Wie man Gemälde liest: Bellinis San Zaccaria Altarbild

Die Entschlüsselung eines venezianischen Meisterwerks

Ausschnitt aus dem Altarbild von San Zaccaria (1505) von Giovanni Bellini (um 1430–1516). Quell-Wikiart

Es gibt nur wenige Orte wie Venedig.

Mit seinen Lagunen und Wasserstraßen, die unter einem strahlenden adriatischen Licht schimmern, mit ihren Gebäuden und manchmal stinkendem Wasser (das lässt mich immer an die Pest in Thomas Manns Tod in Venedig denken), ist die Stadt eine Landschaft wie keine andere.

Es gibt nur wenige Orte wie Venedig, nicht zuletzt wegen der Kunst. Es ist heutzutage selten zu finden, aber in Venedig kann man immer noch Gemälde sehen, die an der Position hängen, für die sie gemacht wurden. Die Geschichte Venedigs lebt wie so wenige andere Städte.

Detail von 'San Zaccaria Altarbild'. Quell-Wikiart

Ein solches Gemälde ist Giovanni Bellinis Altarbild San Zaccaria, das 1505 gemalt wurde, als der Künstler Anfang siebzig war. Bellinis genaues Geburtsjahr ist weiterhin umstritten. Der viktorianische Kunstkritiker John Ruskin bewertete das Gemälde als eines der „zwei besten Bilder der Welt“. (Die andere war die Madonna des Frari-Triptychons, ebenfalls von Bellini.)

Was das Altarbild von San Zaccaria sofort packt, ist das elegante Raumgefühl, das Bellini geschaffen hat. Die Illusion ist eine architektonische Apsis, ein kleiner Kapellenraum mit Säulen auf beiden Seiten, der von einer mit Mosaiken bedeckten Kuppel bedeckt ist. Die Jungfrau Maria sitzt auf dem Thron in der Mitte, umgeben von Heiligen. Sehen Sie, wie der weiße Marmor des Throns zusammen mit Marias weißem Schal und vor allem die Leuchtkraft des Christkindes die Mitte des Gemäldes zum Blühen bringt.

Schauen Sie sich auch an, wie Bellini das Licht so abgewinkelt hat, dass es von links nach rechts über die Szene fließt, wodurch ein weicher Schatten zu seiner Rechten hinter Christus fällt, ihn nach vorne bringt und seine Umrisse betont. Es ist leicht, diese Details zu übersehen, aber sie machen den Unterschied.

Detail von 'San Zaccaria Altarstück', von links nach rechts zeigend, St. Peter, St. Catherine, die Jungfrau Maria mit dem Christkind, St. Lucy und St. Jerome. Quell-Wikiart

Hinter dem Thron ist die architektonische Aussparung dreidimensional modelliert und leuchtet sanft gelb-ocker, sodass der Rest der Szene eine Ebene einnehmen kann, die nach vorne gerichtet ist und fast in unseren realen Raum übergeht. Es ist ein Triumph des Gemäldes, dass keiner dieser Effekte erzwungen wirkt. Die Mischung der Farben - die Rot-, Gold-, Blau- und Grüntöne der Roben und die subtilen Weißtöne der Architektur - verleihen dem gesamten Werk einen fein gesponnenen Reichtum. In der Subtilität dieses Reichtums liegt Bellinis Originalität.

Was schauen wir uns an?

Eine der Freuden des Gemäldes besteht darin, die winzigen Details zu entdecken, die seinen Sinn zum Leben erwecken.

Straußenei und Kristalllampendetail. Quell-Wikiart

Ein solches Detail ganz oben auf dem Gemälde ist so leicht zu übersehen: ein Straußenei, das an einem Akkord hängt.

Es ist jetzt bekannt, dass Strauße ihre Eier in Gemeinschaftsnestern ablegen, die nur aus einer in den Boden geschabten Grube bestehen. Die Eier werden tagsüber von den Weibchen und nachts von den Männchen inkubiert.

