Juan Gris, Porträt von Picasso (Detail), 1912. (Quelle: Wikipedia)

Wie der Kubismus die Art und Weise verändert hat, wie wir die Welt sehen

Eine Geschichte des Kubismus und warum er wichtig ist

Wie erklären wir, wenn wir Kunst schaffen, wie wir die Welt tatsächlich erleben? Wie repräsentieren wir Dinge, wenn wir sie darstellen, wenn wir sie in Raum und Zeit erleben?

Nehmen Sie als Beispiel einen Apfel. Traditionell wäre das Malen eines Apfels „mimetisch“. Ein Maler ahmt all diese Merkmale der „Anhaftung“ in der Farbe nach, um einen Apfel hervorzurufen: die runde Form, die grün oder rot glänzende Haut, der Stiel oben, der aus einer kleinen glatten Vertiefung herausragt. Sie würden es als Apfel erkennen.

Wenn Sie in diesen Begriffen darüber nachdenken, werden Sie feststellen, dass „naturalistische“ (damit meine ich realistische) Kunstwerke eine Art virtuelle Realität bieten. Das heißt, eine konstruierte Annäherung an reale Dinge im Raum.

Aber erleben wir so einen Apfel? Ich meine im Sinne von Zeit und Raum. In einem kurzen Moment näherten wir uns dem Apfel, schauten ihn uns an und gingen um ihn herum. Wie würde diese Erfahrung auf einer Seite gezeichnet, auf eine Leinwand gemalt oder sogar in Marmor geschnitzt aussehen? Diese echte Begegnung mit realen Dingen? Wie erklären wir im Grunde genommen Veränderungen und Veränderungen in einem Kunstwerk?

Dies ist etwas, was die Kubisten im Kopf hatten. In einer sich schnell verändernden Welt zu Beginn des 20. Jahrhunderts suchten die Kubisten nach einer neuen Darstellungsform, die diesen Fluss und diese Veränderung erfassen konnte. Wo sie Inspiration fanden, ist sehr überraschend.

Das primitive Bordello

Das Wort Kubismus war 1907 nicht geprägt worden, aber die Szene wurde mit einem der außergewöhnlichsten Gemälde in der Kunstgeschichte gesetzt.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon, 1907. (Wikipedia)

Pablo Picasso, der sich bereits zu Beginn des 20. Jahrhunderts in der Pariser Kunstwelt einen Namen gemacht hatte, hatte heimlich an einer großen Leinwand gearbeitet.

Als er es in seinem Studio enthüllte, dachten einige seiner Künstlerkollegen wie Henri Matisse, es sei ein Witz, andere, wie Georges Braque (auf den ich zurückkommen werde), waren zunächst gestört und zurückgeschlagen.

Es war seltsam - und in gewisser Weise erschreckend - für sein Publikum. Es wurde sogar als direkter Angriff auf gute westliche Werte angesehen. Was Picasso gemalt hatte, war eine schockierende Szene eines Bordells namens Le Bordel d'Avignon - das „Bordello von Avignon“, das später aus Gründen des Anstands Les Demoiselles d'Avignon genannt wurde.

Die Szene war nicht unbedingt schockierend, weil sie ein Bild eines Bordells war - das wurde in der Kunstgeschichte viel getan -, sondern wirklich wegen seines Stils. Oder es ist "un-style". Es war eine stilistische Kakophonie, ein wissentlich hässliches Bild, das sowohl aus der alten iberischen als auch aus der afrikanischen Skulptur stammt.

Es war eines der ersten Beispiele für das, was viele Kunsthistoriker als „Primitivismus“ bezeichneten, ein Quasi-Stil, der im Grunde genommen ein Wort für westliche bildende Kunst ist, die aus Traditionen außerhalb von sich selbst, dh Afrika südlich der Sahara, entlehnt ist.

Trotz aller vermeintlichen Hässlichkeit und mangelnden Ernsthaftigkeit hat Les Demoiselles d'Avignon eine außergewöhnliche Kraft, die wirklich von seiner radikalen Ästhetik ausgeht. Die eckigen, abgeflachten Farbebenen, die über die Oberfläche der Leinwand drängen, deuten nicht viel mehr an als sie sind.

Hier ist, was Daniel Kahnweiler, Picassos Händler, über das Gemälde schrieb.

