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Veröffentlicht am 08-05-2019

Glenn Brown DER REVOLUTIONÄRE KORPS VON JUGENDLICHEN JESUS

Tägliche Wertschätzung

Im Zentrum aller Bilder von Glenn Brown steht ein Bild. Dieses Bild ist am häufigsten ein Gemälde eines kanonischen Künstlers, häufig eines Expressionisten wie Willem de Kooning, Karel Appel oder Frank Auerbach. Das auf Photoshop hochgeladene und manipulierte Bild durchläuft eine Metamorphose aus Verzerrung und Inversion. Farben werden verändert, Formationen geschnitten und gedehnt, Kompositionen gespiegelt und gespiegelt - die Arbeit soll Browns Willen beugen. Das sich ergebende Bild wird auf die zu lackierende Oberfläche projiziert oder anderweitig übertragen und bietet einen Rahmen, der das Nächste als die getreue Übertragung von Farbe und Form einschränkt. In Browns Augen "tritt die Abweichung vom" Original "jedoch in dem Moment auf, in dem ich die Idee habe, das Gemälde zu malen, und stoppt erst, wenn es fertig ist" (Glenn Brown im Gespräch mit Laurence Sillars, in: Exh. Cat. Tate Liverpool) , Glenn Brown, 2009, S. 140). Tatsächlich hören die Freiheiten, die Brown mit seinem Ausgangsmaterial einnimmt, nicht auf, wenn er seinen Pinsel aufhebt. Obwohl er die Pinselstriche in seinem manipulierten Grundbild akribisch sichtbar macht, fügt er auch "Impasto-Pinselspuren ein, an denen zuvor keine vorhanden waren ... [fügt hinzu] helle Highlights ... [und] dünne Glasuren aus durchscheinenden, getönten Lacken, um ein Gefühl von Tiefe zu vermitteln" ( Michael Stubbs, "Glenn Brown: Keine sichtbaren Mittel zur Unterstützung", in: ibid., S.103). Diese Manipulationen und das kraftvolle Einfügen der Hand des Künstlers in eine ansonsten übliche Übung sind für Glenn Brown von zentraler Bedeutung. und sind es, was ihn konzeptionell von Künstlern wie Richard Prince und Sherrie Levine unterscheidet. Obwohl Brown durchaus angemessene Aneignungsstämme aufweist, ist der Prozess der Entstehung und Veränderung für die konzeptuelle Strenge der Bilder von entscheidender Bedeutung. Die Illusion der dionysischen Ekstase, die die amerikanischen abstrakten Expressionisten verzehrte, und die absurde Vorstellung, dass diese Männer den Inhalt ihrer Seele gedankenlos auf die Leinwand schleudern, wird von Brown überschwemmt, der Stunden damit verbringen wird, ein genaues, abgeflachtes Simulacrum dieses 'Moments zu erzeugen Inspiration. In der Tat könnte Clement Greenbergs berühmte Kritik an dem Realismus, dass Kunst Kunst verbirgt, Kunst auf Glenn Browns Malerei sinnvoll anwenden (Clement Greenberg, "Modernist Painting", 1961, reproduziert in: Richard Kostelanetz, Hrsg., Ästhetische Zeitgenössische Kunst, Buffalo 1978, S. 196). So wie Roy Lichtenstein die Maler aus seinem Schatten satirierte, aus dem er mit seinen Brushstroke-Gemälden hervortrat, die die geladene Geste des gefolterten abstrakten Künstlers platt machen und vereinfachen, entfernt Brown die textilen Beweise der Produktionsmittel, behält jedoch seine visuelle Wirkung.

Das revolutionäre Corps of Teenage Jesus verkörpert diesen Effekt. Das Werk, das in seiner 2009 in der Tate Liverpool gestarteten Wanderausstellungsausstellung zum Thema Reisen enthalten ist, bezieht seinen Titel aus einem 1999 bekannten, bekannten Projekt zwischen Alan Vega (aus dem Musical Double Act Suicide) und Steve Lironi (aus der New Wave / Post Punk Bank) Veränderte Bilder). Der Titel ist etwas ironisch, da das Werk mehr an eine Leiche erinnert als an ein Korps, wobei das geschälte Fleisch und die blühenden Blumen dem Stück einen morbiden Oberton verleihen. Tatsächlich ist Brown der Doktor Frankenstein der Kunst. Er kann die Meister ausschlachten, sie enthäuten, kombinieren und zusammennähen. Francesco Bonami, der Kurator des Turiner Beines seiner Ausstellung von 2009, bemerkte jedoch: "Das Experiment funktioniert nie ... die Bilder verfallen im Prozess des Lebens" (Francesco Bonami, "Paintophagia", in: Exh. Cat. Tate Liverpool, aaO, S. 72).

Basierend auf einem Porträt von Frank Auerbach, das im Stil eines Georg Baselitz-Gemäldes invertiert und anschließend von Browns digitalen Methoden bis zur Unkenntlichkeit verzerrt wurde, zeigt das revolutionäre Corps of Teenage Jesus einen verzweifelten Kampf zwischen Browns Quellenmaterial und dem abschließenden Gemälde. Laurence Sillars, Kurator der Tate Liverpool-Ausstellung des Künstlers, beschrieb dieses Werk als „den Höhepunkt eines Kampfes zwischen Subjekt und Form“, und es kann kein Zweifel bestehen, dass die Formlosigkeit des Werkes einer der Hauptgründe für seine außergewöhnliche Präsenz ist (Glenn Brown im Gespräch mit Laurence Sillars, in: ibid., S. 143). Es stellt den Betrachter vor ein Rätsel; Es gibt vielleicht einen umgedrehten Kopf, den wir unten sitzen und die ausgestellten Nasenlöcher des Motivs betrachten. Oder vielleicht ist es ein Fuß, bei dem früher das Kinn zur Ferse wurde, der Hals zur Wade. Es gibt keine endgültige Antwort. Wenn man von dieser Tendenz spricht, bemerkte der Künstler humorvoll: „Da Malerei schwierig ist, empfiehlt es sich, den Betrachter zu ermutigen, so viel Arbeit wie möglich zu machen“, bevor formuliert wird, dass „Formlosigkeit“ auch ein subversives oder degeneriertes Werkzeug sein kann. Es impliziert, dass keine einzelne Wahrnehmung richtig ist.

Die besondere Fähigkeit der Formlosigkeit, diese Implikation zu bewirken, ist entscheidend. Glenn Browns Kunst verlangt, dass der Betrachter diesen begrenzten Raum anerkennt, den er schafft. Es ist ein Raum nicht nur zwischen Formen, sondern auch zwischen Medien, eine offene Widerlegung der Kunstkritik von Walter Benjamin im Zeitalter der mechanischen Reproduktion. Dies sind Werke, die aufgrund der Reproduktionsfähigkeit der Technologie existieren, und sie lehnen es jedoch ab, dies zu tun.

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