sie jeden Abend sahen. Es präsentiert sowohl grausige Bilder als auch heroische Geschichten von Menschen, die in rascher Folge Leben und Tod bezeugen. Vor allem zwei Bilder, "Doctor After Loss of Patient" (1987) und "Exhausted Nurse" (1982), erinnern an Smiths Country Doctor und veranschaulichen dieses grundlegende Motiv von Richards, um die privatesten Momente zu zeigen, aber immer noch auf dieser Linie zwischen den sentimentalen Beziehungen und ausbeuterisch.

Im ersten Bild, "Doctor After Loss of Patient" (1987), sehen wir einen spärlichen, aber beladenen Rahmen eines weiß gekleideten Arztes in einem schnell aufgeräumten Operationssaal, genau in dem Moment, in dem die Realität einsetzt, als er einen Patienten verlor. Kompositorisch wird es direkt geschossen, wobei sowohl der erschöpfte, resignierte Arzt als auch der gesamte Raum eingeschlossen werden, der nur Beweise dafür liefert, was wir uns nur als Chaos vorstellen können. Die zweite, "Exhausted Nurse" (1982), fängt diesen beunruhigenden Moment ein, wenn eine Krankenschwester von ihrem wahrscheinlich anspruchsvollen Eingriff aufblickt und in ihren Augen diese alarmierende Energie ist, die sich sowohl als extreme Erschöpfung als auch als intensive Angst liest. Dasselbe gilt für die männliche Krankenschwester in "Child with Meningitis" (1985), ein Bild, das Richards in seiner Unsichtbarkeit aufgenommen hat. In den Bildern von W. Eugene Smiths Country Doctor (1948), obwohl keiner von ihnen das gleiche Gefühl des Verlusts hat, gibt es einen ähnlichen Stress. Country Doctor (1948) dokumentiert den Alltag von Dr. Ernest Guy Ceriani, dem einzigen Hausarzt in einer 24-Stunden-Klinik in einer Stadt mit 2.000 Menschen in Rocky Mountain. Sowohl Richards als auch sein Vorgänger, Smith, verwendeten diese Methode, um in die Tapete einzutauchen, um einen möglichst ehrlichen Einblick in das Leben ihrer Probanden zu erhalten. Insbesondere „Kind, das von einem Pferd in den Kopf getreten worden war“ (1948) und „Dr. Ceriani ruht in seiner Küche (1948) “zeigt sowohl einen überarbeiteten, aber entschlossenen Mann als auch einen nationalen Mangel an Landärzten. Das erste Bild zeigt die grausige Realität des Jobs. Sein Gewicht spiegelt sich in seinem verzweifelten, aber ausgelassenen Blick in die Ferne wider. Der zweite ist mehr wie der trauernde Arzt von Richards, ein Mann, der völlig körperlich und emotional völlig entleert ist, um sich für eine weitere Runde vorzubereiten. Richards drängt letztendlich auf diesen bereits endgültigen Moment des Fotojournalismus, der mit psychologischer Tiefe und nie zuvor gesehener Erzählung beladen ist. Darüber hinaus produziert er diese Szenen in Denver mit einer solchen Zärtlichkeit und Unauffälligkeit, dass sich der Betrachter im Raum mit den Probanden vollkommen präsent fühlt, seine Angst teilt und ein Gefühl der Empathie empfindet. Sie sind ein wahres Zeugnis für sein soziales Engagement und seine emotionale Investition in seine Arbeit, bauen auf dem Beispiel von W. Eugene Smith auf und verweigern dem Betrachter jegliche Ruhe.

Es gibt auch ein klares Zitat zu Robert Franks Werk in Richards. So wie Frank in The Americans (1958) zufällig Einblicke in amerikanische Symbole, Autos, Badezimmer, Restaurants, Wohnhäuser und Paraden mit dem Interesse an Ungleichheit und Härte erlangte, sah Richards das Land mit einer ähnlichen Subjektivität, die sich in bestimmte Bereiche einschleicht lebt, um eine breitere Wahrheit zu bedeuten. In den Amerikanern zeigte Robert Frank mit seiner passenden Beat-Einführung von Jack Kerouac eine neue und stark kritisierte Perspektive der amerikanischen Kultur, die er mit seiner unbeschwerten, beiläufigen Technik komplettierte. Seine Untertanen waren in den fünfziger Jahren allesamt Symbole Amerikas, aber seine Art, sie festzuhalten, bewirkte eine drastische Verschiebung des Fotojournalismus und enthüllte die im städtischen Leben noch vorhandene Segregation und Not. Mit seinem differenzierten, voyeuristischen Beobachtungsstil, seiner ungewöhnlichen Ausrichtung und strategischem Zuschneiden brach Frank von den starren, ausgewogenen Konventionen der 1930er Jahre. Richards Fotos halten Franks Stil mehr als die eines anderen Vorgängers, aber Franks Verachtung für jegliche Sentimentalität und volles Eindringen in einen durchdringenden Humanismus.

