Veröffentlicht am 21-02-2019

wichtige Kunst von Andrew Wyeth

wichtige Kunst von Andrew Wyeth

Die folgenden Kunstwerke sind die wichtigsten von Andrew Wyeth - sowohl die wichtigsten Schaffensperioden als auch die größten Leistungen des Künstlers.

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Andrew Wyeth, Winterfelder (1942)

Kunstwerkbeschreibung & Analyse: Wyeth präsentiert dem Betrachter eine tote Krähe, die von der Totenstarre versteift und in der winterlichen Landschaft eingefroren ist. Der Betrachter schaut nicht auf die Krähe, sondern sieht aus, als wäre sein Gesicht zu Boden gedrückt, nicht weit von der Kreatur entfernt. Die Felder, die das Nachbarhaus von Wyeth umgeben, reichen weit in die Ferne, und ein Bauernhaus und Bäume säumen den Horizont. Die perspektivische Wirkung verleiht dem Kleintier seiner Einstellung eine übergroße Bedeutung, was auf die Schwerkraft und die Bedeutung seines Todes hinweist.

Wyeth hatte den toten Vogel während eines Spaziergangs entdeckt und brachte die Krähe in sein Atelier, um sie zu studieren und zu bemalen. Daher gibt es mehrere Skizzen für dieses Gemälde. Wyeth erinnerte sich: „Diese Krähe in einem Feld von Karl symbolisierte die Natur und Intimität der Landschaft von Pennsylvania. Das Blau-Schwarz der Federn half mir, sich vom „Impressionismus“ zu befreien. “Die exquisiten Details, die Wyeth mit Temperafarbe, einer in der heutigen Zeit ungewöhnlichen Mediumwahl, einfangen konnte, unterstreichen den Grad, zu dem sich Wyeth vom damaligen Zeitgenossen beendete Trends der Abstraktion.

Mitten im Zweiten Weltkrieg gemalt, haben einige Parallelen zwischen dem Bild und den Fotografien der Toten und Verwundeten auf den Schlachtfeldern Europas gezogen. Außerdem war Wyeth fasziniert von amerikanischen Filmen, insbesondere frühen, nach dem Ersten Weltkrieg entstandenen, stummen Kriegsfilmen, und wurde von der filmischen Gestaltung von Kampfszenen inspiriert. Wyeth bestand jedoch darauf, dass seine Arbeit nichts mit Fotografie zu tun hatte, und bei näherer Betrachtung sieht man, dass die Objekte im Hintergrund am weitesten Hintergrund so fein und kompliziert wie die Krähe gemalt werden. Damit schafft Wyeth eine Raumdarstellung, die weder Menschen noch Kameras erfassen können. Wyeths Realismus zielt schon früh darauf ab, mit seinen Worten festzuhalten, "was sich an der Oberfläche schließt".

Tempera auf Kompositionsbrett - Whitney Museum of American Art, New York

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Winter 1946 (1946)

Artwork description & Analysis: Im Winter 1946 sehen wir einen jungen Mann, der schnell und rücksichtslos einen Hügel hinunter rennt. Die gedämpften Farben erinnern an eine kalte Winterszene. Links oben in der Komposition befindet sich ein Stück Schnee. In warmer Kleidung gebündelt, fragt sich der Zuschauer, wer dieser Junge und sein Ziel ist.

Wyeth schuf dieses Gemälde nach dem schrecklichen Tod seines Vaters N. C. Auf dem Hügel von Kuerner in Chadds Ford wurde sein Vater von einem vorbeifahrenden Zug getroffen. Der Motor blieb im Auto von N. C. stehen, und er und sein junger Enkel konnten sich weder bewegen noch den Schaffner rechtzeitig zum Stehen bringen. Sein Nachbar Karl Kuerner wurde eine Ersatzfigur für den Künstler, und die Farm und der Hügel wurden in den nächsten dreißig Jahren zu einer wichtigen Inspirationsquelle für Wyeths Gemälde.

In Anbetracht des biographischen Kontextes kann man sich nun den jungen Mann als Wyeth vorstellen, der ziellos und abgelenkt läuft und versucht, den Tod seines Vaters zu verstehen. Wyeth sagte später, er beklagte die Tatsache, dass er nie in der Lage war, ein Porträt seines Vaters zu malen, sondern dass "der Hügel schließlich ein Porträt von ihm wurde".

Tempera an Bord - North Carolina Kunstmuseum, Raleigh, NC

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Christinas Welt (1948)

Kunstwerkbeschreibung & Analyse: Mit dem Rücken zum Betrachter starrt Wyeths Untertitel Anna Christina Olson in die Ferne und schaut auf ihr Bauernhaus in Cushing, Maine. Christina litt an einer degenerativen Muskelerkrankung und konnte nicht laufen. Wyeth sagte, sie sei "körperlich begrenzt, aber keinesfalls geistig" und "die Herausforderung bestand darin, ihrer außergewöhnlichen Eroberung eines Lebens gerecht zu werden, das die meisten Menschen als hoffnungslos ansehen würden." Im weitläufigen Bereich scheinen sie verletzlich und isoliert zu sein, und der Betrachter wird in eine mehrdeutige Position gebracht, wobei er sie von hinten betrachtet. Die Szene enthält ein Gefühl der Verletzlichkeit und trägt zu einem gewissen abstoßenden Gefühl bei.

Zu sagen, dass dies ein wahres Porträt von Christina Olson ist, wäre jedoch irreführend. Während das rosafarbene Kleid und die schlanken Glieder zu dem damals 55-jährigen Olson gehören, verwendete Wyeth hier seine junge Frau Betsy als Vorbild und verschmolz so den alternden und anormalen Körper von Christina mit dem eines gesunden, jungen Mannes. Obwohl Wyeth Olsons Not darstellen wollte, kann man sagen, dass Wyeth das Thema zu einer „Everywoman“ gemacht hat.

Die Welt von Christina präsentiert eine faszinierende, offene Erzählung, die die Fantasie anspricht. Wer ist Christina? Warum ist sie auf einem Feld? Ist das ihr Haus? Warum scheint sie zu kriechen? Christina 's World ist zwar ein scheinbar geradliniges Gemälde, ist aber in der Tat charakteristisch für Wyeths Version von Magic Realism, die nicht fantastisch oder unrealistisch surrealistisch ist, sondern eher subtil und beunruhigend im Hyperrealismus. Wie ein Kurator erklärte, sind Wyeths Gemälde „voller versteckter Metaphern, in denen gemeinsame Themen wie Erinnerung, Nostalgie und Verlust untersucht werden.“ Der Künstler selbst sagte: „Magie! Es macht die Dinge großartig. Es ist der Unterschied zwischen einem Bild, das tiefgründige Kunst ist, und nur einem Gemälde eines Objekts. "

Die Tiefgründigkeit, die Wyeth in diesem Gemälde einfangen konnte, macht es zu einem der bekanntesten und am meisten bewunderten Stücke, die Wyeth je produziert hat. Es war jedoch nicht sein persönlicher Favorit. Wyeth meinte, das Gemälde wäre ohne die Figur auf dem Feld erfolgreicher gewesen. Er sagte zu einem Interviewer: „Wenn ich Christinas Welt malte, saß ich zu den Stunden, die auf dem Rasen arbeiteten, und ich spürte, dass ich wirklich draußen war. Ich habe mich in der Textur der Sache verirrt. Ich erinnere mich, wie ich ins Feld gegangen bin, einen Teil der Erde aufgehoben und auf die Basis meiner Staffelei gesetzt habe. Es war kein Gemälde, an dem ich arbeitete. Ich habe tatsächlich am Boden selbst gearbeitet. “

Tempera auf Holz - Museum of Modern Art, New York

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Trodden Weed (1951)

Artwork description & Analysis: In dieser ungewöhnlichen Komposition malte Wyeth eine Person, die über einen herbstlichen Hügel ging, aber wir sehen nur die Person von den Knien, alte, feste, braune Stiefel und den Saum seines Mantels in der Brise. Wie für Wyeth typisch, werden das Gras und die Unkräuter, die das Feld ausmachen, mit seiner Trockenbürstentechnik äußerst detailliert und klar dargestellt. Er beschrieb die Temperafarbe oft metaphorisch als der Erde ähnlich, und er war tief beeindruckt von Albrecht Dürers Naturstudien und insbesondere von Grasbüscheln. Die Horizontlinie ist ungewöhnlich hoch, und in der oberen rechten Ecke sehen wir nur einen Teil des gut beleuchteten Himmels.

Das Hauptaugenmerk des Gemäldes - die braunen Stiefel - zeigt viel Abnutzung, was auf eine lange Geschichte schließen lässt. Die Stiefel gehörten ursprünglich Howard Pyle, dem ehemaligen Kunstlehrer von Wyeths Vater. Betsy erwarb die Stiefel von einem anderen Schüler von Pyle und übergab sie 1950 ihrem Ehemann als Weihnachtsgeschenk. Damals erholte sich Wyeth von einer größeren Operation, bei der er einen Teil einer Lunge entfernt hatte. Er fand heraus, dass die Schuhe passten und trugen sie, als sie sich von der Operation erholten. Das Tragen der Schuhe des ehemaligen Lehrers musste ihn auch an seine Kindheit erinnert haben, als er sich in historischen Kostümen seines Vaters in seinem Atelier kleidete. Einige Kritiker fanden die offenkundige autobiographische Symbolik des Gemäldes überarbeitet und klischeehaft, aber die Komposition ist immer noch auffällig.

Tempera an Bord - Privatsammlung

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Hauptschlafzimmer (1965)

Artwork description & Analysis: In Master Bedroom präsentiert Wyeth den Familienhund Rattler, der schlafend zusammengerollt in die Kissen eines Himmelbettes gekuschelt ist. Wyeths Enkelin Victoria sagte in einem Interview, der Künstler sei "eines Abends müde nach Hause gekommen und wollte ein Nickerchen machen, nur um zu sehen, dass Rattler zuerst da war." Sie zitierte Wyeth: verdammteste Sache. Sie übernehmen einfach das Haus. “Obwohl der Titel besagt, dass wir uns im Schlafzimmer des Eigentümers des Hauses befinden, ist es auch eine schlaue Nocke gegenüber dem echten Hausherrn - dem Hund.

Wyeth fängt die weltliche Natur der Szene perfekt ein. Die schlichte weiße Tagesdecke, die scheinbar an einigen Stellen abgenutzt ist, bedeckt Bett und Kissen. Das Zimmer ist schmucklos; An den Wänden hängen keine Bilder, aber eine kleine Schüssel sitzt auf der Fensterbank. Die eher gestenartig bemalten Wände deuten auf alten, verfärbten Putz hin. Durch das Fenster sehen wir eine Seite des Hauses und ein paar Äste eines Baumes. Das Licht - ein niedriges Nachmittagslicht - scheint durch das Fenster auf das Bettende und stört den schlafenden Hund nicht.

Offensichtlich hielt Wyeths Frau nicht viel von dem Bild und schlug vor, dass er es auf den "Give Away" -Haufen legte. Betsy würde überrascht sein zu erfahren, dass Master Bedroom zu einem der beliebtesten Gemälde von Wyeth wurde.

Aquarell auf Papier - Privatsammlung

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Barracoon (1976)

Artwork description & Analysis: In diesem kontroversen Gemälde, Barracoon, liegt eine nackte schwarze Frau auf einem mit weißer Bettwäsche bedeckten Bett, den Rücken zum Betrachter gerichtet. Ihre an den Ellbogen gebeugten Arme ruhen vor ihr und ihre Hände liegen über ihrem Kopf. Das Thema ist Wyeths Einstellung zur traditionellen Odaliske. Wie von Tizian oder Manet gemalt, wird die nackte Frau zu einem Objekt sexuellen Verlangens. Man denke auch an Paul Gauguins Gemälde junger, dunkelhäutiger Tahitianerinnen, die in exotisierten Posen auf Diwan lagen. Während Wyeths Komposition auch eine sexualisierte Spannung trägt, statt einer üppigen, exotischen Kulisse, platzierte Wyeth die Figur in einem nicht beschreibenden Schlafzimmer, nicht unähnlich dem im Hauptschlafzimmer, streifte die Wände mit gestischen Strichen und kratzte die Oberfläche meist abstrakter hintergrund. In gewisser Weise verstärkt diese abstrakte Einstellung, weil es keine anderen Ablenkungen gibt, den voyeuristischen Blick auf den nackten weiblichen Körper.

Der Titel des Gemäldes bezieht sich auf einen geschlossenen, geschlossenen Raum, in dem Sklaven und Kriminelle festgehalten wurden. Der Bezug zur Sklaverei, gepaart mit der Tradition der Odaliske, erzeugt eine mehrdeutige und beleidigte Stimmung und hinterfragt die Intentionen des Künstlers. Das Thema wird noch komplizierter, da Wyeth nicht der langjährige Diener der Familie, Betty Hammond, war, wie er viele Jahre behauptete, sondern Helga Testorf, die weiße Deutsche, die er mehrere Jahre heimlich gemalt hat. Helga posierte für das Gemälde, aber sie wechselte ihr Haar und verdunkelte ihre Haut, um ihre Identität vor seiner Frau zu verbergen, der er das Gemälde zum Geburtstag geschenkt hatte.

Wyeth produzierte mehrere Gemälde mit afroamerikanischen Motiven, mit denen er im Laufe der Jahre Freundschaften geschlossen hatte, und obwohl es unbestreitbar war, dass Wyeth seine Modelle ehrlich und mitfühlend kennen und verstehen wollte, sind diese Bilder nicht unumstritten Bringen Sie das Machtgefälle zwischen einem weißen Künstler und einem schwarzen Sitter mit dem Erbe der amerikanischen Rassengeschichte in den Vordergrund. Der zeitgenössische Künstler Hank Willis Thomas schlug vor, dass Wyeth „als Teil seiner Marke ausbeutete, aber nicht böswillig. Es geht nicht darum, dass er ein Bösewicht ist. Aber für jeden Künstler ist es die Frage: Wann nutzen Sie niemanden aus? "

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Überlauf (1978)

Kunstwerkbeschreibung & Analyse: In Overflow liegt das Modell Helga Testorf auf ihrer Seite, teilweise mit einem dünnen, weißen Laken bedeckt, die ihre Brüste und die Oberseite ihres Schambereichs zeigt. Ihre geflochtenen Zöpfe fallen über ihre Brust und ihren linken Arm, während ihr rechter Arm über ihrem Kopf liegt und auf dem Kissen über ihr ruht. Ihre Augen schlossen sich, sie scheint fast zu lächeln, ein seltenes Ereignis in den Bildern von Helga. Das abendliche Mondlicht fällt sanft von hinten auf ihren Körper und warme Sommerluft scheint durch das offene Fenster zu kommen. Die voyeuristische Perspektive lässt den leidenschaftlichen Blick des Künstlers erkennen. Der Titel bezieht sich möglicherweise auf das Überfließen des Lichts auf dem Modell oder auf die lustvollen Wünsche der Künstlerin, mit ihr zusammen zu sein.

Seit ihrem Debüt im Jahr 1987 haben die Helga-Gemälde viel Spekulation über die Natur von Wyeths Beziehung zu seinem Modell ausgelöst. Wyeth hat Gerüchte über eine Affäre immer beiseite geschoben, aber er sagte zu diesen Bildern: „Der Unterschied zwischen mir und vielen Malern ist, dass ich einen persönlichen Kontakt zu meinen Modellen haben muss. Ich meine nicht sexuelle Liebe, ich meine echte Liebe. Viele Künstler sagen mir, dass sie sich nicht einmal an die Namen ihrer Modelle erinnern. Ich muss mich in meine verlieben - zum Teufel, mit einem Baum oder einem Hund. Ich muss verliebt sein. Geschlagen So geschah es, als ich Helga die Kuerner-Straße entlanggehen sah. Sie war diese erstaunliche, zerquetschende Blondine. “Helga erklärte ihr einfach:„ Der Akt ist das Allerheiligste. Wenn du neben es kannst, ist es ein göttlicher Geist. Es ist die Seele Er malt die Seele. “Unabhängig von der Art ihrer Beziehung schätzten sich die beiden zweifellos gegenseitig.

Quelle :

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Siehe auch

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