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Veröffentlicht am 30-09-2019
Juan Gris, Porträt von Picasso (Detail), 1912. (Quelle: Wikipedia)

Wie der Kubismus die Art und Weise verändert hat, wie wir die Welt sehen

Eine Geschichte des Kubismus und warum es wichtig ist

Wie erklären wir uns, wenn wir Kunst schaffen, wie wir die Welt tatsächlich erleben? Wie repräsentieren wir Dinge, wenn wir sie in Raum und Zeit erleben?

Nehmen Sie einen Apfel als Beispiel. Traditionell wäre das Malen eines Apfels „mimetisch“. Ein Maler ahmt all diese Merkmale von „Appleness“ in der Farbe nach, um einen Apfel hervorzurufen: die runde Form, die grün oder rot glänzende Haut, der Stiel an der Spitze, der aus einer kleinen glatten Vertiefung herausragt. Du würdest es als Apfel erkennen.

Wenn Sie in diesen Begriffen darüber nachdenken, werden Sie feststellen, dass „naturalistische“ (damit meine ich realistische) Kunstwerke eine Art virtuelle Realität bieten. Das heißt, eine konstruierte Annäherung an reale Dinge im Raum.

Aber erleben wir so einen Apfel? Ich meine im Sinne von Zeit und Raum. In einem kurzen Moment näherten wir uns dem Apfel, schauten ihn uns an und gingen um ihn herum. Wie würde dieses Erlebnis auf eine Seite gemalt, auf eine Leinwand gemalt oder sogar in Marmor gemeißelt aussehen? Diese echte Begegnung mit echten Dingen? Wie erklären wir im Grunde genommen Veränderungen und Veränderungen in einem Kunstwerk?

Dies ist wirklich etwas, das die Kubisten im Hinterkopf hatten. In einer sich schnell verändernden Welt zu Beginn des 20. Jahrhunderts suchten die Kubisten nach einer neuen Darstellungsform, die diesen Fluss und Wandel einfangen konnte. Wo sie Inspiration fanden, ist sehr überraschend.

Das primitive Bordello

Das Wort Kubismus war 1907 nicht geprägt worden, aber es wurde mit einem der außergewöhnlichsten Gemälde in der Kunstgeschichte in Szene gesetzt.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon, 1907. (Wikipedia)

Pablo Picasso, der sich bereits zu Beginn des 20. Jahrhunderts in der Pariser Kunstwelt einen Namen gemacht hatte, hatte heimlich auf einer großen Leinwand gearbeitet.

Als er es in seinem Studio enthüllte, hielten einige seiner Künstlerkollegen wie Henri Matisse es für einen Scherz, andere wie Georges Braque (auf den ich später zurückkommen werde) waren zunächst verstört und zurückgewiesen.

Es war seltsam - und in gewisser Weise furchterregend - für sein Publikum. Es wurde sogar als direkter Angriff auf gute westliche Werte gesehen. Was Picasso gemalt hatte, war eine schockierende Szene eines Bordells namens Le Bordel d'Avignon - das „Bordello von Avignon“, das später aus Gründen des Anstands Les Demoiselles d'Avignon genannt wurde.

Die Szene war nicht unbedingt schockierend, weil sie ein Bild eines Bordells war - das in der Kunstgeschichte viel getan hatte -, sondern wirklich wegen seines Stils. Oder es ist "un-style". Es war eine stilistische Kakophonie, ein wissentlich hässliches Bild, das sowohl der alten iberischen als auch der afrikanischen Skulptur entnommen war.

Es war eines der ersten Beispiele dessen, was viele Kunsthistoriker "Primitivismus" nannten, ein Quasi-Stil, der im Grunde ein Wort für westliche bildende Kunst ist, die sich an Traditionen außerhalb ihrer selbst orientiert, d. H. Afrika südlich der Sahara.

Trotz aller vermeintlichen Hässlichkeit und Ernsthaftigkeit besitzt Les Demoiselles d'Avignon eine außergewöhnliche Kraft, die wirklich von seiner radikalen Ästhetik ausgeht. Die eckigen, abgeflachten Farbflächen, die über die Oberfläche der Leinwand drängen, deuten nicht viel mehr an als sie sind.

Hier ist, was Daniel Kahnweiler, Picassos Händler, über das Gemälde schrieb.

„Die Akte mit großen, ruhigen Augen stehen starr wie Schaufensterpuppen. Ihre steifen, runden Körper sind fleischfarben, schwarz und weiß. Das ist der Stil von 1906.
Im Vordergrund erscheinen jedoch, dem Stil des übrigen Gemäldes fremd, eine hockende Figur und eine Obstschale. Diese Formen sind eckig gezeichnet und nicht rund in Hell-Dunkel-Schattierung modelliert. Die Farben sind sattes Blau, leuchtendes Gelb, neben reinem Schwarz und Weiß. Dies ist der Beginn des Kubismus, der erste Aufschwung, ein verzweifelter Zusammenprall der Titanen mit allen Problemen auf einmal. “

Damals hatte man schon das Gefühl, Les Demoiselles d'Avignon sei ein Wendepunkt, ein Game Changer. Dies liegt daran, dass das Gemälde ein Ort des Wandels vom „Stil von 1906“ zu etwas ganz anderem ist.

Die Künstler, die anfangs von dem Gemälde bestürzt waren, wurden selbst von der seltsamen Schönheit seiner verzerrten Formen fasziniert. Sowohl Henri Matisse als auch George Braque orientierten sich an seiner seltsamen Komposition und Form und bauten den neuen „primitiven“ Stil in ihre eigene Arbeit ein.

Cézanne: Zylinder, Kugel und Kegel

In der Geschichte des Kubismus steckt mehr als dieser plötzliche Trend zum „Primitivismus“. Der Ursprung der Bewegung liegt auch in der französischen Maltradition. Den Grundstein für den reduktiven Ansatz des Kubismus hatte ein anderer Kunstriese gelegt, der mit dem Beginn von Picassos Karriere ins hohe Alter eingetreten war.

Paul Cézanne, Stillleben, Drapierung, Krug und Obstschale 1893–1894. (Wikipedia)

Picasso knüpfte mit einer Zangenbewegung an die Tradition der westlichen Malerei an: Einerseits ließ er sich von sogenannten primitiven Masken und antiken Skulpturen inspirieren, andererseits vom älteren französischen Maler Paul Cézanne, der im Jahr vor Les Demoiselles d 'verstarb. Avignon wurde gemalt.

Picasso bewunderte Cézanne außerordentlich und die Auswirkungen der Pariser Retrospektive nach seinem Tod im Jahr 1906 hatten zweifellos zu einer Veränderung in Picassos Kunst geführt.

Obwohl er vor Beginn der Bewegung gestorben war, war Cézanne eine Art Protokubist. Seine Stillleben, Porträts und Landschaften reduzierten die Formen dessen, was er beobachtete, in abgeflachte Formen und Ebenen.

In einem Brief an einen Freund, Émile Bernhard, schrieb Cézanne 1904, dass Künstler die Natur im Sinne von „Zylinder, Kugel und Kegel“ behandeln sollten.

Die Objekte in Cézannes Gemälden vermitteln Solidität und verlieren alle illusionistischen Tricks, die Maler bis dahin hatten, um dieses Ziel zu erreichen. Optische Täuschung - was ich früher als „virtuelle Realität“ bezeichnete - wurde zugunsten eines Gemäldes abgeworfen, das reflektierend und selbstbewusst war.

Cézannes Äpfel, Krüge, Gipsstatuen, Schalen und Menschen sehen zwar greifbar aus, sind aber auch hervorragend „bemalt“.

Cézanne dachte darüber nach, was er in grundlegenderen Formen ansah. Was Cézanne auf die Leinwand legte, drückte seine Lebenserfahrung aus und begann, die klassischen Regeln der Einpunktperspektive, der Proportionen und der Komposition zu brechen.

Die Einpunktperspektive wurde in der Renaissance erfunden. Die Ordnungstechnik ermöglicht es Künstlern, in ihren Gemälden eine Illusion von Raum zu konstruieren, um eine virtuelle Realität zu präsentieren. Pietro Perugino, Die Übergabe der Schlüssel, 1481-2. (Quelle: Wikipedia)

Seine Dargestellten wurden abstrakter und weniger erkennbar, seine Stillleben zerbrochener und verzogener. Äpfel in einer Schüssel verloren allmählich die mimetischen Eigenschaften von Appleness, und stattdessen ging es mehr um das Erleben des Betrachtens von Äpfeln, das Empfinden von Farbe und Form, das die Augen traf.

In Cézannes Briefen wird oft die physiologische Wirkung der Natur auf unsere Sinne betont, und das kommt im Bild wirklich zum Ausdruck. Cézanne wollte dieses rohe, unmittelbare Gefühl des Sehens als körperliche Erfahrung einfangen.

Wenn Sie einige von Cézannes Gemälden genau betrachten, werden Sie feststellen, dass er in die Gegenstände, die er malt, einzugreifen scheint. Dies ist wahrscheinlich ein Effekt, der durch die Aufmerksamkeit des Künstlers auf die Dinge selbst verursacht wird, als er sie erlebte, anstatt sie in den Raum zu stellen.

Paul Cézanne, Stillleben mit Cherub, 1895. Dieses bemerkenswerte Stillleben hat den auf den Gemälden des Künstlers häufig zu beobachtenden

Mit den Demoiselles aufbrechen. Picasso nahm den Einfluss von Cézannes späteren Gemälden und den einfacheren, stärkeren Formen der sogenannten primitiven Kunst auf und begann, Gemälde und Skulpturen zu schaffen, bei denen die Grundformen Vorrang vor der Oberflächenerscheinung von Menschen und Dingen hatten.

1909 unternahm er eine Arbeitsreise nach Horta de San Joan an der südspanischen Küste. Die Gemälde, mit denen er zurückkam, brachten Cézannes visuelle Ideen voll zur Geltung. Rückblickend ist dies der Moment, in dem der Kubismus wirklich begann.

Georges Braque

Georges Braque, Häuser in L'Estaque, 1908. (Wikipedia)

Zu dieser Zeit hatte Picassos Freund und Mitarbeiter George Braque auch einen Malstil entwickelt, der stark von Cézannes und Picassos Vereinfachung der Formen beeinflusst war.

Seine kleinen Landschaftsbilder von 1908 und 1909 aus der Normandie und L'Estaque in der Provence (wo Cézanne auch oft malte) gelangten halb selbständig an denselben künstlerischen Ort wie Picassos Werke. Die Landschaften werden in Farb- und Lichtebenen ohne einheitliche Perspektive dargestellt.

Der einflussreiche Kritiker Louis Veuxcelles beschrieb den neuen Stil von Braque als "Reduzieren von allem, von Orten und Figuren und Häusern auf geometrische Schemata, auf Würfel". Er beschrieb auch Braques kleine Gemälde als "kubische Kuriositäten". Und so wurde "Kubismus" geprägt wurde zu einem Banner, an dem sich gleichgesinnte Künstler beteiligen konnten.

Jean Metzinger und Robert Delaunay, zwei prominente Avantgarde-Künstler, die in Paris tätig sind, wurden schnell in diese neue Sichtweise integriert, ebenso wie viele junge Künstler, die in die Kunsthauptstadt der Welt strömten.

"Gleichzeitigkeit"

Pablo Picasso, Mädchen mit einer Mandoline (Fanny Tellier), 1910. (Quelle: Wikipedia)

"Way of Seeing" ist der springende Punkt: Was hier so radikal ist, ist, dass der Kubismus an diesem Punkt die Stilwahl überschritt und zu einer Sichtweise für sich selbst wurde. Es war eine neue Sichtweise, die die schönen Künste und unsere Sicht auf die Welt radikal verändern würde.

Im Zentrum steht dabei der Angriff auf die Einpunktperspektive. Es ist die in der Renaissance erfundene Einpunktperspektive, die der naturalistischen Malerei sowohl ihre Ordnung als auch den eingefrorenen Effekt verleiht. Die Technik gibt uns die Illusion räumlicher Tiefe, um eine virtuelle Realität darzustellen.

Der Kubismus bringt die Dinge in Fluss, und in gewisser Weise ist dies eine ebenso „reale“ Art, Dinge darzustellen, wie es der Gebrauch der Perspektive ist.

Wir nehmen Dinge mit unseren Sinnen wahr, wir haben keinen direkten Zugang zu Dingen. Wenn ich einen Stock in Wasser tauche, scheint er sich zu verbiegen. Dies liegt an der Lichtbrechung, die in unsere Augen eintritt. Der Stock biegt sich nicht, unsere Augen täuschen uns.