Im Mittelalter wurde jedoch allgemein angenommen, dass der Strauß - ein viel bewunderter Vogel - seine Eier in Sand vergräbt und die Hitze der Sonne die Inkubation durchführen lässt. Aufgrund der jungen Eltern, die ohne elterliche Beteiligung auftauchten, wurde angenommen, dass das Straußenei ein ideales Symbol für die Jungfräulichkeit Mariens sei - ein theologisch kniffliges Konzept, für das Parallelen in der Natur gesucht wurden.

Das Straußenei, das Marias Jungfräulichkeit symbolisiert, arbeitet symbolisch im Einklang mit der Kristalllampe, die darunter hängt. Die Lampe steht für Reinheit, da Kristallglas greifbar und gleichzeitig transparent ist.

Von der Spitze des Gemäldes führt eine vertikale Linie von einer kombinierten Kombination aus Jungfräulichkeit und Reinheit nach unten zu Mary und ihrem Kind unten.

Geschnitzter Kopf Salomos auf dem Thron der Jungfrau und des Kindes. Quell-Wikiart

Ein weiteres Detail, das vielleicht Sinn für all diese Zeichen macht, ist das Schnitzen auf dem Thron. Es zeigt das Haupt Salomos, des Sohnes Davids und Badeshebas und des dritten Königs Israels. Solomon wurde für seine Weisheit verehrt, und nicht mehr wird seine Weisheit besser gezeigt als in der wunderbaren Geschichte seines Gerichts, wie in 1. Könige 3: 16-28: Vor Salomo gebracht werden zwei Frauen inmitten eines Streits. Beide haben ein Kind geboren, aber eines der Babys ist gestorben; Jetzt behaupten beide Frauen, das verbleibende Kind gehöre ihnen. Um die Wahrheit herauszufinden, befiehlt Salomo, ein Schwert zu bringen. Er sagt: „Teile das lebende Kind in zwei Teile und gib dem einen die Hälfte und dem anderen die Hälfte.“ Dabei verzichtet eine der Frauen sofort auf ihren Anspruch auf das Kind und entpuppt sich damit als die wahre Mutter, die es nicht ertragen konnte, ihrem Kind Schaden zuzufügen.

Der geschnitzte Kopf auf Marias Thron spricht also von der Jungfrau und dem Kind, die einen Platz der Weisheit einnehmen. So können wir die Einheit von Jungfräulichkeit, Reinheit und Weisheit als ideale Attribute der heiligen Mutter und des heiligen Kindes lesen.

Maria und Christus sind von vier Heiligen umgeben, die symmetrisch um den Thron positioniert sind. Der allgemeine Malstil ist als Sacra Conversazione bekannt, eine Tradition in der christlichen Malerei, in der sich mehrere Heilige um die Jungfrau versammeln. Heilige können aus verschiedenen Altersgruppen stammen, unabhängig von der Zeit, in der sie lebten, anscheinend in „heiligen Gesprächen“, aber häufiger in reflektierenden Träumereien. Ein solches Konzept ermöglicht eine Vielzahl symbolischer Kombinationen.

In Bellinis Gemälde sind die vier gezeigten Heiligen Petrus mit seinen Attributen Bibel und Schlüssel („Ich werde dir die Schlüssel des Himmelreichs geben“); Katharina von Alexandria hielt ein Palmblatt in der Hand, um ihr Martyrium zu symbolisieren, und stand neben ihrem zerbrochenen Rad (dem Instrument ihrer Folter). Lucy mit ihrer eigenen Handfläche und einer Glaslampe (abgeleitet von ihrem Namen, was "beleuchten" bedeutet); und Jerome, der Gelehrte und Übersetzer der Bibel ins Lateinische. Am Fuße der Jungfrau spielt ein Engel ein Instrument, das einer Geige ähnelt.

'San Zaccaria Altarstück' (1505) von Giovanni Bellini (um 1430–1516). Quell-Wikiart

Sie sind symmetrisch um den Thron positioniert. Es ist erwähnenswert, wie die Komposition das Auge zur Mitte des Gemäldes führt, wobei die beiden äußeren Figuren genau nach außen gerichtet und die beiden inneren Figuren drei Viertel nach innen gedreht sind und den Raum so konfigurieren, dass eine Art Durchgang zur Mitte hin entsteht erstellt.

