Veröffentlicht am 28-09-2019

Francis Bacon und die Kunst eines dunklen Porträts

Ein großer Teil von Francis Bacons Kunst wurde aus einer leidenschaftlichen, aber dysfunktionalen Liebesgeschichte gezüchtet. Der in Irland geborene Maler war ein anerkannter Masochist und in den über 40 Werken, die er von seinem Geliebten - George Dyer - malte, ist klar, wie es ihn gleichzeitig begeisterte und schmerzte, das Thema seiner Liebe anzugehen. Der dreiste Pinselstrich war von seinem Nihilismus und seiner Melancholie bestimmt und bildete die grotesken Bilder, die seiner monströsen Phantasie entsprangen. Dies brachte ihm den Ruf ein, ein Außenseiter unter seinen Zeitgenossen zu sein.

Studie für Henrietta Moraes (1969)

Anstatt Motive für ihn modellieren zu lassen, zog Bacon es vor, seine Bilder aus Fotografien von Menschen zu adaptieren, wo er (nach seinen eigenen Worten) ihre Ähnlichkeit auf seiner Leinwand „verletzen“ würde. Er bezeichnete diese Art der Porträtarbeit einmal als „Aufnahme der Tatsache“ seiner Motive. Er sagte: „Wenn Sie Fakten vermitteln wollen, kann dies immer nur durch eine Form der Verzerrung geschehen. Sie müssen verzerren, um das, was man Erscheinung nennt, in ein Bild zu verwandeln. “(Zitat von H. Davies und S. Yard, New York, 1986)

Mit "Tatsache" bezeichnet Bacon den Personenschaden seines Subjekts. Er hatte die unheimliche Fähigkeit, die Dunkelheit in anderen zu sehen und sie auf sinnvolle Weise darzustellen. Für mich als Journalist ist dies eine wesentliche Fähigkeit, die ich entwickeln muss, aber in Bacons Fall war es ein Segen und ein Fluch. Es machte ihn anfällig für die Dunkelheit, in die er sich mit seinen Untertanen beschäftigt, besonders mit der von George Dyer. Wir könnten sagen, dass er, ähnlich wie Van Gogh, eine Verkörperung des gefolterten Künstlers war; In gewisser Weise verstümmelte er jedoch seine Untertanen genauso, wie er sich selbst verstümmelte.

In der ersten Hälfte seiner Karriere war Francis Bacon besser bekannt für seine makabren Darstellungen von Kreuzigungen und Päpsten. Doch in den wenigen Jahren, in denen ich mich mit Bacons Werken beschäftigt habe, habe ich mich ab den 1960er Jahren mehr für seine letzteren Werke interessiert. Zu dieser Zeit begann er, Porträts seiner engen Freunde aus dem Londoner Stadtteil SoHo zu malen. Darunter waren auch Lucian Freud und Henrietta Moraes. Das bedeutendste seiner Themen war der bereits erwähnte George Dyer, der neben Picassos Dora Maar und Warhols Edie Sedgwick als eine der bedeutendsten Musen der Kunstgeschichte gilt.

Francis Bacon (L) und George Dyer (R) in einem Restaurant in SoHo

Die Ballade von Francis Bacon und George Dyer ging so:

Der Künstler lernte den Dieb 1963 kennen. Bacon behauptete einmal, seine zufällige Begegnung sei darauf zurückzuführen, dass er Dyer beim Einbruch in seine Wohnung in SoHo erwischt habe. Der hübsche und robuste junge George Dyer war ein kleiner Dieb, der aus einer Familie von Kriminellen im Londoner East End stammte. Das rücksichtslose "Bad Boy" -Verhalten des jüngeren Mannes spielte genau in Bacons Phantasien hinein und die beiden begannen ihre intensive Romanze. Dyer würde Gegenstand vieler der bemerkenswertesten Meisterwerke von Bacon werden.

Im Laufe der Jahre wurde ihre Beziehung bitter und destruktiv. Dyer war ein Außenseiter in Bacons Künstlerkreisen und er wurde unsicher, weil er nur als Bacons bescheidene Geliebte bekannt war. Dyer war auch ein starker Trinker und seine Bedürftigkeit wuchs, bis er Bacon der Polizei wegen Marihuana-Besitzes vorstellte. Die Beziehung nahm ab, als die beiden Männer auseinander wuchsen.

Bacon stellte sich anderen Liebhabern, hielt aber dennoch Kontakt zu Dyer. In einer schicksalhaften Nacht im Oktober 1971 lud Bacon Dyer zu seiner großen Ausstellung im Grand Palais in Paris ein. Nur sechsunddreißig Stunden vor der Vitrine würde er Dyer tot auf dem Boden des Hotelzimmers finden.

Nach Dyers Selbstmord kreierte Bacon die wohl emotionalsten und ergreifendsten Stücke, die als "The Black Triptychs" bekannt sind, in Erinnerung an seine tragische Liebe. Im Vergleich zu der offensichtlichen Gewalt, die er in seinen frühen Gemälden darstellte, stellten die Werke, die 1992 zu Bacons Tod führten, eine ruhigere und sentimentalere Qualität dar, die aus der Trauer um Dyers und vieler seiner Freunde entstand. So endete die erstaunliche Karriere einer exzentrischen und leidenschaftlichen Seele - einer der großen existenziellen Maler, die unsere Geschichte zierten.