„Die Akte mit großen, ruhigen Augen stehen starr wie Schaufensterpuppen. Ihre steifen, runden Körper sind fleischfarben, schwarz und weiß. Das ist der Stil von 1906.
Im Vordergrund jedoch, dem Stil des restlichen Gemäldes fremd, erscheinen eine hockende Figur und eine Obstschale. Diese Formen sind eckig gezeichnet und nicht rund in Helldunkel [helle und dunkle Schattierung] modelliert. Die Farben sind üppiges Blau, kräftiges Gelb, neben reinem Schwarz und Weiß. Dies ist der Beginn des Kubismus, der erste Aufschwung, ein verzweifelter Kampf der Titanen mit allen Problemen gleichzeitig. “

Damals hatte man bereits das Gefühl, dass Les Demoiselles d'Avignon ein Wendepunkt war, ein Spielveränderer. Dies liegt daran, dass das Gemälde ein Ort des Wandels vom „Stil von 1906“ zu etwas ganz anderem ist.

Die Künstler, die anfangs von dem Gemälde bestürzt waren, waren von der seltsamen Schönheit seiner verzerrten Formen fasziniert. Sowohl Henri Matisse als auch George Braque orientierten sich an seiner seltsamen Komposition und Form und bauten den neuen „primitiven“ Stil in ihre eigene Arbeit ein.

Cézanne: Zylinder, Kugel und Kegel

Die Geschichte des Kubismus beinhaltet mehr als diesen plötzlichen Trend zum „Primitivismus“. Der Ursprung der Bewegung liegt auch in der französischen Maltradition. Der Grundstein für den reduktiven Ansatz des Kubismus war von einem anderen Kunstgiganten gelegt worden, der in das Alter eingetreten war, als Picassos Karriere begann.

Paul Cézanne, Stillleben, Vorhänge, Krug und Obstschale 1893–1894. (Wikipedia)

Picasso nahm die Tradition der westlichen Malerei mit einer Zangenbewegung auf: Einerseits ließ er sich von sogenannten primitiven Masken und antiken Skulpturen inspirieren, andererseits vom älteren französischen Maler Paul Cézanne, der ein Jahr vor Les Demoiselles d 'starb. Avignon wurde gemalt.

Picasso bewunderte Cézanne enorm und die Auswirkungen der Pariser Retrospektive nach seinem Tod im Jahr 1906 hatten zweifellos zu einer Veränderung in Picassos Kunst geführt.

Obwohl er vor Beginn der Bewegung gestorben war, war Cézanne eine Art Protokubist. Seine Stillleben, Porträts und Landschaften reduzierten die Formen dessen, was er beobachtete, in abgeflachte Formen und Ebenen.

In einem Brief an eine Freundin, Émile Bernhard, aus dem Jahr 1904 schrieb Cézanne, dass Künstler die Natur mit dem „Zylinder, der Kugel und dem Kegel“ behandeln sollten.

Die Objekte in Cézannes Gemälden vermitteln Solidität und verlieren alle illusionistischen Tricks, mit denen Maler bis dahin dieses Ziel erreicht hatten. Die optische Täuschung - was ich früher als „virtuelle Realität“ bezeichnet habe - wurde zugunsten eines Gemäldes abgeworfen, das reflektierend und selbstbewusst war.

Cézannes Äpfel, Krüge, Gipsstatuen, Schalen und Menschen sehen greifbar aus, sind aber auch hervorragend „bemalt“.

Cézanne dachte darüber nach, was er in Bezug auf grundlegendere Formen betrachtete. Was Cézanne auf Leinwand schrieb, drückte seine Lebenserfahrung aus. Er begann, die klassischen Regeln der Einzelpunktperspektive, Proportion und Komposition zu brechen.

Die Einzelpunktperspektive wurde während der Renaissance erfunden. Die Ordnungstechnik ermöglicht es Künstlern, eine Illusion von Raum in ihren Gemälden zu konstruieren, um eine virtuelle Realität zu präsentieren. Pietro Perugino, Die Lieferung der Schlüssel, 1481-2. (Quelle: Wikipedia)

Seine Sitter wurden abstrakter und weniger erkennbar, seine Stillleben zerbrochener und verzerrter. Äpfel in einer Schüssel begannen, die mimetischen Eigenschaften von Äpfel zu verlieren, und es ging stattdessen mehr um die Erfahrung, Äpfel zu betrachten, das Gefühl von Farbe und Form, die die Augen treffen.