"Grabtüchter, Marion, Arkansas" (1971) ist ein Bild von Richards, das im Zusammenhang mit Robert Franks "St. Helena ”(1955). Als Richards in West Memphis, Arkansas, lebte, war einer der Orte, an denen er fixiert war, das Begräbnisheim. Hier sah Eugene seine erste Leiche, die von Edie Collins, "einem Getreidespezialisten, der dünn wie Knochen war". Richards ging zu Edies Beerdigung und folgte den Totengräbern zu der Verschwörung. Hier wurde dieses Bild gemacht, das von vier fast identisch gekleideten schwarzen Männern, die die Schatulle tragen, einer mit gedrehtem Kopf, lachend, und der Rest blickt auf die Grube, die sie gegraben haben. Laut Richards erzählten diese Männer wie alle Kollegen Witze und sprachen über ihre Familien, um von der Handarbeit abzulenken. Dieser Moment des Lachens macht diese Bilder meisterhaft, weil sie zu diesen Dichotomien des Lebens sprechen, etwas Schönes, das gleichzeitig mit etwas Tragischem geschieht. Aber ohne Kontext sind es vier schwarze Totengräber, die lachen, als sie eine elfenbeinweiße Schatulle begraben. Man könnte leicht eine Rassenlesung von schwarzen Sklavennachkommen vorschreiben, die tief im Dixie-Boden Vorurteile begraben. Letztlich ist es sowohl eine Momentaufnahme der normalisierten schwarzen Sterblichkeit im ausgesonderten, verarmten Süden als auch eine Meditation über Leben und Tod insgesamt. In Franks „St. Helena “(1955) zeigt außerhalb des Zusammenhangs ungefähr vier (eineinhalb) schwarze Männer in ihren besten Anzügen und Hüten, die sich an ihren geparkten Autos lehnen. Bevor man weiß, dass dies nach einer Beerdigung geschieht, scheint dies ein nachdenkliches Bild von vier Männern zu sein, die in stummer, skeptischer Kontemplation ihren nächsten Schritt vorbereiten. In The Americans ist es eine Antwort auf den wilden Schrei von Franks "Chicago" (1955) auf der benachbarten Seite und ob sie auf diesen lauten weißen Mann hören sollten oder nicht. Es wird eher eine Art "wie viele mehr?" - Art der Kontemplation. Mit dem zusätzlichen Wissen, dass „St. Helena “(1955) ist auch nach einer Beerdigung, man könnte fragen, ob diese beiden Fotos aus zwei verschiedenen Perspektiven desselben Ereignisses aufgenommen wurden, obwohl sie 15 Jahre und 700 Meilen voneinander entfernt waren. Beide zeigen die Nachwirkungen eines schwarzen Begräbnisses, aber Franks, geschrieben mit der Kerouac-Anmerkung: „In seinem ungeheuren Ruhm auf dem Satinkissen liegend, Mann, schwarz, verrückte Trauergäste, die vorbei schauen, um einen Blick auf Holy Face zu werfen, um nach dem Tod zu sehen wie und der Tod ist wie das Leben, was sonst? “und Richards 'Aufbau durch kontrastierende Gefühle von Leben und Tod. Uns werden zwei Reaktionen auf die schwarze Beerdigung in zwei historisch verarmten schwarzen Städten im Süden präsentiert, die uns eine Intimität bringen, die wir sonst nie sehen würden. Nur Richards nimmt es mit dem Lachen seiner Figur angesichts des regelmäßigen Todes noch weiter.

