Veröffentlicht am 21-03-2019

Lust auf und Künstler

„Wir denken nicht an Maschinen, die sich fühlen. Wir fühlen Maschinen, die denken “- Dr. Antonio Damasio

Ich war in letzter Zeit ein wenig überrascht, als ich einen Artikel von Sarah Cascone, leitender Autor von Artnet News, mit dem Titel "New Rembrandt Artwork Created with 168,263 'Painting Fragments" las. "Kam" mit einer einfachen, aber möglicherweise beunruhigenden, kreativen Aufforderung: "Können wir einem Computer beibringen, wie man Rembrandt malt?".

Für mich war der überraschende Satz "wie Rembrandt". Was meinte Herr Korsten wirklich? Es stellte sich heraus, dass er nicht wirklich "wie Rembrandt" bedeutete, weil sein IT-Team darauf reagierte, wie er es einem Computer ermöglichen würde, ein Kunstwerk zu malen, das die gleichen Eigenschaften hatte wie "Rembrandt selbst vielleicht gemalt hat. Wie ich beschreiben werde, geht es beim Malen „wie“ einem Künstler nicht darum, Bilder mit den gleichen Eigenschaften wie die vom Künstler produzierten zu produzieren. Vielmehr geht es darum, sich wie ein Künstler zu fühlen, wenn er sein künstlerisches Werk produziert. etwas, was Computer auf absehbare Zeit wahrscheinlich nicht tun werden.

Die Bemühungen des IT-Teams von Herrn Korsten sollten nicht abgewiesen werden. Sie beantworteten seine Frage, indem sie eine relativ anspruchsvolle Softwareanwendung erstellten, die:

  1. Erlernte die Eigenschaften von Rembrandts Stil, einschließlich seiner Verwendung von Geometrie, Komposition und Malmaterialien
  2. erzeugte „Merkmale“ eines Gemäldes basierend auf den Erkenntnissen der Anwendung über diese Merkmale

Die eigentliche Frage ist daher, wie die Software gelernt hat, wie Rembrandt Geometrie, Komposition und Malmaterialien verwendet. Fühlte es sich so wie Rembrandt, als er einen Pinselstrich aufhellte oder von einer Farbe zur anderen wechselte oder vielleicht das Auge eines Charakters nur leicht geöffnet malte?

Natürlich fühlte es diese Gefühle nicht. Software ist unbelebt. Es atmet nicht, wächst nicht, fühlt sich nicht besonders an. Es existiert einfach, ähnlich wie bei einem Stein, mit der Ausnahme, dass Software im Gegensatz zu einem Stein logische und arithmetische Operationen ausführen kann, die den Anschein erwecken können, animiert zu sein. Die Software kann sogar mit entsprechenden mechanischen oder robotergestützten Erweiterungen erweitert werden und kann sogar mit ihrer Umgebung interagieren, um zusätzliche Datenerfassungs- und Lernfunktionen bereitzustellen. Nichts Vergleichbares wie das Lernen, zu dem Rembrandt fähig war, als er bemerkte, dass das Ausüben von mehr oder weniger Druck auf seinen Pinsel seine Bilder mehr oder weniger vibrierte, was er als mehr oder weniger ansprechend empfand.

Die Softwareanwendung, die „wie Rembrandt“ gemalt hat, hat keinen Anreiz für die Farbe, die sie auf eine Leinwand aufgetragen hat. 346 Gemälde, die Rembrandt geschaffen hat, „analysiert“, um am besten zu bestimmen, wie eine andere Rembrandt-Leinwand aussehen könnte. Hier ist der kritische Unterschied, wie er von Herrn Korsten beschrieben wurde: „Die Software ahmt lediglich den Stil bestehender Werke nach, anstatt etwas wirklich Neues zu schaffen.“

Ich war froh zu hören, dass Herr Korsten anerkannt hat, dass Software lediglich den Stil bestehender Werke nachahmt, aber sein Projekt wirft Fragen auf bezüglich der Fähigkeit von Technologie, sich kreativ zu verhalten, wie:

  • „Was kann man über die Unterscheidung zwischen Kunst und Technologie sagen?
  • Was sagt dieses Projekt über die Bedeutung von "Lernen" und?
  • Wie lernen wir, um aus dem Lernen etwas Neues zu schaffen.

Google versucht, ähnliche Techniken zu entwickeln wie das Team von J. Walter Thompson. Googles "Inceptionism", wie das Forschungsteam von Google es nennt, ist der Prozess, bei dem Millionen von Bildern einem künstlichen neuronalen Netzwerk zugeführt werden, bis Muster und bestimmte Objekte in Bildern erkannt werden. Einige Forscher glauben, dass Googles Technik "Einblick in" das Gehirn des Künstlers "bieten könnte, aber diese Art von Kommentaren sind Technologen, die" über ihre Skier hinausgehen ". In diesem Fall sollte man dem Verständnis der Neurowissenschaften jedes menschlichen Gehirns einen Schritt voraus sein, ganz zu schweigen von einem „Künstlergehirn“.