Cézannes Briefe betonen oft die physiologische Wirkung der Natur auf unsere Sinne, und das kommt im Bild wirklich zum Ausdruck. Cézanne wollte dieses rohe, unmittelbare Gefühl des Sehens als körperliche Erfahrung einfangen.

Wenn Sie einige von Cézannes Gemälden genau untersuchen, werden Sie feststellen, dass er anscheinend in die Objekte eingreift, die er malt, während er sie malt. Oft haben sie diesen „gekippten“ Effekt. Dies ist wahrscheinlich ein Effekt, der dadurch verursacht wird, dass der Künstler die Aufmerksamkeit auf die Dinge selbst lenkt, während er sie erlebt, anstatt sie in den Raum zu stellen.

Paul Cézanne, Stillleben mit Cherub, 1895. Dieses bemerkenswerte Stillleben hat den in den Gemälden des Künstlers üblichen „Kippeffekt“. (Wikipedia)

Mit den Demoiselles gebrochen. Picasso nahm den Einfluss von Cézannes späteren Gemälden und den einfacheren, stärkeren Formen der sogenannten primitiven Kunst auf und begann, Gemälde und Skulpturen zu schaffen, bei denen die Grundformen Vorrang vor dem Erscheinungsbild von Menschen und Dingen hatten.

1909 unternahm er eine Arbeitsreise nach Horta de San Joan an der südspanischen Küste. Die Bilder, mit denen er zurückkam, verwirklichten Cézannes visuelle Ideen. Rückblickend ist dies der Moment, in dem der Kubismus wirklich begann.

Georges Braque

Georges Braque, Häuser in l'Estaque, 1908. (Wikipedia)

Zu dieser Zeit hatte Picassos Freund und Mitarbeiter George Braque auch einen Malstil entwickelt, der sowohl von Cézanne als auch von Picassos Vereinfachung der Formen stark beeinflusst war.

Seine kleinen Landschaftsbilder von 1908 und 1909 aus der Normandie und l'Estaque in der Provence (wo Cézanne auch oft malte) erreichten halbunabhängig das gleiche künstlerische Ziel wie Picassos Werke. Die Landschaften werden in Farb- und Lichtebenen ohne einheitliche Perspektive dargestellt.

Der einflussreiche Kritiker Louis Veuxcelles beschrieb Braques neuen Stil als "alles, Orte und Figuren und Häuser auf geometrische Schemata, auf Würfel reduzieren". Er beschrieb auch Braques kleine Gemälde als "kubische Kuriositäten". Und so wurde der „Kubismus“ geprägt und zu einem Banner, zu dem sich gleichgesinnte Künstler sammeln konnten.

Jean Metzinger und Robert Delaunay, zwei prominente Avantgarde-Künstler, die in Paris tätig sind, ließen sich schnell in diese neue Sichtweise integrieren, ebenso wie viele junge Künstler, die in die künstlerische Hauptstadt der Welt strömten.

"Gleichzeitigkeit"

Pablo Picasso, Mädchen mit einer Mandoline (Fanny Tellier), 1910. (Quelle: Wikipedia)

"Sichtweise" ist der Punkt: Was hier so radikal ist, ist, dass der Kubismus zu diesem Zeitpunkt die stilistische Wahl überschritt und zu einer Sichtweise für sich selbst wurde. Es war eine neue Sichtweise, die die bildenden Künste und die Art und Weise, wie wir die Welt sehen, radikal verändern würde.

Im Zentrum steht dabei der Angriff auf die Einzelpunktperspektive. Es ist die in der Renaissance erfundene Einzelpunktperspektive, die der naturalistischen Malerei sowohl ihre Ordnung als auch den in der Zeit eingefrorenen Effekt verleiht. Die Technik gibt uns die Illusion räumlicher Tiefe, um eine virtuelle Realität zu präsentieren.

Der Kubismus bringt die Dinge in Fluss, und in gewisser Weise ist dies eine ebenso „reale“ Art, Dinge darzustellen, wie es die Perspektive ist.

Wir nehmen Dinge durch unsere Sinne wahr, wir haben keinen direkten Zugang zu Dingen. Wenn ich einen Stock in Wasser tauche, scheint er sich zu verbiegen. Dies liegt an der Brechung des Lichts, das in unsere Augen eintritt. Der Stock biegt sich nicht, unsere Augen täuschen uns.