Drei Studien für ein Porträt von George Dyer (1963)

Das erste Gemälde, das ich jemals von Francis Bacon gesehen habe, war Drei Studien für ein Porträt von George Dyer (1963). Es war tatsächlich sein erstes Porträt von Dyer, das er einige Monate nach ihrem Treffen gemalt hatte. Wir finden Dyers Gesichtszüge verzerrt, als würde sein Gesicht von dem dunklen Hintergrund verzehrt. Dies wurde von Fotografien übernommen, die John Deakin, einer der engen Freunde von Bacon aus dem SoHo-Distrikt, gemacht hatte. Ich erinnere mich, dass ich dachte, es hätte Ähnlichkeit mit The Picture of Dorian Gray - einem Roman von Oscar Wilde über einen jungen Mann, der ewige Jugend erreicht, aber im Gegenzug ein Porträt von sich beherbergen muss, das die Hässlichkeit seiner Seele illustriert. Natürlich ist George Dyers Seele nicht die gleiche wie die einer verdorbenen fiktiven Figur wie Dorian Gray, aber ich fand es interessant, wie sowohl Francis Bacon als auch Oscar Wilde das makellose Verhalten ihrer jungen Untertanen voneinander trennten.

Ich bin immer noch fasziniert, wie er ein Bild seines Liebhabers verdrehen und in eine eher dämonische Figur verwandeln konnte. Ich konnte sofort spüren, wie kompliziert ihre Dynamik war. Tatsächlich strahlen alle Dyer-Porträts ein verschmolzenes Gefühl von Schmerz und Vergnügen aus. Und mir wurde klar, dass ein Porträt wie dieses nur aus einer intimen Vertrautheit heraus entstehen kann.

Dies brachte mich zum Nachdenken darüber, wie ich Menschen um mich herum wahrnehme. Ich frage, wie bereit wir sind, über eine Person hinauszuschauen, die dem Nennwert entspricht. Vor allem, wenn es darum geht, die schmeichelhaften und schrecklichen Teile ihrer Persönlichkeit aufzudecken. Wenn Francis Bacon George Dyer malte, vor allem in den Werken nach dessen Tod, können wir uns nur von den vielen möglichen Komplexitätsebenen überwältigen lassen, die sich im Laufe ihrer Beziehung entwickelt haben.

Triptychon, August 1972

Viele argumentieren, dass Bacons Werke nach Dyers Tod mit einer Erzählung zu tun haben, in der er sich mit seinem Verlust abgefunden hat. Obwohl er selbst zugab, dass dies der nächste Schritt war, der er jemals zur Erstellung einer Erzählung in seinem Kunstwerk kommen würde, war er nie einer, der den Kreis schließt. Wenn ich mir zum Beispiel das Triptychon vom August 1972 anschaue, sehe ich eine statische Geschichte. Es zeigt Dyer als den Mann auf der linken Tafel, Bacon auf der rechten Tafel und die mittlere Tafel zeigt ihre beiden abstrakten Figuren, die sich auf aggressive Liebesbeziehungen einlassen. Auf der rechten Tafel ist Dyer zu sehen, der den Kopf hoch hält und im Hintergrund in der Dunkelheit verschwindet, während auf der linken Tafel Bacon in feierlicher Betrachtung in Verbindung mit dem Geist auf seinem Rücken zu sehen ist. Er wird von seinen liebevollen und zärtlichen Erinnerungen an Dyer heimgesucht. Sein Kopf ist gesenkt, als seine bröckelnde Gestalt im Vordergrund der Szene bleibt. Es zeigt, wie Verlust zu keinem Ende führt und wie Sie sich erinnern müssen, was hinter Ihnen steckt.

Das Genie von Francis Bacon ist seine Abneigung gegen narrative Offenheit. Er unterdrückt offenkundiges Geschichtenerzählen, auch mit seiner Methode, Triptychons (dreiteilige Gemälde) und Diptychons (doppelte Gemälde) zu verwenden. Stattdessen porträtierte er seine Motive als lange Perioden ohne Bedeutung für das Erzählen von Geschichten. Das Ergebnis ist eine Auseinandersetzung mit dem Thema, die er ironischerweise erreicht, indem er dessen wahre Ähnlichkeit verzerrt. In einem Interview mit David Sylvester aus dem Jahr 1980 sagte er, er habe sich zum Ziel gesetzt, "das Ding weit über das Erscheinungsbild hinaus zu verzerren, aber in der Verzerrung, um es auf eine Aufzeichnung des Erscheinungsbilds zurückzuführen". Während es vernachlässigbar ist, dass seine Porträts als Spiegel der eigenen Seele fungieren, ermöglicht es ihm, sich existenziell mit seinen Themen zu verbinden, und das macht seine künstlerische Vision zwischenmenschlich und menschlich.

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