Erstens scheint das, was die Neurowissenschaften über das "Gehirn eines Künstlers" lernen, mehr mit der Verbindung zwischen prozeduralem Gedächtnis und feinmotorischer Kontrolle zu tun zu haben als mit irgendeiner "algorithmischen Fähigkeit". Es ist unwahrscheinlich, dass wir wissen, ob das Gehirn oder der Verstand eines Künstlers Ähnlichkeiten mit dem künstlichen neuronalen Netzwerk von Google aufweist, da es scheint, dass sich das Gehirn eines Künstlers in dieser Hinsicht nicht unterscheidet. Möglicherweise muss sich Google lediglich auf die Beziehung zwischen der Feinzeichnungsfähigkeit des Roboters und den „identifizierten Mustern“ konzentrieren.

Zweitens weiß die Neurowissenschaft, dass es beim menschlichen Denken viel Serendipity gibt. Serendipity wird im Allgemeinen als „die Suche nach etwas Wertvollem oder Entzückendem verstanden, wenn Sie nicht danach suchen“. Einige haben sogar angedeutet, dass das irrationale oder zufällige Verhalten von Menschen ein Zeichen von Quantenmerkmalen in unserem Denken ist.

Im Falle der Beziehung zwischen dem prozessualen Gedächtnis und der Feinmotorik eines Künstlers kann dies bedeuten, dass der Künstler beim Anblick eines Kunstwerks, das er gerade kreiert, eine „Freude“ empfindet. Zum Beispiel glauben Wissenschaftler jetzt, dass sogar Leonardo da Vinci mehrere Iterationen seiner Mona Lisa gemalt haben könnte, die wahrscheinlich unterschiedliche Grade der Freude mit verschiedenen Iterationen erleben.

Es gibt natürlich die weltberühmte Version im Louvre (1503, 1519).

Es gibt auch den Isleworth Mona Lisa (um 1504), den die in der Schweiz ansässige Mona Lisa Foundation geltend macht. Sie zeigt eine Frau, die Anfang 20 zu sein scheint, ein Jahrzehnt jünger als die Version im Louvre.

Die Isleworth Mona Lisa ist Öl auf Leinwand (84,5 x 64,5 cm). Es wurde 1914 von dem Künstler und Kritiker Hugh Blaker gekauft, der in Isleworth im Westen Londons lebte. Im Gegensatz zur Louvre Mona Lisa (von ca. 1503–1919) ist die Isleworth Mona Lisa auf Leinwand ausgeführt, sie hat Säulen an den Seiten von Mona Lisa und die Landschaft ist sehr einfach. Blacker berichtete, dass das Gemälde aus einer aristokratischen Somerset-Sammlung stammt.

Während einige Kunsthistoriker behaupten, dass die Version der Mona Lisa Foundation, die Raphael bei ihrem Besuch von Da Vinci im Jahr 1504 in dieser Skizze illustriert hat, Betrug ist, bleibt sie abzuwarten und dürfte eine frühere Version gewesen sein, die Leonardo nicht als "entzückend" empfand ”Wie die Version im Louvre.

Dann gibt es die Monna Vanna (etwa Anfang des 16. Jahrhunderts), die hier als „nackte Mona Lisa“ bezeichnet wird.

Laut Mathieu Deldicque, dem stellvertretenden Kurator des Condé-Museums, "wenn Leonardo an Monna Vanna (an der Malerei) beteiligt war, ist dies nicht für die Zeichnung, sondern für einige Teile davon" Herr Deldicque fügte hinzu, obwohl die Zeichnung eine ähnliche Zusammensetzung hatte wie die der im Louvre gezeigten Mona Lisa, war die Monna Vanna ein paralleles Kunstwerk und beide unterschieden sich. Der Monna Vanna kann jedoch nur ein weiteres Beispiel dafür sein, wie selbst der größte Künstler von allen Versionen seines Meisterstücks mit unterschiedlichem Grad der Freude "gefühlt" hat.

Patrick de Bayser, ein Experte für alte Zeichnungen, der in der Galerie de Bayser in Paris arbeitet, sagte, obwohl es unwahrscheinlich schien, dass die gesamte Monna Vanna vom Künstler selbst stammte, würden Tests durch das Testen mehr Details über jede Schicht (dh Iteration) von entdecken die Zeichnung und helfen zu bestimmen, ob das Original von Da Vincis Hand war.

Alle diese Entdeckungen über die Mona Lisa legen nahe, dass:

  • Die Fähigkeit des Beobachtungszeichnens bezieht sich auf Änderungen in Strukturen, die die Feinmotorik und das prozedurale Gedächtnis betreffen, und
  • künstlerische ausbildung ist darüber hinaus mit der verbesserung visueller bildstrukturen verbunden.

Mit anderen Worten, wie Dr. Damasio erklärt, denken Künstler nicht durch ihre Kunst. Sie fühlen sich durch sie hindurch, als ob sich Leonardo durch zwanzig Jahre hindurch zwischen 1500 und 1520 durch die Malereien der Mona Lisa hindurch bewegt hatte.

Sie zeigen auch, dass Malerei weder analytisch noch algorithmisch ist. Es "ahmt" nichts nach. Malerei ist eine menschliche Emotion, ausgedrückt durch das feinmotorische Gefühl und das prozedurale Gedächtnis, das ein Künstler zwischen einem Bild in seinem Gehirn und der Bewegung seines Pinsels auf Leinwand entwickelt.

Siehe auch

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