Es ist unsere subjektive Annäherung an die Szene vor uns in unserem Kopf, die die Szene vor uns verständlich macht. Die Kubisten wollten diese subjektive Erfahrung in Farbe umsetzen.

Während das perspektivische Einzelpunktbild möglicherweise eine Foto-Momentaufnahme einer Szene ist, ist das kubistische Gemälde die unscharfe Langzeitbelichtung. Bestimmte Dinge mögen weniger erkennbar sein, aber es gibt ein besseres Gefühl für eine Szene, wenn sie sich in Zeit und Raum entfaltet.

Für die Kubisten waren die Flugzeuge, Zylinder und Würfel die bequemste Art, diese reale Darstellung von Dingen zu vermitteln, die aus einer einzigen Punktperspektive befreit wurden. Dieser Effekt wird als „Gleichzeitigkeit“ bezeichnet, dh die gleichzeitige Darstellung vieler Ansichten auf einer einzelnen Bildoberfläche.

Zu der Zeit, als sich der Kubismus als Bewegung zu formen begann, war der französische Philosoph Henri Bergson zu einer Art Berühmtheit aufgestiegen und wurde weithin gelesen, auch von Mitgliedern der Avantgarde. Der kubistische Maler Jean Metzinger verwies sehr explizit auf den Einfluss von Bergson auf seine Arbeit, indem er beispielsweise den tiefgreifenden Einfluss des Philosophen verriet.

Für Bergson ist unsere Zeiterfahrung die eines Kontinuums, in dem Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft miteinander verschmelzen. Der Kubismus nimmt die Zeit in einen Moment auf, weil kein Moment jemals ein Standbild der Realität ist. Der Kubismus spiegelt die Fließfähigkeit des Bewusstseins wider.

Analytischer Kubismus

Bis 1910 verschmolzen die verschiedenen Stränge des Protokubismus zu einem erkennbaren Stil. Dieser Stil wurde als „analytischer Kubismus“ bezeichnet und wurde von den meisten Kubisten im Zusammenhang mit einer Gruppenausstellung praktiziert, die 1911 im Salon d'Automne in Paris stattfand.

Gemälde in diesem Stil zeichnen sich durch eine fragmentarische Bildoberfläche mit mehreren Blickwinkeln und überlappenden Ebenen und Facetten aus. Im Wesentlichen war es die Verfeinerung des cézannesken Stils des Kubismus, wobei der Einfluss von Impressionismus (Farbe) und Primitivismus (scharfkantige Formen) etwas herabgesetzt wurde. Die lebendigen, manchmal grellen Farbschemata und die aggressive Vereinfachung der Formen waren so gut wie verschwunden.

Der Stil ist sanft und intellektuell, mit gedämpften Farbpaletten (normalerweise grau und braun) und der Auswahl der Motive, bei denen es sich in der Regel um Einzelporträts und Stillleben handelt. Zu dieser Zeit hatten Picasso und Braque so eng zusammengearbeitet, dass ihre Bilder kaum zu unterscheiden waren.

Pablo Picasso, Porträt von Daniel-Henry Kahnweiler, 1910 (Quelle: Wikipedia)

Der Stil wurde zunehmend so abstrahiert, dass die Motive im Fluss der Facetten kaum noch erkennbar waren. Als Lösung für diese übergreifende Abstraktion verwendeten Picasso und Braque die visuelle Metonymie, die dazu beitrug, die Themen der Gemälde zu bestimmen. Diese Metonyme oder visuellen Synekdochen waren Vorschläge von Dingen. Von seinem Porträt von Daniel Kahnweiler erzählte Picasso später seinem Partner:

„Ich dachte, es würde in seiner ursprünglichen Form in Rauch aufgehen [zu abstrakt werden]. Aber wenn ich Rauch male, möchte ich, dass Sie einen Nagel hineinschlagen können. Also habe ich einige Attribute hinzugefügt - einen Hauch von Auge, eine Haarwelle, ein Stück Ohr, verbundene Hände - und jetzt ist es hart und fest. “

Lassen Sie mich Ihnen Beispiele geben, die in Picassos Gemälden häufig vorkommen: Ein kleiner Halbkreis deutet auf einen Knopf hin, die gelbe Kurve auf eine goldene Uhrenkette und das muschelartige Muster auf glatt gekämmtes Haar.