Zwei Bilder aus der Show, die ebenfalls erwähnt werden sollten, sind "Drug Cop, North Philadelphia, PA" (1990) und "Mariella, Brooklyn, NY" (1992) aus Richards 'Buch Cocaine True Cocaine Blue (1994), in dem es um das Leben geht von Süchtigen, Drogendealern, Sexarbeitern und der Polizei in drei innerstädtischen Gemeinden. Bei beiden Bildern handelt es sich im Gegensatz zu den Bildern aus seinem ersten Buch um das Leben in der Stadt und um die Realitäten, Drogen zum Überleben zu nutzen, sowohl in monetärer Hinsicht als auch in Abhängigkeit. Das erste Bild scheint Franks „Parade, Hoboken“ (1955) zu parodisieren. Franks Bild zeigt zwei Frauen, die in separaten Fenstern eines scheinbaren Wohnhauses stehen. Eine der Frauen, deren Gesicht vom halbgezeichneten Schatten und Schatten des Schattenfensters verdunkelt wird, trägt ein unstylisches Kleid, während die andere, ihr Gesicht, das von einer amerikanischen Flagge völlig verdeckt wird, dünn und kühl wirkt. Beide scheinen mit etwas belastet zu sein. Eugene Richards selbst bemerkte, dass er als Fotograf und Sozialarbeiter während seines ganzen Lebens „die Menschen auf diesem Foto gesehen hat, tausende Male und immer wieder siehte, misstrauisch, oft direkt auf mich schaute, leicht und harmlos erschien erstens nicht bewegen. Aber wenn Sie zurückblicken, stehen die Menschen immer noch urteilslos und ängstlich da. “Es ist ein Bild von zwei fleißigen, stolzen Amerikanern, die im Schatten der Flagge anonymisiert wurden, während der Rest des Landes feiert. Richards "Drug Cop" (1990) erinnert an "Parade" (1955) und sogar an "Trolley, New Orleans" (1955), indem er die gleiche wiederholte Umrahmung mehrerer, isolierter Szenen verwendet und dabei thematisch die Aufteilung und die Ungleichheit in Amerika thematisiert . Aber "Drug Cop" (1990) geht noch einen Schritt weiter. Anstatt strategisch beschnitten zu werden, um uns näher zu fühlen, sind wir physisch auf der Bühne dieses Wohnprojekts, auf einer Seite, einem melancholischen jungen Mann, der wegen Drogen aufgetrieben wurde, auf der anderen zwei Frauen mittleren Alters, die hysterisch lachen. Auf der Oberfläche ist dies ein Bild von den beiden Frauen, die sich über den Mann lustig machen, der verhaftet wird, aber in Wirklichkeit ist dies ein Bild von der Häufigkeit von Drogenmissbrauch in dieser verarmten Gegend. Die beiden Frauen denken vielleicht gar nicht daran oder sogar bemerken. Richards zeigt ein intimes, lyrisches Bild von Individuen, die gerade ihr Leben leben und zufällig eine strenge Realität urbaner Armut erfassen.

"Mariella, Brooklyn, NY" (1992) ist dagegen der repräsentativste Vertreter und Kenner von Richards als Humanist und Fotograf. Was wir auf dem Cover von Cocaine True Cocaine Blue (1992) sehen, ist ein erschreckendes Bild einer Frau. Nur noch vier verlässliche Zähne verbleiben in ihrem Mund, mit denen sie verzweifelt eine Spritze greift. Der Alarm in ihrem einen sichtbaren Auge liest sich als pure Verzweiflung und Angst. Man kann es nicht anders als mit Garry Winogrands „El Morocco“ (1955) zu vergleichen. „El Morocco“ (1955) zeigt die Giftigkeit der New Yorker, hochklassigen Parteikultur und fängt einen intimen Moment mit einer solchen Präzision ein, dass sein Aussehen als etwas völlig anderes und als Ergebnis erschreckender wird. Diese Fähigkeit, einen so beiläufig perfekten Moment zu isolieren, ist in Winogrands Werk stark, aber es gibt auch etwas Humor. Richards Momente sind rein offen und auf einer echten Verbindung mit diesem verzweifelten Süchtigen aufgebaut. In Wirklichkeit war Mariella eine freundliche Frau, die sich um Richards kümmerte und ihn beschützte, als er in diesen gefährlichen Gegenden von New York arbeitete. Das Bild zeigt, wie sie sich zusammenbindet und gleichzeitig schreit, was zu einem wahnsinnigen Porträt der Sucht führt und das Auge zu nichts neigt, als dass ihr Gesicht direkt in den Vordergrund gezogen wird. Sie war nicht verrückt, aber traurig, als sie erfuhr, dass ihr Image die Titelseite seines Buches wurde, und dass es ihr beim Aufräumen half. Leider dauerte das Aufräumen nicht. „Mariella, Brooklyn, NY“ (1992) ist in seinem Katalog leicht das schockierendste, ehrlichste und intimste Abbild der Sucht. In der Ausstellung gibt es unzählige Bilder, aus denen man wählen kann, wenn man die Geschichte der Fotografie anhängt. In vieler Hinsicht zog er Minor White aus, indem er die Welt spirituell sah, aber den Sozialarbeiter einfach nicht aus seinem Inneren schütteln konnte. Wir können sogar mit Frank, Winogrand, Lange oder Capa, denjenigen, die diese intime, humanistische Herangehensweise an die Dokumentarfotografie begannen, einen Vergleich machen, doch dies dient nur dazu, Richards 'ehrliche Ehrlichkeit zu fördern. Es gibt nie ein Gefühl für Richards als Außenseiter. Ob er sich in der Anstalt Ground Zero, neben seiner übelriechenden Frau, in North Dakota oder in Dorchester aufhält, liegt der Fokus, während künstlerische und aufschlussreichere menschliche Probleme im Vordergrund stehen, liebevoll auf das Individuum.