Es ist unsere subjektive Annäherung an die vor uns liegende Szene in unserem Kopf, die die vor uns liegende Szene verständlich macht. Die Kubisten wollten diese subjektive Erfahrung in Farbe umsetzen.

Wenn das Einzelpunkt-Perspektivbild möglicherweise eine Foto-Momentaufnahme einer Szene ist, ist das kubistische Bild die Langzeitbelichtung, die unscharf ist. Bestimmte Dinge sind zwar weniger erkennbar, vermitteln jedoch ein besseres Gefühl für eine Szene, wenn sie sich in Zeit und Raum entfalten.

Für die Kubisten waren die Ebenen, Zylinder und Würfel die bequemste Möglichkeit, die wirkliche Darstellung von Dingen aus einer einzigen Perspektive zu vermitteln. Dieser Effekt wird "Gleichzeitigkeit" genannt, d. H. Die gleichzeitige Darstellung vieler Ansichten auf einer einzelnen Bildoberfläche.

Zu der Zeit, als sich der Kubismus als Bewegung zu formieren begann, war der französische Philosoph Henri Bergson zu einer Art Berühmtheit aufgestiegen und wurde weithin gelesen, auch von Mitgliedern der Avantgarde. Der kubistische Maler Jean Metzinger verwies ausdrücklich auf den Einfluss von Bergson auf sein Werk, indem er zum Beispiel den tiefgreifenden Einfluss des Philosophen verriet.

Für Bergson ist unsere Erfahrung der Zeit die eines Kontinuums, in dem Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft verschmelzen. Der Kubismus nimmt die Zeit in einen Moment auf, denn kein Moment ist jemals ein Standbild der Realität. Der Kubismus spiegelt die Fließfähigkeit des Bewusstseins wider.

Analytischer Kubismus

Bis 1910 verschmolzen die verschiedenen Stränge des Protokubismus zu einem erkennbaren Stil. Dieser Stil wurde als "analytischer Kubismus" bezeichnet und von den meisten Kubisten praktiziert, die mit einer Gruppenausstellung im Salon d'Automne in Paris im Jahr 1911 in Verbindung standen.

Gemälde in diesem Stil zeichnen sich durch fragmentarische Bildflächen aus mehreren Blickwinkeln und überlappenden Ebenen und Facetten aus. Im Wesentlichen war es die Verfeinerung des cézannesken Stils des Kubismus, wobei der Einfluss des Impressionismus (Farbe) und des Primitivismus (hart umrandete Formen) etwas nachgelassen hatte. Die lebhaften, manchmal grellen Farbschemata und die aggressive Vereinfachung der Formen waren so gut wie verschwunden.

Der Stil ist sanft und intellektuell, mit gedeckten Farbpaletten (normalerweise grau und braun) und der Auswahl von Motiven, die eher Einzelporträts und Stillleben sind. Zu dieser Zeit hatten Picasso und Braque so eng zusammengearbeitet, dass ihre Bilder kaum zu unterscheiden waren.

Pablo Picasso, Porträt von Daniel-Henry Kahnweiler, 1910 (Quelle: Wikipedia)

Der Stil wurde zunehmend abstrakter, bis die Motive im Facettenfluss kaum noch erkennbar waren. Als Lösung für diese übergreifende Abstraktion verwendeten Picasso und Braque eine visuelle Metonymie, die dazu beitrug, die Themen der Bilder zu bestimmen. Diese Metonyme oder visuellen Synekdochen waren Vorschläge von Dingen. Von seinem Porträt von Daniel Kahnweiler erzählte Picasso später seinem Partner:

„Ich dachte, es würde in seiner ursprünglichen Form in Rauch aufgehen [zu abstrakt werden]. Aber wenn ich Rauch male, möchte ich, dass Sie einen Nagel hineinschlagen können. Also habe ich einige Attribute hinzugefügt - einen Hauch von Auge, eine Haarwelle, ein Stück Ohr, gefaltete Hände - und jetzt ist es hart und solide. "

Lassen Sie mich einige Beispiele nennen, die in Picassos Gemälden häufig vorkommen: Ein kleiner Halbkreis weist auf einen Knopf hin, die gelbe Kurve auf eine goldene Uhrenkette und das muschelähnliche Muster auf glattes gekämmtes Haar.

Es entwickelte sich eine Art Sprache, die Wörter selbst einbezog. Picasso und Braque verwendeten häufig Buchstaben in ihren Gemälden, die rätselhafterweise nur einen Teil eines Wortes buchstabierten, um sie für Interpretationen offen zu halten.

Picasso war ein erfahrener Karikaturist, und sein Talent für das Herausfiltern von Gesichtszügen trug dazu bei, die Themen seiner Gemälde in den zunehmend abstrakten Raumschemata zu unterstreichen.

L’Aficionado

Pablo Picasso, L’Aficionardo, 1912 (Quelle: Wikiart)

Ein gutes Beispiel dafür ist Picassos L’Aficionado (1912). L’Aficionado ist kein Porträt einer Person, sondern vielmehr eine Darstellung einer Person, die in den Stierkampfstadien Südfrankreichs auftaucht. Diese Männer waren nationalistisch, leidenschaftlich im Stierkampf und manchmal gewalttätig.

L'Aficionardo wurde in einem Brief erwähnt, den Picasso im Juli 1912 geschrieben hatte

„Verwandelte ein bereits begonnenes Gemälde eines Mannes in einen Aficionardo; Ich denke, er würde mit seiner Banderilla in der Hand gut aussehen, und ich versuche, ihm ein echtes südländisches Gesicht zu geben. “

Es ist klar, dass der „Aficionardo“ eine Karikatur eines südfranzösischen Klischees ist, eine Verkörperung der provinziellen und politisch reaktionären Kultur. Das Stierkampfstadion war Schauplatz gewaltsamer Auseinandersetzungen zwischen rivalisierenden Ideologien, ähnlich wie die Auseinandersetzungen bei Fußballspielen in Europa und Südamerika.

Mit einem karikierten Schnurrbart, der mit einem Kamm durch die Farbe gezogen wird, einem weißen, dicklichen Bogen und einem steifen Kragen, der Südseite und einem Banderillenspieß - einem kleinen Speer, den Stierkämpfer verwenden - der aus der Mitte der Komposition herausragt, ist das Bild eine Summe von Zeichen, die diesen sozialen "Typ" bedeuten.

Der Typ des Charakters ist buchstäblich mit den Worten und der Synecdoche auf dem Bild vermerkt ("Nimes" ist eine südliche Stadt, in der Stierkämpfe stattfanden, "Le Torero" war eine Stierkampfzeitung und "TOR" ist eine Synecdoche für "toréador" oder "toréer" ').

Dieses Bild ist eine Art Referenzsystem, das durch seine Sprache der Karikatur und des Klischees einen Charakter in den Netzen des kubistischen Flusses hervorruft.

Fluss

Die Themen werden dann nur eine Summe ihrer Teile. Mit dem Kubismus bekommen wir nicht die Art von traditionellem Porträt, bei dem die Augen Ihnen durch den Raum folgen, wir bekommen nicht das, was einige Kunsthistoriker den "Kult der Innerlichkeit" genannt haben, bei dem die "Seele" des Subjekts durch das Bild übertragen wird Ähnlichkeit auf der Leinwand.

Beim Kubismus geht es um den Fluss des Alltags. Es gibt keine einheitliche oder angeborene Essenz für den Dargestellten des Porträts, sondern ein Kreol von Signifikanten, Wortspielen und Karikaturen.

Kubismus ist eine Kunstform, in der es mehr um Erfahrung als um Ausdruck geht.

Vielleicht ist es das kubistische Porträt, das zeigt, wie radikal kubistische Kunst mit der Vergangenheit gebrochen hat. Die Subjektivität des Künstlers ist hier der Schlüssel zum Kubismus. Die Künstler nehmen die Welt subjektiv auf. Kubismus ist eine Kunstform, bei der es mehr um Erfahrung als um Ausdruck geht. In gewisser Weise geht es um den Betrachter, der schaut, nicht um das, was angeschaut wird.

Der analytische Kubismus hatte diese Szene seit geraumer Zeit beherrscht und eine Spaltung, eine Art Hierarchie zwischen den Künstlern entwickelt, die sich in zwei Lagern befanden: den „Salon-Kubisten“, die mutiger waren und sich mehr mit dem modernen Leben und der Technologie befassten Kunst; und die "Galeristen", wie Picasso und Braque, die von Händlern vertreten wurden, die mehr Einfluss hatten, aber in ihrem Thema etwas zurückhaltender waren, und sich stattdessen darauf konzentrierten, die Tradition zu untergraben, anstatt sie hinauszuwerfen.

Synthetischer Kubismus

Pablo Picasso, Komposition mit Violine, Obst und Glas, 1912. (Quelle: Wikipedia). Eine der großen technischen Innovationen des Kubismus war die Collage: Dieses Bild enthält eine Zeitung, ausgeschnittene Illustrationen von Früchten sowie Kohlezeichnungen. Schauen Sie, wie die Geige in verschiedene Oberflächen aufgeteilt ist.

In den Jahren 1911–1912 begann George Braque, für einen Maler etwas Außergewöhnliches zu tun. Als er feststellte, dass seine Zeichnungen auf dem Höhepunkt der analytischen Phase des Kubismus immer flacher geworden waren, begann er mit Texturen zu experimentieren. Er schnitt Holzmaserungstapeten aus (die er in seiner täglichen Arbeit als Dekorateur verwendete) und begann, sie auf seine Zeichnungen zu kleben, um die Maserung einer Gitarre zu simulieren.

Diese von Picasso fast unmittelbar aufgegriffene Technik wurde von beiden Männern als Collage („Kleben“) geprägt. Im analytischen Kubismus wurde ein Trompe-l'oil-Trick des Auges-Effekts verwendet, um die Art von Synekdochen hervorzurufen, die ich bereits erwähnt habe. Beispielsweise würden Zeitungsmasten auf der Oberfläche eines kubistischen Gemäldes originalgetreu wiedergegeben, um zu zeigen, dass eine Zeitung in der Szene vorhanden ist, indem sie teilweise dargestellt wird.

Picasso und Braque begannen, unter anderem ausgeschnittene Zeitungsartikel buchstäblich auf die Oberfläche ihrer Gemälde zu kleben. Und so begann eine noch reduktivere Phase des Kubismus, die Kunsthistoriker als „synthetischen Kubismus“ bezeichnen.

Collage war in dieser Phase aufgrund ihrer wesentlichen Flachheit von grundlegender Bedeutung. Der Kubismus wurde flacher, abstrakter und dekorativer in seinen Formen und Farben.

Pablo Picasso, Stillleben mit Stuhlrohr, 1912

Es gibt ein Gemälde von Picasso mit dem Titel Stillleben mit Stuhl Caning aus dem Jahr 1912, das sich sowohl an den analytischen als auch an den synthetischen Stilen orientiert und diese überbrückt. Ein analytisches Stillleben wird vor die Kulisse einer Stuhllehne gesetzt. Ein typischer Stuhl, den man in einem französischen Café mit Korbstuhl und Rückenlehne findet.

Zuerst würde man meinen, dass der Stuhl mit dem Trompe l'oil-Trick des Auges bemalt wurde, aber genau hinschauen und diese Vermutung wird mehr als bestätigt, da sie tatsächlich von einem Korbstockeffekt abgeschnitten ist Hintergrund. Um den Unterschied zwischen der gemalten Realität und der Realität selbst noch weiter zu komplizieren, hat Picasso das ovale Gemälde mit einem Seil gerahmt.

Es war die Erfindung der Collage, die dem Synthetischen Kubismus seine Form verlieh. Synthetischer Kubismus wurde zu einer sehr erfinderischen und sogar spielerischen Herangehensweise an die Bildgestaltung. Die Kubisten hatten, um den Effekt der Gleichzeitigkeit zu erzielen, ein Zeichensystem aufgebaut - die Hinweise und die Synekdoche, die für die Dinge im Fluss der Flugzeuge standhielten.

Mit dem Aufkommen des synthetischen Kubismus begannen sie, mit diesen Zeichen so zu spielen, wie wir mit der Sprache spielen, wenn wir Witze machen. Sie verwendeten Wortspiele und Anspielungen, die mit unseren Erwartungen übereinstimmen. Zeitungsausschnitte könnten Zeitungen darstellen, aber sie könnten auch in die Form einer Flasche geschnitten werden, um eine Flasche darzustellen. Die Kubisten hatten das Malen in eine Sprache mit eigenen Regeln zerlegt.

1914 marschierte Deutschland in Frankreich und Belgien ein. Viele Avantgardisten marschierten in den Krieg. Einige, wie der Dichter Guillaume Apollinaire, der als eine Art Vaterfigur der kubistischen Bewegung auftrat, kamen nie zurück.

Der Erste Weltkrieg hat die sozialen Bindungen, die den Schwung des Kubismus aufrecht erhalten haben, irreparabel beschädigt. Die Bewegung wurde fragmentiert, ehemalige Freunde waren gespalten oder bekämpften sich sogar gegenseitig.

Eine tiefgreifende Veränderung

In der kulturellen Leere eröffnete Léonce Rosenberg, eine reiche und gut vernetzte Kubistin, die von der Front zurückgekehrt war, die Galerie de L’Effort Moderne.

Durch Rosenbergs Ausstellungen wurde der Kubismus immer abstrakter, bunter und "flacher". Es ging weniger darum, die Welt zu sehen, als vielmehr um das Spiel von Form und Farbe.

Die Erfindung der Collage veränderte die Malweise der Künstler. Der sogenannte „Kristallkubismus“ befasste sich mehr mit dem Tanz der Farbebenen. Die Komposition des Gemäldes selbst hatte Vorrang vor dem Thema, die „Flachheit“ der Malerei wurde auf eine in der Kunstgeschichte beispiellose Weise betont.

Obwohl die abstrakte Kunst außerhalb des Kubismus erfunden wurde (von Wassily Kandinsky, einem Russen), war der Einfluss der Bewegung auf die Entwicklung der abstrakten Kunst tiefgreifend.

Pablo Picasso, Drei Musiker, 1921. Obwohl es sich um ein Gemälde handelt, ahmt dieses Bild die Flachheit der Collage nach. Der Kubismus hatte einen enormen Einfluss auf die Entwicklung der abstrakten Kunst. (Quelle: Wikipedia)

Moderne Kunst hat ihre Wurzeln in der Romantik, und während wir im neunzehnten und frühen zwanzigsten Jahrhundert modernistische Künstler wie Courbet und Monet identifizieren können, war es wirklich der Kubismus, der die Kräfte der Moderne in Europa bündelte, es war der Kubismus, der alle verband die losen enden der innovation zusammen.

Es entstanden Bewegungen, die vom Kubismus inspiriert und davon abgeleitet waren. Zum Beispiel der Futurismus in Italien und der Vortizismus in England. Die unzusammenhängenden Oberflächen des Synthetischen Kubismus inspirierten sowohl abstrakte Künstler, die Wert auf Form und Farbe legten, als auch Surrealisten, die unterschiedliche Elemente nebeneinander stellten.

Braque und Picasso trennten sich, beide nahmen unmittelbar nach dem Krieg zunächst eine konservativere und klassischere Ästhetik an, doch die Innovationen des Kubismus schlichen sich in beide Künstlerwerke zurück. Die Bewegung geriet ins Wanken, als ihre Innovationen aufgenommen wurden. Seine wichtigsten Praktiker gingen über die kubistische Ästhetik hinaus. Das Erbe des Kubismus bleibt jedoch bestehen.

Der Kubismus hat uns tiefgreifend verändert - in den Fragmenten und Scherben seiner Werke haben wir eine neue Sichtweise auf die Welt.

Bis zum Kubismus spiegelte die Kunst das Leben in einer erkennbaren, zentralisierten Reihenfolge wieder. Die Dinge hatten Essenzen, die Maler und Bildhauer in einer Art virtueller Realität, die als "Kunst" bezeichnet wird, eingefangen haben. Der Kubismus reflektiert das Leben bei uns als fragmentierte, fließende und sich verändernde Erfahrung.

Wir möchten glauben, dass wir ein stabiles „Selbst“ oder Wesen haben, und unsere Erfahrung der Welt ist als integraler Bestandteil unseres Bewusstseins vereint.

Der Kubismus lehrt uns, dass unsere Erfahrung von Dingen fragmentiert und flüchtig ist und dass unser „Selbst“ nur die Summe unserer Handlungen und unserer Umwelt ist, keine Essenz unter der Oberfläche unserer Haut. Diese Lektion erforderte technische Innovation, künstlerischen Mut und viel Virtuosität und lieferte wunderschöne Ergebnisse.

Danke fürs Lesen. Ich hoffe du hast etwas Neues gelernt. Wenn Ihnen dieser Artikel gefallen hat, könnte Ihnen das Stück gefallen, das ich über Picassos verborgenes Meisterwerk geschrieben habe:

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