Es entwickelte sich eine Art Sprache, die Wörter selbst enthielt - Picasso und Braque nahmen häufig Buchstaben in ihre Bilder auf, die rätselhaft nur einen Teil eines Wortes buchstabierten, um sie für die Interpretation offen zu machen.

Picasso war ein erfahrener Karikaturist, und sein Talent, Merkmale herauszuarbeiten, trug dazu bei, die Themen seiner Gemälde in den zunehmend abstrakten Raumschemata zu untermauern.

L'Aficionado

Pablo Picasso, L'Aficionardo, 1912 (Quelle: Wikiart)

Ein gutes Beispiel dafür ist Picassos L'Aficionado (1912). L'Aficionado ist kein Porträt einer Person, sondern eher eine Darstellung einer Art von Person: der Art, die in den Stierkampfstadien Südfrankreichs auftauchen würde. Diese Männer waren nationalistisch, leidenschaftlich in Stierkampf und manchmal gewalttätig.

L'Aficionardo wurde in einem Brief von Picasso im Juli 1912 erwähnt, den er angegeben hatte

„Verwandelte ein bereits begonnenes Gemälde eines Mannes in einen Liebhaber; Ich denke, er würde mit seiner Banderilla in der Hand gut aussehen, und ich versuche, ihm ein echtes südländisches Gesicht zu geben. “

Es ist klar, dass der „Aficionardo“ eine Karikatur eines südfranzösischen Klischees ist, eine Verkörperung der provinziellen und politisch reaktionären Kultur. Das Stierkampfstadion war ein Ort gewaltsamer Zusammenstöße zwischen rivalisierenden Ideologien, ähnlich wie bei Fußballspielen in Europa und Südamerika.

Mit einem karikierten Schnurrbart, der durch Ziehen eines Kamms durch die Farbe gerendert wurde, einem weißen 'dickigen' Bogen und einem steifen Kragen, der Südwand und einem Banderilla-Dorn - einem kleinen Speer, den Stierkämpfer verwenden - der aus der Mitte der Komposition herausragt, ist das Bild eine Summe von Zeichen, die diesen sozialen "Typ" bedeuten.

Der Typ des Charakters ist buchstäblich mit den Worten und der Synecdoche auf dem Bild versehen ('Nimes' ist eine Stadt im Süden, in der Stierkämpfe stattfanden, 'Le Torero' war eine Stierkampfzeitung und 'TOR' ist eine Synecdoche für 'Toréador' oder 'Toréer' ').

Dieses Bild ist eine Art Bezugssystem, das durch seine Karikatur- und Klischeesprache einen Charakter in den Netzen des kubistischen Flusses hervorruft.

Fluss

Die Themen werden dann nur eine Summe ihrer Teile. Mit dem Kubismus bekommen wir nicht die Art von traditionellem Porträt, bei dem die Augen Ihnen durch den Raum folgen, wir bekommen nicht das, was einige Kunsthistoriker den "Kult der Innerlichkeit" genannt haben, bei dem die "Seele" des Subjekts durch das übertragen wird Ähnlichkeit auf der Leinwand.

Im Kubismus geht es um den Fluss des Alltags. Es gibt keine einheitliche oder angeborene Essenz für den Darsteller des Porträts, sondern ein Kreol von Signifikanten, visuellen Wortspielen und karikierten Merkmalen.

Kubismus ist eine Kunstform, bei der es mehr um Erfahrung als um Ausdruck geht.

Es ist vielleicht das kubistische Porträt, das beispielhaft zeigt, wie radikal kubistische Kunst mit der Vergangenheit gebrochen hat. Es ist die Subjektivität der Künstler hier, die den Schlüssel zum Kubismus darstellt; Die Künstler nehmen die Welt subjektiv auf. Kubismus ist eine Kunstform, bei der es mehr um Erfahrung als um Ausdruck geht. In gewisser Weise ist das Thema der Betrachter, der schaut, nicht das, was betrachtet wird.

Der analytische Kubismus hatte diese Szene schon seit geraumer Zeit dominiert, und es gab eine Art Hierarchie zwischen den Künstlern, die sich in zwei Lagern befanden: den „Salonkubisten“, die mutiger waren und sich mehr mit dem modernen Leben und der Technologie befassten Kunst; und die „Galeriekubisten“ wie Picasso und Braque, die von Händlern vertreten wurden, die mehr Einfluss hatten, aber in ihren Themen etwas zurückhaltender waren und sich stattdessen darauf konzentrierten, die Tradition zu untergraben - anstatt sie wegzuwerfen.