Das Nachlaufen der Zeit war eine emotionale Überforderung. Wie ich anfangs erwähnte, war es wirklich eine Speicherbank im vielfältigen Leben von Eugene Richards. Aber diese Vielfalt an Themen und Gebieten war fast irrelevant, wenn wir darüber nachdenken, wie tief er sich in jedes Projekt gestürzt hat. Als wirklicher Sozialarbeiter injizierte er einem verlassenen Präriehaus in North Dakota mehr Informationen über die Menschheit als jede sozioökonomische Studie. Seine Exploding into Life (1986) war bei weitem das persönlichste seiner Bücher und führte den Betrachter durch Angst und Schmerz, aber auch Ekstase, die ihn und Dorothea verspürten. Und Stepping Through the Ashes (2002) war natürlich am meisten beunruhigend, aber so schön gemacht - ich sah mehr Besucher in Ehrfurcht als in Trauer. Letztendlich kann die Show in ihrem Titel The Run-On of Time verkapselt werden. Die Zeit läuft ungeachtet dessen, was passiert und welche Not sich daraus ergibt. Mit dem Alter kommen Krankheit, Armut, Sucht, geistige und körperliche Instabilität. Richards geht diese Themen jedoch mit so viel Ehrlichkeit und Einfühlungsvermögen an, wie eine Person es kann. Dies ist eine zutiefst humane Herangehensweise, die diese Fakten des Lebens durch Individuen und durch die von ihnen betroffenen Umgebungen präsentiert. Das Letzte, was ich sagen möchte, ist, dass Not uns ausmacht. Wir entwickeln uns nur als Individuum, wenn wir aus den herzzerreißenden Dingen lernen, mit denen wir kollidieren, wenn die Zeit schnell vorbeizieht. Eugene Richards weiß das, weil er mehr Härte und andere Arten gesehen hat als die meisten anderen. Die Arbeit ist sehr menschlich, eine Demonstration dessen, was wir erleiden.

Literaturverzeichnis:

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Bilder:

"Doktor After Loss of Patient" Eugene Richards (1987) "Erschöpfte Krankenschwester" Eugene Richards (1982). ICP

"Kind mit Meningitis" Eugene Richards (1985) ICP.

"Kind, das in den Kopf getreten wurde ..." (1948) "Dr. Ceriani ruht in seiner Küche “(1948)

Eugene Smith, Magnum. Eugene Smith, Magnum

„Totengräber“ Eugene Richards (1971) ICP.

"St. Helena “Robert Frank (1955). Schritt / MacGill.

"Chicago" Robert Frank (1955) Pace / MacGill.

"Parade, Hoboken" Robert Frank (1955) Pace / MacGill.

"Trolley, New Orleans" Robert Frank (1955) Pace / MacGill

"Drug Cop" Eugene Richards (1990) ICP.

"Mariella, Brooklyn, NY" Eugene Richards (1992) ICP.

“El Morocco” Garry Winogrand (1955) The Met.

Siehe auch

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