Francis Bacon und die Kunst eines dunklen Porträts

Ein großer Teil von Francis Bacons Kunst entstand aus einer leidenschaftlichen, aber dysfunktionalen Liebesgeschichte. Der in Irland geborene Maler war ein anerkannter Masochist, und in den über 40 Werken, die er von seinem Geliebten - George Dyer - malte, ist klar, wie es ihn gleichzeitig begeisterte und schmerzte, sich mit dem Thema seiner Liebe zu befassen. Der dreiste Pinselstrich wurde von seinem Nihilismus und seiner Melancholie bestimmt und bildete die grotesken Bilder, die aus seiner monströsen Phantasie hervorgingen. Dies brachte ihm den Ruf ein, ein Außenseiter unter seinen Zeitgenossen zu sein.

Studie für Henrietta Moraes (1969)

Anstatt Motive für ihn modellieren zu lassen, zog Bacon es vor, seine Bilder von Fotografien von Menschen zu adaptieren, wo er (nach seinen eigenen Worten) ihre Ähnlichkeit auf seiner Leinwand „verletzen“ würde. Er bezeichnete diese Art von Porträtarbeit einmal als „Aufzeichnung der Tatsache“ seiner Motive. Er sagte: „Wenn Sie Tatsachen vermitteln wollen, kann dies immer nur durch eine Form der Verzerrung geschehen. Sie müssen verzerren, um das, was als Erscheinung bezeichnet wird, in ein Bild umzuwandeln. “ (zitiert von H. Davies und S. Yard, New York, 1986)

Mit "Tatsache" bezieht sich Bacon auf den persönlichen Schaden seines Subjekts. Er hatte eine unheimliche Fähigkeit, die Dunkelheit in anderen zu sehen und sie auf sinnvolle Weise darzustellen. Als Journalist ist dies eine wesentliche Fähigkeit für mich, aber in Bacons Fall war es ein Segen und ein Fluch. Es machte ihn anfällig für die Dunkelheit, mit der er sich in seinen Untertanen beschäftigt, insbesondere in der von George Dyer. Wir könnten sagen, dass er, ähnlich wie Van Gogh, eine Verkörperung des gefolterten Künstlers war; In gewisser Weise verstümmelte er jedoch seine Untertanen genauso wie er sich selbst.

In der ersten Hälfte seiner Karriere war Francis Bacon besser bekannt für seine makabren Darstellungen von Kreuzigungen und Päpsten. Doch in den wenigen Jahren, seit ich mich mit Bacons Werken beschäftigt habe, habe ich mich ab den 1960er Jahren mehr für seine letzteren Werke interessiert. Zu diesem Zeitpunkt begann er, Porträts seiner engen Freunde aus dem Londoner Stadtteil SoHo zu malen. Dazu gehörten Künstlerkollege Lucian Freud und Model Henrietta Moraes. Das bedeutendste seiner Themen war der bereits erwähnte George Dyer, der neben Picassos Dora Maar und Warhols Edie Sedgwick als eine der bedeutendsten Musen der Kunstgeschichte gilt.

Francis Bacon (L) und George Dyer (R) in einem Restaurant in SoHo

Die Ballade von Francis Bacon und George Dyer ging so:

Der Künstler traf den Dieb 1963. Bacon behauptete einmal, dass ihre zufällige Begegnung darauf zurückzuführen sei, dass er Dyer beim Einbruch in seine Wohnung in SoHo erwischt habe. Der hübsche und robuste junge George Dyer war ein kleiner Dieb, der aus einer Familie von Kriminellen im Londoner East End stammte. Das rücksichtslose "Bad Boy" -Verhalten des jüngeren Mannes spielte genau in Bacons Phantasien hinein und die beiden begannen ihre intensive Romanze. Dyer würde Gegenstand zahlreicher bemerkenswerter Meisterwerke von Bacon werden.

Im Laufe der Jahre wurde ihre Beziehung bitter und destruktiv. Dyer war ein Außenseiter in Bacons künstlerischen Kreisen und er wurde unsicher, nur als Bacons niedrigblütige Geliebte bekannt zu sein. Dyer war auch ein starker Trinker und seine Bedürftigkeit wuchs so weit, dass er Bacon der Polizei wegen Marihuana-Besitzes vorstellte. Die Beziehung nahm einen Abschwung, als die beiden Männer auseinander wuchsen.

Bacon stellte sich anderen Liebhabern, hielt aber dennoch Kontakt zu Dyer. In einer schicksalhaften Nacht im Oktober 1971 lud Bacon Dyer zu seiner großen Ausstellung im Grand Palais in Paris ein. Nur sechsunddreißig Stunden vor dem Schaufenster würde er Dyer tot auf dem Boden des Hotelzimmers finden.

Nach Dyers Selbstmord schuf Bacon seine wohl emotionalsten und ergreifendsten Stücke, die als "The Black Triptychs" bekannt sind, in Erinnerung an seine tragische Liebe. Verglichen mit der offensichtlichen Gewalt, die er in seinen frühen Gemälden darstellte, zeigten die Werke, die 1992 zu Bacons Tod führten, eine gelassenere und sentimentalere Qualität, die aus der Trauer um den Tod von Dyer und vielen seiner Freunde hervorging. Damit endete die erstaunliche Karriere einer exzentrischen und leidenschaftlichen Seele - eines der großen existenziellen Maler, die unsere Geschichte zierten.

Drei Studien für ein Porträt von George Dyer (1963)

Das erste Gemälde, das ich jemals von Francis Bacon gesehen habe, war Drei Studien für ein Porträt von George Dyer (1963). Es war tatsächlich sein erstes Porträt von Dyer, das einige Monate nach ihrem Treffen gemalt wurde. Wir finden Dyers Gesichtszüge verzerrt, als würde sein Gesicht vom dunklen Hintergrund verzehrt. Dies wurde von Fotografien übernommen, die von John Deakin, einem engen Freund von Bacon aus dem SoHo-Distrikt, aufgenommen wurden. Ich erinnere mich, dass ich dachte, es hätte Ähnlichkeit mit dem Bild von Dorian Gray - einem Roman von Oscar Wilde über einen jungen Mann, der ewige Jugend erreicht, aber im Gegenzug ein Porträt von sich selbst aufnehmen muss, das die Hässlichkeit seiner Seele veranschaulicht. Natürlich ist George Dyers Seele nicht die gleiche wie die einer verdorbenen fiktiven Figur wie Dorian Gray, aber ich fand es interessant, wie sowohl Francis Bacon als auch Oscar Wilde das makellose Verhalten ihrer jungen Untertanen auseinander setzten.

Ich bin immer noch fasziniert davon, wie er ein Bild seines Geliebten verdrehen und es in eine eher dämonische Figur verwandeln konnte. Ich konnte sofort spüren, wie kompliziert ihre Dynamik war. Alle Dyer-Porträts strahlen tatsächlich Schmerz und Vergnügen aus. Und mir wurde klar, dass ein Porträt wie dieses nur aus intimer Vertrautheit entstehen kann.

Dies brachte mich zum Nachdenken darüber, wie ich Menschen um mich herum wahrnehme. Ich frage, wie bereit wir sind, über eine Person hinauszuschauen, die über den Nennwert hinausgeht. Besonders wenn es bedeutet, die schmeichelhaften und schrecklichen Teile ihrer Persönlichkeit aufzudecken. Wenn Francis Bacon George Dyer malt, insbesondere in den Werken nach dessen Tod, können wir nur von den vielen möglichen Komplexitätsebenen überwältigt werden, die sich im Laufe ihrer Beziehung entwickelt haben.

Triptychon, August 1972

Viele argumentieren, dass Bacons Werke nach Dyers Tod sich auf eine Erzählung beziehen, in der er sich mit seinem Verlust auseinandersetzt. Obwohl er selbst zugab, dass es das Beste war, was er jemals erreichen würde, um eine Erzählung in seinem Kunstwerk zu schaffen, war er nie einer, der den Kreis schloss. Wenn ich zum Beispiel Triptychon im August 1972 betrachte, sehe ich eine statische Geschichte. Es hat Dyer als den Mann auf der linken Tafel, Bacon auf der rechten Tafel und die mittlere Tafel zeigt ihre beiden abstrakten Figuren, die sich auf aggressives Liebesspiel einlassen. Das rechte Feld zeigt Dyer mit erhobenem Kopf und dem Verschwinden in der Dunkelheit im Hintergrund, während das linke Feld Bacon in feierlicher Betrachtung in Vereinigung mit dem Geist auf seinem Rücken zeigt. Er wird von seinen liebevollen und zärtlichen Erinnerungen an Dyer heimgesucht, den Kopf gesenkt, während seine zerfallende Gestalt im Vordergrund der Szene bleibt. Es zeigt, wie Verlust zu keinem Ende führt und wie Sie sich daran erinnern müssen, was hinter Ihnen liegt.

Das Genie von Francis Bacon ist seine Abneigung gegen narrative Offenheit. Er unterdrückt offenes Geschichtenerzählen, selbst mit seiner Methode, Triptychen (Gemälde mit drei Tafeln) und Diptychen (Gemälde mit zwei Tafeln) zu verwenden. Stattdessen würde er seine Themen als lange Zeiträume ohne Bedeutung für das Erzählen von Geschichten darstellen. Das Ergebnis ist eine Untersuchung des Themas, die er ironischerweise erreicht, indem er ihre wahre Ähnlichkeit verzerrt. In einem Interview mit David Sylvester aus dem Jahr 1980 sagte er, er wolle "das Ding weit über das Erscheinungsbild hinaus verzerren, aber in der Verzerrung, um es auf eine Aufzeichnung des Erscheinungsbilds zurückzuführen". Und so tut er es. Während es vernachlässigbar ist, dass seine Porträts als Spiegel der eigenen Seele wirken könnten, ermöglicht es ihm, sich existenziell mit seinen Themen zu verbinden, und das macht seine künstlerische Vision zwischenmenschlich und menschlich.