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Veröffentlicht am 29-09-2019

Wie man Bilder liest: Bellinis Altarbild von San Zaccaria

Die Entschlüsselung eines venezianischen Meisterwerks

Ausschnitt aus dem „Altarbild von San Zaccaria“ (1505) von Giovanni Bellini (um 1430–1516). Source Wikiart

Es gibt nur wenige Orte wie Venedig.

Mit seinen Lagunen und Wasserstraßen, die unter einem strahlenden Licht der Adria schimmern, mit seinen Gebäuden und manchmal stinkendem Wasser (was mich immer an die Pest in Thomas Manns Tod in Venedig denken lässt), ist die Stadt eine Landschaft, die wie keine andere verändert wurde.

Es gibt nur wenige Orte wie Venedig, und das nicht zuletzt wegen der Kunst. Es ist heutzutage selten anzutreffen, aber in Venedig kann man immer noch Gemälde sehen, die an der Stelle hängen, für die sie gemacht wurden. Die Geschichte Venedigs lebt wie kaum eine andere Stadt.

Detail des „Altars von San Zaccaria“. Source Wikiart

Ein solches Gemälde ist Giovanni Bellinis San-Zaccaria-Altarbild aus dem Jahr 1505, als der Künstler Anfang siebzig war - das genaue Geburtsjahr von Bellini ist noch umstritten. Der viktorianische Kunstkritiker John Ruskin bewertete das Gemälde als eines der „zwei besten Bilder der Welt“. (Das andere war die Madonna des Frari-Triptychons, ebenfalls von Bellini.)

Was am Altarbild von San Zaccaria sofort auffällt, ist das elegante Raumgefühl, das Bellini geschaffen hat. Die Illusion ist eine architektonische Apsis, ein kleiner Kapellenraum mit Säulen auf beiden Seiten und einer Kuppel, die mit Mosaiken bedeckt ist. Die Jungfrau Maria sitzt auf dem Thron in der Mitte, umgeben von Heiligen. Sehen Sie, wie der weiße Marmor des Throns zusammen mit Marias weißem Schal und vor allem die Leuchtkraft des Christuskindes die Mitte des Gemäldes zum Blühen bringt.

Schauen Sie sich auch an, wie Bellini das Licht so abgewinkelt hat, dass es von links nach rechts über die Szene fließt, wodurch ein weicher Schatten hinter Christus zu seiner Rechten fällt, ihn nach vorne bringt und seine Kontur betont. Es ist leicht, diese Details zu übersehen, aber sie machen den Unterschied.

Detail des „San Zaccaria-Altars“ von links nach rechts, St. Peter, St. Catherine, die Jungfrau Maria mit dem Christkind, St. Lucy und St. Jerome. Source Wikiart

Hinter dem Thron ist die architektonische Aussparung dreidimensional modelliert und leuchtet in sanftem Ockergelb, so dass der Rest der Szene eine Ebene einnimmt, die nach vorne gerichtet ist und fast in den realen Raum übergeht. Es ist ein Triumph des Gemäldes, dass keiner dieser Effekte erzwungen wirkt. Die Farbmischung - Rot, Gold, Blau und Grün der Roben und das subtile Weiß der Architektur - verleihen dem gesamten Werk einen fein gesponnenen Reichtum. In diesem subtilen Reichtum liegt Bellinis Originalität.

Was schauen wir uns an?

Eine der Freuden des Gemäldes ist es, die winzigen Details zu entdecken, die den Sinn des Gemäldes zum Leben erwecken.

Straußenei und Kristalllampendetail. Source Wikiart

Ein solches Detail ganz oben auf dem Gemälde ist so leicht zu übersehen: ein Straußenei, das an einem Akkord hängt.

Es ist mittlerweile bekannt, dass Strauße ihre Eier in Gemeinschaftsnestern ablegen, die aus kaum mehr als einer in den Boden geschabten Grube bestehen. Die Eier werden tagsüber von den Weibchen und nachts von den Männchen bebrütet.

Im Mittelalter glaubte man jedoch, dass der Strauß - ein viel bewunderter Vogel - seine Eier in Sand vergrub und der Hitze der Sonne die Inkubation ermöglichte. Angesichts der jungen Menschen, die ohne elterliche Beteiligung aufwuchsen, hielt man das Straußenei für ein ideales Symbol für die Jungfräulichkeit Mariens - ein theologisch kniffliges Konzept, für das Parallelen in der Natur gesucht wurden.

Das Straußenei, das die Jungfräulichkeit Marias symbolisiert, arbeitet im symbolischen Einklang mit der Kristalllampe, die darunter hängt. Die Lampe steht für Reinheit, da Kristallglas greifbar und gleichzeitig transparent ist.

Von der Spitze des Gemäldes führt eine vertikale Linie von einer Kombination aus Jungfräulichkeit und Reinheit nach unten zu Maria und ihrem Kind darunter.

Geschnitzter Kopf Salomos auf dem Thron der Jungfrau und des Kindes. Source Wikiart

Ein weiteres Detail, das all diese Zeichen vielleicht sinnvoll erscheinen lässt, ist die Schnitzerei an der Spitze des Throns. Es zeigt das Haupt Salomos, des Sohnes Davids und Bathsebas und des dritten Königs von Israel. Salomo wurde für seine Weisheit verehrt, und seine Weisheit zeigt sich nicht besser als in der wunderbaren Geschichte seines Gerichts, wie in 1. Könige 3: 16-28 dargelegt: Vor Salomo sind zwei Frauen in einem Streit. Beide haben ein Kind geboren, aber eines der Babys ist gestorben; Jetzt behaupten beide Frauen, das verbleibende Kind gehöre ihnen. Um die Wahrheit herauszufinden, befiehlt Salomo, ein Schwert mitzubringen: „Teile das lebendige Kind in zwei Teile und gib die eine und die andere Hälfte.“ Dabei verzichtet eine der Frauen sofort auf ihren Anspruch Das Kind entpuppt sich als die wahre Mutter, die es nicht ertragen konnte, Schaden an ihrem Kind zu sehen.

Der geschnitzte Kopf auf Marias Thron spricht also von der Jungfrau und dem Kind, die einen Platz der Weisheit einnehmen. So können wir die Einheit von Jungfräulichkeit, Reinheit und Weisheit als ideale Attribute der heiligen Mutter und des Kindes lesen.

Maria und Christus sind von vier Heiligen umgeben, die symmetrisch um den Thron angeordnet sind. Der gesamte Malstil ist als Sacra Conversazione bekannt, eine Tradition in der christlichen Malerei, in der sich mehrere Heilige um die Jungfrau versammeln. Heilige können unabhängig von der Zeit, in der sie lebten, aus verschiedenen Altersgruppen stammen, anscheinend in „heiligen Gesprächen“, aber häufiger in nachdenklichen Träumereien. Ein solches Konzept ermöglicht eine Vielzahl symbolischer Kombinationen.

In Bellinis Gemälde sind die vier Heiligen Petrus mit seinen Attributen Bibel und Schlüssel ("Ich werde dir die Schlüssel des Himmelreichs geben"); Katharina von Alexandria hielt ein Palmblatt als Symbol für ihr Martyrium und stellte sich neben ihr zerbrochenes Rad (das Instrument ihrer Folter); Lucy mit ihrer eigenen Handfläche und einer Glaslampe (abgeleitet von ihrem Namen, was "beleuchten" bedeutet); und Jerome, der Gelehrte und Übersetzer der Bibel ins Lateinische. Am Fuße der Jungfrau spielt ein Engel ein Instrument ähnlich einer Geige.

„Altarbild von San Zaccaria“ (1505) von Giovanni Bellini (um 1430–1516). Source Wikiart

Sie sind symmetrisch um den Thron positioniert. Es ist erwähnenswert, wie die Komposition den Blick in die Mitte des Gemäldes lenkt, wobei die beiden äußeren Figuren genau nach außen gerichtet und die beiden inneren Figuren zu drei Vierteln nach innen gedreht sind und den Raum so gestalten, dass eine Art Durchgang zur Mitte hin entsteht erstellt.

Schauen Sie sich zum Beispiel die Hände und Arme der am weitesten links stehenden Personen an, St. Peter und Catherine. Die Position von Peters linkem Arm bildet eine durchgehende Linie mit Katharinas rechtem. Die Linien ihres Gewandes und die Winkel ihrer Schultern - allesamt in subtilen Graden - verleihen dem Ganzen einen Hauch von innerer Dynamik.

So arbeiten die Heiligen auf eine sinnvolle Komposition hin; Sie haben auch eine eigene symbolische Tiefe.

Eine Möglichkeit, die Heiligen zu lesen, besteht darin, sie als zwei Gruppen komplementärer Paare zu betrachten: die beiden äußeren Figuren, die beiden Männer, die die Gründung der Kirche (Petrus) und ihre wissenschaftliche Entwicklung (Hieronymus) darstellen; und die beiden Frauen im Inneren, die die Tugenden des Lernens und der Weisheit (Catherine) und der Frömmigkeit (Lucy) darstellen.

All dies mag uns dunkel und pedantisch erscheinen, aber für einen Anbeter des 16. Jahrhunderts wären die Symbole weitaus besser lesbar und zum Nachdenken geeignet gewesen. Bellinis wahre Leistung - warum man es so leicht als Meisterwerk bezeichnen kann - ist die elegante Verschmelzung der symbolischen Motive zu einem harmonischen und etwas naturalistischen Ganzen.

Im Mittelpunkt des Gemäldes sitzt die Jungfrau auf ihrem Marmorthron, wobei ihr linkes Knie zur Unterstützung des Christuskindes angehoben ist und ihn dem Zuschauer zur Anbetung vorstellt.

Das Gesicht der Jungfrau stellt den vielleicht betörendsten Aspekt des Werkes dar und ein Dilemma der Interpretation, was der Kunsthistoriker TJ Clark das „Problem des Ausdrucks“ nennt:

„Es ist schon peinlich, die Angelegenheit als‚ Problem 'darzustellen. Wie hätte es sich angefühlt, Mutter Gottes zu sein? Und wie hätte sich dieses Gefühl oder ein Spiel widersprüchlicher Gefühle in einem Verhalten bemerkbar gemacht, das der Welt als „Gesicht“ präsentiert wurde? “
Detail des „Altars von San Zaccaria“. Source Wikiart

Um das „Problem des Ausdrucks“ zu beantworten, scheinen bestimmte Wörter nahe zu kommen - kontemplativ, zurückhaltend, nachdenklich -, aber zu kurz, weil sie zu offensichtlich Klischees sind.

Warum nicht auch Sorgen oder Verwirrung in ihrem Gesicht sehen? Schließlich enthielt die Theologie der Jungfrau Maria immer ein gewisses Maß an Zweifel, sogar an Angst. Während sie der Musik der Geige lauscht, die mit der Gewissheit eines Engels gespielt wird, beginnen ihre Gedanken vielleicht zu treiben, und mit einer Dosis gewöhnlicher Sehnsucht fragt sie sich, welche Fremdartigkeit sie getroffen hat. Sie beginnt, den Fuß des Christuskindes zu fassen, während er sein Bein hebt - ein instinktiver Moment des Kontakts zwischen einer Mutter und ihrem Baby, der unterschwellig geschieht. In einem Moment wird er seinen Fuß senken und ihre Hand wird ihn fassen und ihre Augen werden sich wieder aufeinander richten. Vielleicht. Aber dies ist der Moment davor, in dem uns alle, Heilige, Mutter und Kind, durch das Rauschen der Geigenmusik innehalten und auf unserem komplexen Platz in der Heilsgeschichte innehalten. Bellinis Gemälde macht das alles.

Christopher P Jones schreibt in seinem Blog. Diese Geschichten über Kunst könnten Sie auch interessieren:

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