Synthetischer Kubismus

Pablo Picasso, Komposition mit Violine, Obst und Glas, 1912. (Quelle: Wikipedia). Eine der großen technischen Neuerungen des Kubismus war die Collage: Dieses Bild enthält Zeitungen, ausgeschnittene Illustrationen von Früchten sowie Kohlezeichnungen. Schauen Sie, wie die Geige in verschiedene Oberflächen aufgeteilt wird.

In den Jahren 1911–1912 begann George Braque, etwas Außergewöhnliches für einen Maler zu tun. Als er bemerkte, dass seine Zeichnungen am Höhepunkt der analytischen Phase des Kubismus immer flacher geworden waren, begann er mit Texturen zu experimentieren. Er schnitt Tapeten mit Holzmaserungseffekt aus (die er in seiner täglichen Arbeit als Dekorateur verwendete) und begann, sie auf seine Zeichnungen zu kleben, um die Holzmaserung einer Gitarre zu simulieren.

Diese Technik, die Picasso fast sofort aufnahm, wurde von beiden Männern als Collage („Kleben“) geprägt. Im analytischen Kubismus wurde ein Trompe l'oeil-Effekt - was „Trick des Auges“ bedeutet - verwendet, um die Art von Synekdochen hervorzurufen, die ich bereits erwähnt habe. Zum Beispiel würden Zeitungsmasten auf der Oberfläche eines kubistischen Gemäldes originalgetreu reproduziert, um zu zeigen, dass eine Zeitung in der Szene vorhanden war, indem sie teilweise dargestellt wurde.

Picasso und Braque begannen, ausgeschnittene Zeitungsstücke unter anderem buchstäblich auf die Oberfläche ihrer Gemälde zu kleben. Und so begann eine noch reduzierende Phase des Kubismus, die Kunsthistoriker als „synthetischen Kubismus“ bezeichnen.

Collage war für diese Phase aufgrund ihrer wesentlichen Flachheit von grundlegender Bedeutung. Der Kubismus wurde flacher, abstrakter und dekorativer in seinen Formen und Farben.

Pablo Picasso, Stillleben mit Caning Caning, 1912

Es gibt ein Gemälde von Picasso mit dem Titel Stillleben mit Stuhlrohr aus dem Jahr 1912, das sowohl aus dem analytischen als auch aus dem synthetischen Stil stammt und sie als solches überbrückt. Ein analytisches Stillleben spielt vor dem Hintergrund einer Rückenlehne. Ein typischer Stuhl, den Sie in einem französischen Café mit Sitz und Rücken aus Korbgeflecht finden würden.

Zuerst würde man denken, dass der Stuhlstock im Trompe l'oil - Trick des Auges - gemalt wurde, aber genau beobachten und diese Vermutung wird mehr als bestätigt, da er tatsächlich aus einem Korb-Caning-Effekt herausgeschnitten ist Hintergrund. Um den Unterschied zwischen der gemalten Realität und der Realität selbst noch weiter zu verkomplizieren, hat Picasso das ovale Gemälde mit einem Seil eingerahmt.

Es war die Erfindung der Collage, die dem synthetischen Kubismus wirklich seine Form gab. Der synthetische Kubismus wurde zu einer sehr erfinderischen und sogar spielerischen Herangehensweise an das Bilden von Bildern. Um den Effekt der Gleichzeitigkeit zu erzielen, hatten die Kubisten ein System von Zeichen aufgebaut - die Hinweise und die Synekdoche, die für Dinge im Fluss der Flugzeuge standen.

Mit dem Aufkommen des synthetischen Kubismus begannen sie, mit diesen Zeichen genauso zu spielen, wie wir mit der Sprache spielen, wenn wir Witze machen. Sie verwendeten Wortspiele und Anspielungen, die mit unseren Erwartungen spielen. Zeitungsausschnitte könnten Zeitungen darstellen, aber sie könnten auch in die Form einer Flasche geschnitten werden, um eine Flasche darzustellen. Die Kubisten hatten die Malerei in eine Sprache mit eigenen Regeln zerlegt.

1914 fiel Deutschland in Frankreich und Belgien ein. Viele Avantgardisten marschierten in den Krieg. Einige, wie der Dichter Guillaume Apollinaire, der als eine Art Vaterfigur der kubistischen Bewegung fungierte, kamen nie zurück.