Schauen Sie sich zum Beispiel die Hände und Arme der Figuren ganz links an, St. Peter und Catherine. Die Position von Peters linkem Arm bildet eine durchgehende Linie mit Catherines rechtem. Die Linien ihrer Vorhänge und auch die Winkel ihrer Schultern verleihen dem Ganzen - in subtilen Graden - einen Hauch innerer Dynamik.

Die Heiligen arbeiten also auf eine sinnvolle Komposition hin; Sie haben auch eine eigene symbolische Tiefe.

Eine Möglichkeit, die Heiligen zu lesen, besteht darin, sie als zwei Sätze komplementärer Paare zu betrachten: die beiden äußeren Figuren, die beiden Männer, die die Gründung der Kirche (Petrus) und ihre wissenschaftliche Entwicklung (Hieronymus) darstellen; und die beiden Frauen im Inneren, die die Tugenden des Lernens und der Weisheit (Catherine) und der Frömmigkeit (Lucy) darstellen.

All dies mag uns dunkel und pedantisch erscheinen, aber für einen Anbeter des 16. Jahrhunderts wären die Symbole weitaus „lesbarer“ und zum Nachdenken geeignet gewesen. Bellinis wahre Leistung - warum es leicht ist, dies als Meisterwerk zu bezeichnen - ist die elegante Mischung der symbolischen Motive zu einem harmonischen und etwas naturalistischen Ganzen.

Im Herzen des Gemäldes sitzt die Jungfrau auf ihrem Marmorthron. Ihr linkes Knie ist angehoben, um das Christkind zu stützen, und präsentiert es dem Zuschauer zur Anbetung.

Das Gesicht der Jungfrau repräsentiert den vielleicht betörendsten Aspekt des Werkes und ein Dilemma über die Interpretation, was der Kunsthistoriker TJ Clark das "Problem des Ausdrucks" nennt:

„Selbst die Angelegenheit als‚ Problem 'darzustellen, scheint peinlich. Wie hätte es sich angefühlt, die Mutter Gottes zu sein? Und wie hätte sich dieses Gefühl oder das Spiel widersprüchlicher Gefühle im Verhalten registriert, ein 'Gesicht', das der Welt präsentiert wird? “
Detail von 'San Zaccaria Altarbild'. Quell-Wikiart

Um das „Problem des Ausdrucks“ zu beantworten, scheinen bestimmte Wörter nahe zu kommen - kontemplativ, zurückhaltend, reflektierend -, aber sie fehlen, weil sie zu offensichtlich Klischees sind.

Warum nicht auch Sorgen oder Verwirrung in ihrem Gesicht sehen? Schließlich enthielt die Theologie der Jungfrau immer ein Element des Zweifels, sogar der Angst. Vielleicht, während sie die Musik der Geige hört, die mit der Gewissheit eines Engels gespielt wird, beginnen ihre Gedanken zu schweben, und mit einer Dosis gewöhnlicher Sehnsucht fragt sie sich, welche Fremdheit sie getroffen hat. Sie beginnt, den Fuß des Christusbabys zu berühren, während er sein Bein hebt - ein instinktiver Moment des Kontakts zwischen einer Mutter und ihrem Baby, der unterschwellig geschieht. In einem Moment wird er seinen Fuß senken und ihre Hand wird ihn berühren, und ihre Augen werden sich wieder zueinander wenden. Vielleicht. Aber dies ist der Moment zuvor, in dem der Schwung der Geigenmusik uns alle zum Stoppen gebracht hat, Heilige, Mutter und Kind, und an unserem komplexen Platz in der Heilsgeschichte innehalten. Bellinis Gemälde macht das alles.

Christopher P Jones schreibt in seinem Blog. Diese Geschichten über Kunst könnten Sie auch interessieren: