Veröffentlicht am 07-09-2019
Titelbild aus Opal Waltz von Vincent Tsui

Unabhängige Animation in Los Angeles

Einen ehrgeizigen Animationsfilm alleine zu machen ist wirklich schwer. Die Stereotypen von Animatoren, die lange und undankbare Stunden allein in einem Raum arbeiten, haben sich meist als richtig erwiesen, wenn es darum geht, persönliche Projekte zu verwirklichen. Es gibt ungefähr eine Million praktische und emotionale Hindernisse, die Sie daran hindern, das Projekt abzuschließen. Ich habe einige meiner persönlichen Hürden aufgezeichnet und in einem früheren Blog-Beitrag einen unabhängigen Kurzfilm veröffentlicht. Am Ende dieses Prozesses war ich daran interessiert, wie die Erfahrung anderer war, Kurzfilme unabhängig von jeglichen Unterstützungssystemen selbst zu produzieren.

Ich mache nicht nur Filme, sondern helfe auch beim GLAS Animation Festival - einem Animationsfestival, das jedes Jahr in Berkeley, Kalifornien, stattfindet. Außerdem liebe ich es, mir alle Kurzfilme für die Wettbewerbsvorführungen anzuschauen. Jeanette Bonds, die Gründerin von GLAS, kam auf mich zu, um an einem Screening / Panel mit unabhängigen Animatoren in Los Angeles mitzuarbeiten. Ich war sofort von der Idee begeistert. In Los Angeles gibt es eine der besten kreativen Communities der Welt, in der Künstler aus aller Welt zusammenkommen, um hier zu arbeiten. In vielen Fällen ist die Währung, nach der die Arbeit beurteilt wird, ausschließlich kommerziell und talentierte Künstler, die nach Los Angeles kommen oder die Schule mit erstaunlichen Kurzfilmen abschließen, werden sofort von der Animationsbranche in Anspruch genommen und hören auf, Filme für sich selbst zu machen. Ambitionierte Animationsshorts, die außerhalb der Animationsbranche ohne kommerziellen Gewinn hergestellt wurden, haben in diesem Zusammenhang einen besonderen kreativen Vorteil. Ich wollte, dass das Screening und das Panel als Bestätigung und Inspiration für alle dienen, die versuchen, solche Arbeiten zu realisieren, um die einzigartigen Umstände für die Entstehung dieser außergewöhnlichen Filme zu erläutern.

Nachfolgend finden Sie alle Filme, die in der Vorführung gezeigt werden, zusammen mit einer Übersicht über jedes Projekt und Kommentaren der Künstler, wie Sie selbständig arbeiten, Ihre persönliche Arbeit definieren, Ihre Leidenschaft bei der Arbeit an einem Projekt bewahren und persönliche Projekte in Einklang bringen mit kommerzieller Arbeit.

Die allgegenwärtige Virensensation Hi Stranger von Kirsten Lepore begann als ein völlig anderer Film. Während des Prozesses wurde die ursprüngliche Idee, an der sie fünf Monate lang gearbeitet hatte, durch eine einjährige kaufmännische Tätigkeit unterbrochen. Nach Beendigung der Arbeit fühlte sich der von ihr entwickelte Film nicht mehr so ​​relevant an. Da die Deadline für den Late Night Work Club unmittelbar bevorsteht (der Film war ursprünglich Teil der Strangers-Anthologie des Kollektivs), entschied sie sich für einen neuen Ansatz. "Ich habe versucht, etwas zu finden, das wirklich einfach und in kurzer Zeit handhabbar war. Ich dachte also, eine Figur, eine Einstellung." Der Film enthielt Elemente von Frustration und Erschöpfung aus ihrem täglichen Leben Nach einem Monat Arbeit in der Nacht und am Wochenende ist die Produktion abgeschlossen. "Ich habe das Gefühl, dass ich mit jedem anderen Film, den ich gemacht habe, einfach sterben möchte. Jeder mag "Oh, Sie machen Animation, es muss so lustig sein" und ich mag "Nicht wirklich". Es macht 20% der Zeit Spaß, oder wenn ich an einem Film wie diesem arbeite, kann ich ihn in ein paar Tagen drehen. Meistens ist es ein oder zwei Jahre lang anstrengend. Es ist so emotional, es ist wirklich wie eine Achterbahnfahrt. "

Indem sie den Umfang der Länge und des Konzepts einschränkte, konnte sie sich selbst entlasten, was sie als einen der Gründe dafür ansah, dass es so erfolgreich war (zusätzlich zu ihrer persönlichen Befriedigung). "Das fühlt sich einfach so an, als wäre ich auf dem Bildschirm zu sehen, und ich habe nicht zu viel darüber nachgedacht. Das war befreiend und ein Teil davon, warum ich es genossen habe, es zu machen."

Als erfolgreiche kaufmännische Leiterin findet Lepore eine harmonische Koexistenz zwischen ihrer persönlichen und kommerziellen Arbeit: „Manchmal ist es etwas einfacher, sich nur zurückzulehnen und eine Werbung zu machen oder etwas zu tun, wo sich jemand anders um einen Großteil der Schwergewichte gekümmert hat kreatives Heben. Sie können Ihren Spin drauf legen, Ihr Ding machen, es machen, Geld verdienen und dann können Sie sich wieder entspannen. Und vielleicht etwas Eigenes für kein Geld machen. Ich habe nichts dagegen, ein solches System stört mich nicht. "

Nach seiner explosiven Online-Veröffentlichung eröffnete Lepore einen Shop für Hi-Stranger-Waren.

Song E. Kims Bite of the Tail begann als dreiminütiger Abschlussfilm aus dem CalArts Experimental Animation Program im Jahr 2007. Er wurde sechs Jahre später fertiggestellt und passte zwischen kommerzieller Arbeit und Lebensereignissen. Für Song war es wichtig, die Leidenschaft für das Projekt auch nach einem Jahr Pause aufrechtzuerhalten. "Ich hatte keine wirkliche Angst, dass ich eine Pause machen würde. Ich habe nicht versucht, einen bestimmten Zeitplan oder eine Frist dafür festzulegen. Ich wollte sicherstellen, dass ich in der richtigen Stimmung war, dass ich wirklich daran arbeiten wollte und nicht gestoßen wurde. Wenn ich also nicht daran arbeiten wollte, habe ich nicht daran gearbeitet. Ich habe für Geld gearbeitet. “

Ähnlich wie Lepore war Kim in der Lage, ihre persönliche Praxis erfolgreich von ihrer Geschäftspraxis abzugrenzen und an ihren eigenen Filmen zu arbeiten, ohne Rücksicht auf die Weiterentwicklung ihrer kommerziellen Karriere. "Wenn ich meinen Film mache und ihn als Visitenkarte betrachte, denke ich darüber nach, was andere Leute denken, und das mache ich nicht gern, weil ich dafür nicht bezahlt werde." Also mache ich es einfach für mich. Es ist sehr befreiend und therapeutisch, wenn ich es einfach so mache: "Das ist es, und das ist es, was ich sagen möchte."

Sie sprach auch über die Notwendigkeit, die Art Ihrer Arbeit zu variieren und wie Sie sich nicht nur auf persönliche Projektoren konzentrieren können. "Du willst nicht die ganze Zeit alleine sein. Manchmal ist es gut, in eine Firma zu gehen, die PJs auszuziehen, sich zu schminken, ein normales Leben zu führen, mit Leuten zu sprechen und dann zurück zu kommen und YouTube-Videos anzusehen und ins Bett zu gehen. "

Nach dem Abschluss des Films vor fünf Jahren sagt Kim, dass sie andere Ideen für große Filme hat, aber dass sich ihre Prioritäten verschoben haben, nachdem sie Kinder bekommen haben („absichtlich, nicht zufällig“) - „Ich möchte die Therapie für meine nicht bezahlen Kinder, damit sie darüber sprechen können, dass ihre Mutter nie in der Nähe war, weil sie an einem Film arbeitete. “

David Lewandowskis Going to the Store-Trilogie ist eines der ehrgeizigsten unabhängigen Projekte in der Geschichte des Internets. Nach der Premiere bei einer Channel 101-Vorführung in Los Angeles wurde das Original Going to the Store auf Youtube veröffentlicht und explodierte. Der Kurzfilm ließ sich von Lewandowskis Zeit in der VFX-Branche inspirieren (und von den unheimlichen Renderfehlern, die die hyperrealistische Charakteranimation versehentlich seltsam oder witzig machten). Mit jeder weiteren Folge legte Lewandowski die Messlatte für eines der massivsten albernen Internet-Witzvideos aller Zeiten exponentiell höher. Mit erstaunlichem Produktionswert eskaliert der Witz von einem einzelnen Mann, der durch Los Angeles läuft, zu einer riesigen Menschenmenge, die vor der Küste Japans in den Pazifischen Ozean einwandert.

Lewandowski ging unter den Animatoren, die auf YouTube ein großes Publikum erreichen, einen unkonventionellen Weg. Vermeiden Sie den Personenkult, der normalerweise mit dem Laufen eines beliebten Kanals einhergeht, halten Sie die Zeitachse der Produktion geheim und wählen Sie, kein Profilbild hochzuladen (stattdessen bleiben Sie beim sich entwickelnden Standardsymbol, derzeit ein lila Kreis mit einem großen 'D'). Es gibt einen deutlichen Mangel an Kontext um die Filme herum, der sich für die Direktheit des Humors anbietet.

Zum dritten Mal für Sushi brachte Lewandowski eine Online-Boutique mit handwerklichen Artikeln zum Gedenken an die Serie heraus (auf der Website www.goingtothe.store), darunter Kissen in Originalgröße und ein Premium-Schachspiel im Wert von 90.000 US-Dollar. Wie der Text im Geschäft erklärt: "Ich habe dies von Anfang an nicht geplant. Tatsächlich habe ich mich bei dieser Serie immer ausgesprochen anti-kommerziell gefühlt." Mit dem Zusammenbruch der YouTube-Werbewirtschaft Anfang 2017 durch die Werbekrise haben sich die Optionen für Filmemacher wie mich jedoch schnell geändert. “Ebenfalls im Store erhältlich ist das Buch„ Youtube Inbox “, das einen seltenen Einblick in die sich schnell entwickelnden Erfahrungen von gibt Online ein riesiges Video veröffentlichen, vom Standard-Fan-Lob über Diskussionen über faire Verwendung bis hin zu unzähligen Internet-Video-Zwischenhändlern, die sich wie hungrige Geier um die Popularität kreisen.

In einer E-Mail-Konversation, in der die Schwierigkeiten bei der Schaffung eines derart hohen Produktionswerts umrissen wurden, erklärte Lewadowski die Gründe für das Erstellen von Filmen auf diese Weise. "Die einzige Rechtfertigung für selbständiges Arbeiten, die ich anbieten kann, ist das Streben nach kompromisslosem künstlerischem Ausdruck und die tiefe Befriedigung der Kommunikation über Kunst."

Vincent Tsui drehte das Musikvideo Opal Waltz in der Nacht und am Wochenende im Laufe eines Jahres, während er Vollzeit bei Buck arbeitete. Das Projekt begann, als sich zwei Musikerfreunde über ein neues Musikvideo informierten. Leider gab es kein Budget für das Video, aber Vincent war aufgeregt über den Song und beschloss, das Video trotzdem zu drehen.

Obwohl er sich jetzt auf einen Comic konzentriert, betrachtet Tsui den Kurzfilm als das perfekte Format für einen einzelnen Künstler, der animierte Werke schafft (ein Gefühl, das von anderen auf dem Panel wiederholt wurde). „In der Animation ist die Kurzform der einfachste Weg, einen Film zu machen. Sie könnten einen Spielfilm machen, aber es würde ewig dauern. Momentan scheint der Kurzfilm das einzige Format zu sein, mit dem visuell oder konzeptuell experimentiert werden kann. “

Im Jahr 2015 veröffentlichte David OReilly eine Reihe von Filmen, darunter das später von Sundance ausgewählte The Horse Raised by Spheres, auf einer experimentellen, interaktiven Website, die alle Filme in einem durchgehenden Tunnel zusammenfügte. Zwischen jedem Film wurde eine Erzählung ausgeblendet, in der der Benutzer Nachrichten von einem Computer eingeben konnte, der sich seiner selbst bewusst wurde. Der Roll-out wurde durch einen kryptischen Instagram-Post angekündigt, in dem eine lange, scheinbar zufällige Folge von Zahlen mit einer ".com" -Webadresse angezeigt wird (die ursprüngliche Site 109645790437692847650.com wurde seitdem entfernt, zusammen mit dem Instagram-Post mit der URL, aber Viele der einzelnen Kurzfilme sind auf OReillys YouTube-Konto verfügbar (auf seiner Website ist auch vermerkt, dass einige der Kurzfilme später von YouTube entfernt wurden).

Ein Beispiel für das interaktive narrative Stitching von 109645790437692847650.com

OReilly ist in seiner Karriere große Risiken eingegangen, da seine ehrgeizigsten Projekte vollständig aus Eigenmitteln finanziert wurden. In einem kürzlich auf dem Bit Bang Festival in Buenos Aires geführten Interview sagte OReilly: "In Bezug auf meine unabhängige Arbeit war ich für diese Projekte nie auf jemanden angewiesen, der Geld verdient." Vielleicht hätte ich es auch tun können, aber es wäre nicht dasselbe, weil ich denke, dass ich etwas wirklich Neues tun möchte. Nur sehr wenige Leute werden verstehen, was Sie tun. Sie werden es verstehen, wenn es fertig ist, aber sie werden es vorher nicht verstehen. Es ist also sehr schwierig, Dinge zu finanzieren, an denen Sie sehr interessiert sind, wenn es keinen Präzedenzfall dafür gibt. "

Seit der Veröffentlichung dieser Filme hat OReilly seine Aufmerksamkeit auf Spiele gerichtet, zuletzt mit Everything.

Nach seinem Abschluss an der Rhode Island School of Design im Jahr 2016 kehrte Conner Griffith nach Los Angeles zurück. Nachdem Griffith gerade zwei Filme fertiggestellt hatte, in denen Foto- und Videoquellen zum formellen Abspielen verwendet wurden, beschloss er, diesen experimentellen Gedankengang fortzusetzen, indem er neues Quellenmaterial sammelte (und gleichzeitig nach einem Job suchte). Mit dem Interesse an Zeitverschiebung, Schlitzabtastung und Ein-Punkt-Perspektive begann er, sich in Hotels zu schleichen und zu schießen. "Ich habe es nicht wirklich als Film gesehen, als ich es drehte. Es war eher so, als würde ich versuchen zu sehen, ob ich das Ding zum Laufen bringen kann und ich wusste nicht wirklich, was ich bekommen würde oder wie lange es dauern würde. "

Griffith hat es geschafft, seine Arbeit fortzusetzen, indem er seine Ziele einfach und spielerisch gehalten hat.

Joe Bennett ist einer der produktivsten unabhängigen Trickfilmzeichner, die heute ständig neue Kurzfilme veröffentlichen. From God’s Mouth To Your Ears begann, als ein Freund ihm eine 30-minütige unbearbeitete Feldaufnahme eines Mannes schickte, der an einer Bushaltestelle sprach. Er reduzierte den Ton auf die aktuelle Form und wandte sich an den in Pennsylvania lebenden Trickfilmzeichner Charles Huettner (Huettner animierte die Szenen mit den Aufsichtsbeamten). Die beiden arbeiteten später an den Kurzfilmen Scavengers for Adult Swim zusammen.

Bennett beschreibt die kreative Reinheit, die mit diesen persönlichen Projekten verbunden ist: "Ich fühle mich als Künstler, wenn Sie in der Lage sind, etwas mit nichts und für niemanden außer sich selbst zu machen, ein paar Dinge. Wenn Sie aus der Geschäftswelt entfernt sind, können Sie Ihre Entwicklung klar als einzelner Künstler erkennen, der von allen Trends und allem entfernt ist. Genau das, was Sie schaffen können, bewegt Sie im Moment. Für mich ist es der reinste Ansatz. Es hat vielleicht nicht den gleichen Glanz wie ein Werbespot, aber es verkörpert Sie besser als alles andere. “

Inspiriert von dem Zitat von General Patton, dass „ein guter Plan, der jetzt gewaltsam ausgeführt wird, besser ist als ein perfekter Plan, der nächste Woche ausgeführt wird“, betont Bennett auch die Tugend, alle von ihm gestarteten Projekte abzuschließen. „Wenn ich mich hinsetze und etwas von Anfang bis Ende selbst mache, verbessere ich mich als Geschichtenerzähler. Ich beweise mir immer wieder, dass ich es schaffen und beenden kann, auch wenn es sich um kleine Projekte handelt. Das bedeutet mir mehr als alles andere. “

Im ständigen Gespräch über Nachhaltigkeit als unabhängiger Animator warf Bennett kürzlich seinen Hut in den Ring und begann, seine Sticker-Packs „Creative Review“ zu verkaufen, die sich perfekt für die passive und aggressive Kommunikation mit anderen Kreativen eignen.

Allison Schulnik pflegt ihre Filmpraxis als Teil eines breiteren, hybriden Ansatzes für das Kunstmachen. Nachdem Schulnik sich als bildende Künstlerin etabliert hatte und weltweit erfolgreiche Galerieshows gezeigt hatte, veröffentlichte sie Stop-Motion-Videos, in denen Ton in dicken, sich bewegenden Stücken verwendet wird, wie bewegte Versionen der texturalen Pinselstriche in ihren Gemälden. Obwohl die beiden Werke formal in leicht unterschiedlichen Ausstellungsformaten (Festivals vs. Galerien) vorliegen, beschreibt Schulnik sie als konzeptionell in einem operierend. „Ich denke, alle meine Arbeiten existieren im selben Bereich. Auch wenn sich etwas bewegt und ein anderer still ist. Etwas ist Lehm und ein anderes ist Papier. Alles befindet sich in derselben Welt. Die Leute scheinen meine Arbeit als einen Körper zu betrachten, aber ich kann nicht sicher sein, Erzählungen und Figuren wandern von einem Medium zum anderen und hören wirklich nicht auf, sich zu bewegen, egal aus welchem ​​Material sie bestehen. Ich bin mir sicher, dass manche Dinge in manchen Menschen mehr versinken als in anderen. Ich versuche nur, ehrliche Arbeit zu leisten. “Die Balance zwischen beiden Karrieren hat es Schulnik auch ermöglicht, ehrgeizige und schöne Filme ohne die materiellen Bedenken eines Animators zu drehen, dessen einzige Ausgabe Kurzfilme sind.

Obwohl der Großteil der Arbeit in der Vorführung in den letzten Jahren entstanden ist, schien es unerlässlich, ein Stück von Sally Cruikshank aufzunehmen, das einen wegweisenden Einfluss auf eine zukünftige Generation unabhängiger Trickfilmzeichner hatte. Face Like a Frog fühlte sich wie ein emblematisches Stück aus dieser Zeit an, voller intuitiver Freude und Überschwang und einer Zusammenarbeit mit dem Komponisten Danny Elfman. Rückblickend mit rosafarbenen Gläsern schien die Animationsszene in Los Angeles in den 1980er Jahren ein fruchtbarer Boden für eine innovative Generation, die erwachsen wurde und kommerzielle Arbeiten schuf, die sich originell und aufregend anfühlten, wobei viele dieser Animatoren ihre lange, erfolgreiche Karriere fortsetzten . Aber wie Cruikshank es beschreibt, könnte sich die Szene genauso isolierend und industriefokussiert anfühlen wie heute. "Ich war so wenig in eine unabhängige Animations-Community involviert. Als ich in der Bay Area lebte und an meinen Filmen arbeitete, gab es noch nicht viele andere Leute, und LA wurde so stark von dem Studiosystem dominiert, in dem von Frauen erwartet wurde, dass sie Tinte und Farbe machen. "

Zu dieser Zeit fanden unabhängige Animatoren analoge Lösungen für den Vertrieb und die Vermarktung ihrer Arbeit. „In den 70er Jahren fanden die wenigen, die unabhängige Animationen in den USA machten, einen Markt, auf dem Drucke an Bibliotheken verkauft und Gespräche mit Filmvorführungen in Museen, Bibliotheken und Filmgesellschaften geführt wurden. Du würdest wie eine Roadshow auf Tour gehen und an jeder Haltestelle bezahlen - Animator-Version von Vaudeville. "

In einem Interview mit Art of the Title beschreibt Cruikshank auch die Schwierigkeit, in einem vordigitalen Zeitalter Arbeiten zu produzieren, was ihre Arbeit umso bemerkenswerter macht. „Der Animationsprozess war so arbeitsintensiv und mühsam. Es war irgendwie phänomenal schwierig. Wirklich schwer, wenn Sie ganz auf sich allein gestellt wären. Ich habe viele Freunde engagiert, um Cels zu malen. Man musste nur um einen Gefallen bitten. Alle waren so arm! “Cruikshank schaffte es, mit einer unübertroffenen Freude und Energie ein Werk zu produzieren, das kreative kommerzielle Arbeit mit unabhängigen Shorts geschickt in Einklang brachte. Später machte sie den Umstieg auf Digital und erstellte weiterhin Animationen in Flash auf ihrer Website.

Die Produktionssaga zu Kangmin Kims Deer Flower schließt den Diskussionskreis mit Höhen und Tiefen und einer gewissen Art von Erlösung. Es beginnt damit, dass Kim nach ihrem Abschluss in die Bay Area zieht, um einen Vollzeitjob in einem neuen und aufregenden Stop-Motion-Studio zu übernehmen. Einige Monate später wurde das Studio geschlossen und Kim musste nach Korea zurückkehren. Mit dem Gefühl, auf einem Tiefpunkt zu sein, beschloss er, eine neue Short zu entwickeln. Er beantragte und erhielt ein Stipendium in Höhe von 40.000 US-Dollar, um den Film zu drehen. Aber es gab eine Einschränkung: Wenn er den Film nicht in einem Jahr fertig stellen würde, müsste er das ganze Geld zurückgeben. Nachdem er den Film in der Vorproduktion entwickelt hatte, kehrte er nach Los Angeles zurück, um ein intensives 4-wöchiges Produktionsshooting im legendären Studio von Chiodo Brothers (berühmt für seine bahnbrechende Stop-Motion-Arbeit und berüchtigt als Regisseur des Kultklassikers Killer Klowns aus Los Angeles) zu drehen Weltraum). Der Film wurde pünktlich fertiggestellt und beim Sundance Film Festival 2016 uraufgeführt.

Das Gefühl, dass Ihre persönlichen Filme Sie besser darstellen können als Sie sich selbst, wurde zu einem fortlaufenden Thema der Diskussion. Wie Kim beschreibt: "Wenn jemand fragt:" Hey, was machst du? ", Sage ich:" Das mache ich, schau es dir an. "Ich habe ein ernstes Sprachproblem, aber mein Kurzfilm erklärt alles über mich."

Obwohl er die Produktion als "Albtraum" bezeichnete und schwor, "das mache ich nie wieder", hat Kim bereits einen neuen Kurzfilm fertiggestellt, eine Fortsetzung seines vorherigen Films mit dem Titel JEOM (38–39 ° C), der in Zusammenarbeit mit dem stop motion studio Öffnen Sie das Portal.

Während der Diskussion war ich überrascht über den Konsens darüber, wie jeder der Filmemacher seine Filme betrachtete. Für die Regisseure, die eine erfolgreiche kaufmännische Laufbahn eingeschlagen hatten, erwartete ich, dass der praktische Nutzen dieser Stücke als Visitenkarte stärker betont werden sollte, aber ein einheitlicher Ton im gesamten Gremium war, dass diese Stücke für sich selbst existieren sollten. Andernfalls würde ein Teil ihrer künstlerischen Integrität beeinträchtigt.

Ich habe aufstrebende Plattformen im Internet (wie Patreon oder Kickstarter) vorgestellt, um Künstlern einen Weg zu eigenständiger Nachhaltigkeit zu bieten. Dies wurde als etwas von geringem Interesse abgelehnt, dass es zu viel Konzentration auf die persönliche Arbeit erfordern würde, was ungesund ist. Das nachhaltige Modell, das im Gespräch immer wieder aufkam, basierte auf dem Verständnis, dass Sie Ihre persönlichen Projekte mit kommerziellen Projekten in Einklang bringen und dies der beste Weg ist, damit es funktioniert und vernünftig bleibt.

Eine weitere Gemeinsamkeit bestand darin, dass jedes Projekt, ohne einen bedeutenden wirtschaftlichen Antrieb für die Herstellung eines unabhängigen Kurzfilms, von der Einzelperson vorangetrieben werden musste, und dass es selten äußere Kräfte oder Anreize gab, um diese Filme bis zur Fertigstellung durchzusetzen.

Trotz der Horrorgeschichten in der Produktion war der allgemeine Ton des Gesprächs auch überraschend optimistisch, wie wichtig es ist, auf diese Weise Shorts zu machen. Man war sich einig, dass der Druck der kommerziellen Produktion die Arbeit grundlegend verändert und dass es sich bei jedem dieser Projekte, das unter größerem finanziellen Druck steht, einfach um andere Filme handelt. Dies führte zu dem roten Faden der Nacht, dass diese Filme als Repräsentation von Ihnen, Ihren Interessen und Ihrer Persönlichkeit am aussagekräftigsten sind. Zu versuchen, das außerhalb seiner selbst zu qualifizieren, erscheint sinnlos und ist die ultimative Rechtfertigung für diese Art von Arbeit. Dies könnte erklären, warum das Drehen eines persönlichen Films sich wie ein Albtraum anfühlen kann. Es ist der gleiche Albtraum, als würde man sich im Spiegel ansehen und laut sagen: "Ich bin wichtig."

Letztendlich bin ich nur ein großer Fan dieser Filmemacher und ihrer Filme und war begeistert, ihre brillante Arbeit zu zeigen und öffentlich zu sagen: "Es war den Kampf wert und ich bin wirklich froh, dass es diese Filme gibt!"

Das Panel, Foto von Hae-Joon Lee

Vielen Dank an Jeanette Bonds, die dieses Screening ermöglicht und diesen Artikel unterstützt hat. Schauen Sie sich GLAS Animation für weitere aufregende Events in Los Angeles und unser jährliches Festival in Berkeley an.

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