Der Erste Weltkrieg hat die sozialen Bindungen, die die Dynamik des Kubismus aufrechterhielten, irreparabel beschädigt. Die Bewegung wurde zersplittert, ehemalige Freunde waren getrennt worden oder kämpften sogar gegeneinander.

Eine tiefgreifende Verschiebung

In der kulturellen Leere eröffnete Léonce Rosenberg, eine reiche und gut vernetzte Kubismus-Enthusiastin, die von der Front zurückgekehrt war, die Galerie de L'Effort Moderne.

Durch Rosenbergs Ausstellungen wurde der Kubismus zunehmend abstrahierter, bunter und „flacher“. Es ging weniger darum, die Welt zu sehen, als vielmehr um das Spiel von Form und Farbe.

Die Erfindung der Collage veränderte die Art und Weise, wie Künstler malten. Beim sogenannten „Kristallkubismus“ ging es mehr um den Tanz von Farbebenen. Die Komposition des Gemäldes selbst hatte Vorrang vor dem Thema, die „Flachheit“ der Malerei wurde auf eine in der Kunstgeschichte beispiellose Weise betont.

Obwohl die abstrakte Kunst außerhalb des Kubismus erfunden worden war (von Wassily Kandinsky, einem Russen), war der Einfluss der Bewegung auf die Entwicklung der abstrakten Kunst tiefgreifend.

Pablo Picasso, Drei Musiker, 1921. Obwohl es sich um ein Gemälde handelt, ahmt dieses Bild die Flachheit der Collage nach. Der Kubismus hatte einen enormen Einfluss auf die Entwicklung der abstrakten Kunst. (Quelle: Wikipedia)

Die moderne Kunst hat ihre Wurzeln in der Romantik, und während wir modernistische Künstler im neunzehnten und frühen zwanzigsten Jahrhundert identifizieren können - wie zum Beispiel Courbet und Monet -, war es wirklich der Kubismus, der die Kräfte der Moderne in Europa zusammenführte. Es war der Kubismus, der alle losen Enden der Innovation zusammenbrachte.

Es entstanden Bewegungen, die vom Kubismus inspiriert waren und von ihm abgeleitet wurden. Zum Beispiel Futurismus in Italien und Vorticism in England. Die unzusammenhängenden Oberflächen des synthetischen Kubismus inspirierten sowohl abstrakte Künstler für ihre Betonung auf Form und Farbe als auch Surrealisten für ihre Gegenüberstellung unterschiedlicher Elemente.

Braque und Picasso trennten sich, wobei beide unmittelbar nach dem Krieg zunächst eine konservativere und klassischere Ästhetik annahmen, aber die Innovationen des Kubismus schlichen sich in beide Künstlerwerke zurück.

Die Bewegung geriet ins Wanken, als ihre Innovationen aufgenommen wurden. Seine Schlüsselpraktiker gingen über die kubistische Ästhetik hinaus. Aber das Erbe des Kubismus blieb in ihrer Arbeit und in der Arbeit anderer nach ihnen.

Der Kubismus hat uns tiefgreifend verändert - in den Fragmenten und Scherben seiner Werke haben wir eine neue Sichtweise auf die Welt.

Bis zum Kubismus spiegelte die Kunst das Leben in einer erkennbaren, zentralisierten Reihenfolge wider. Die Dinge hatten Essenzen, die Maler und Bildhauer in einer Art virtueller Realität namens „Kunst“ festhielten. Der Kubismus spiegelt das Leben in uns als fragmentierte, fließende und sich verändernde Erfahrung wider.

Wir möchten glauben, dass wir ein stabiles „Selbst“ oder eine stabile Essenz haben und dass unsere Erfahrung der Welt als integrales Ganzes in unserem Bewusstsein vereint ist.

Der Kubismus lehrt uns, dass unsere Erfahrung von Dingen fragmentiert und flüchtig ist und dass unser „Selbst“ nur die Summe unserer Handlungen und unserer Umwelt ist, keine Essenz unter der Oberfläche unserer Haut. Diese Lektion erforderte technische Innovation, künstlerischen Mut und viel Virtuosität und lieferte schöne Ergebnisse.

Danke fürs Lesen. Ich hoffe du hast etwas Neues gelernt. Wenn Ihnen dieser Artikel gefallen hat, könnte Ihnen das Stück gefallen, das ich über Picassos verstecktes Meisterwerk geschrieben habe: