Veröffentlicht am 30-05-2019

Ins Mythische mit Rebecca Farrs Tierliebe

bei Klowden Mann (bis 15. Juni) Bewertet von Ellen C. Caldwell

Als ich im November 2016 über Rebecca Farrs vierte Einzelausstellung schrieb, sagte ich, es sei alles. Ich sah die Show unmittelbar nach den Präsidentschaftswahlen 2016 und Farrs Show schuf eine pflegende Umarmung und einen Ort für die Suche nach Seelen und Nationen. In ihrer fünften Einzelausstellung bei Klowden Mann, Animal Love Thyself, fühlt sich Farrs Ausstellung wieder wie alles an, was wir in einer Zeit brauchen, die inmitten von Trumps Präsidentschaft, inmitten von #MeToo und #TimesUp und in einer Zeit, die immer widriger wird die Rechte von Menschen, die nicht hetero, cis, weiße Männer sind

Farrs Multimedia-Show besteht aus großen verputzten Möbeln und anderen Haushaltsgegenständen, Ölgemälden auf Holz und Leinwand sowie Keramikskulpturen. Mit ehrgeizigen Zielen macht sich Farr daran, biblische Geschichten und Ursprungsmythen aufzubrechen und zu befragen, die entweder den Körper und das Weibliche als zweitrangig und unnötig gewirkt oder in einigen Fällen sogar ausgestoßen haben. Aus der Pressemitteilung der Show geht hervor, dass "Farr die Momente untersucht hat, in denen der Körper aufgefordert wird, sich als Akt der spirituellen Entwicklung aufzugeben, und ein integratives Heilmittel für eine alte Wunde darstellt."

Farr teilt die Galerie in verschiedene Räume mit jeweils einer übergreifenden Geschichte und einem übergreifenden Thema auf und verwendet ihre gemischten Medien, um durchgehend einheimische Trennlinien zu schaffen. Beim Betreten werden die Besucher von einem Gipsgarten mit Tieren auf dem Boden (hergestellt aus verputzten Stofftieren) begrüßt, der treffend als Tiergruß bezeichnet wird. Es sieht so aus, als hätte Farr die Tiere großzügig in Gips getaucht, damit sie rund, kugelförmig und einladend sind. Wenn Sie genau hinsehen, bemerken Sie Dinge, die auf das übergeordnete Thema der Ausstellung hinweisen, wie einen größeren Hund in einer Umarmung mit einem kleineren auf dem Schoß, eine fast animalische Hommage an Michelangelo Buonarrotis Pietà, die darauf hindeutet, dass die Jungfrau Maria eine Christusfigur hält in seinem Schoß.

Die Tiere versammeln sich in diesem Garten, in der Nähe von hängenden Keramikgeflechten an der Wand, und einem wunderschönen Gemälde, das sowohl Farrs Stil im Allgemeinen als auch diese Show im Besonderen widerspiegelt. Dieses Werk, Promised Land I, knüpft an alle Farben und Gefühle der Show an und heißt die Zuschauer willkommen, in die jüdisch-christliche Geschichte der Vertreibung von Adam und Eva aus Eden einzutreten. In einer wohnzimmerähnlichen Umgebung weisen eine vergipste Lampe und ein Tisch darauf hin, dass Adam und Eva gleichzeitig anwesend und abwesend sind. Ist dies der Garten, aus dem sie vertrieben wurden, oder ist dies der häusliche Raum, den sie durch Vertreibung geerbt haben? Beide Optionen fühlen sich leer und hohl an, aber auch mit der Andeutung von Heiligkeit.

Versprechen Land I

Während der gesamten Show gibt es ganz besondere Momente, in denen der Zuschauer sich persönlich und poetisch mit den von Farr geschaffenen Arbeits- und Wohnräumen auseinandersetzen muss. Farr betritt die Galerie und widmet einen Bereich der Krönung der Jungfrau Maria. Dies ist ein gewaltiges Projekt, um den weiblichen Körper und seine schöpferische Kraft zurückzugewinnen und so diese Rückeroberung in neue Mythologien umzuschreiben, aber Farr tut dies auf sanfteste und subtilste Weise.

In dem Moment, als sie merkte, dass sie ein Mädchen war

Marys Schminktisch erwartet uns, ein verputzter Mädchentisch mit organischen Keramikwerkzeugen, die auf männliche und weibliche Geschlechtsorgane hinweisen. Alleine anhand dieser Tabelle werden die Zuschauer gebeten, über die Rolle Marias bei dieser Jungfrauengeburt nachzudenken. Farr gibt ihr die Kraft der Fruchtbarkeit, der Geburt, des Lebens und der Schöpfung zurück. Um die Ecke stehen wir vor einer verputzten Chaiselongue mit einer Keramikkrone, die auf Marys Ankleideraum ruht. Darüber hängen auch Gemälde, darunter einer der figurativeren Vorschläge von Mary mit dem Titel Der Moment, als sie realisierte, dass sie ein Mädchen war. Diese Arbeit ließ mich nach Luft schnappen und atmete erleichtert auf, als ich sie sah. Es ist jetzt wieder alles für diesen Moment.

In dem Werk, das sich aus gedämpften Blau- und Rottönen zusammensetzt, trägt Mary ihre Krone, die in diesem Fall wie auf dem Wagen tatsächlich eine Beckenkrone ist. So dekonstruiert und rekonstruiert Farr immer wieder die biblischen Darstellungen Mariens, um ihre reproduktiven Rechte, ihre Wahl und ihre ursprüngliche Schöpfung zu belohnen.

Marys Hände halten ihre Gebärmutter und ihren Beckenbereich kraftvoll, während ihre inneren Organe in einem hellen, rötlich-rosa Farbton durchscheinen, was auf die Verwirrung von Macht, Privilegien, Verwirrung und Fluchen hinweist, die junge Frauen in der Pubertät durch die Ankunft ihrer Perioden erfahren. Dies ist ein stiller, nachdenklicher und schrecklicher Moment, auf den sich wahrscheinlich viele Frauen beziehen können, da Mary das Gefühl hat, alles Leben in sich zu haben und auch ohne sie. Dies ist der Moment, in dem Mädchen erkennen, was es bedeutet, eine Frau in dieser Gesellschaft zu sein. Was es bedeutet, die Kraft und den Schmerz des Lebens zu bewahren und gleichzeitig das entmenschlichte Objekt des Blicks zu sein. Es geht um die Dinge, die wir tragen und erben, und die Dinge, die wir ablehnen sollten. Farrs Arbeit ist eine Erkundung dessen, was es bedeutet, ein Mädchen und später eine Frau in der westlichen Welt zu sein, durch Kunst, Kultur und Geschichtenerzählen. Was macht es dann, wenn Farr eine Geschichte nacherzählt, in der Maria traditionell nur als zu füllendes Gefäß oder als zu beanspruchender Mutterleib betrachtet wird und sie stattdessen zur sexuellen Schöpferin des Lebens und selbst zur Gottheit wird?

In Farrs Worten reduziert sich Mary "darauf, nur ein gefügiges Gefäß zu sein, ohne irdisches Vergnügen, Macht oder Verlangen - nur ein williges offenes Gefäß, weich und sanft, das den Kopf ständig beugt." Für mich ist dies eine der dramatischsten Wunden in der Bibel. Für Frauen, aber ich fühle für die Menschheit im Allgemeinen. Indem sie die Kraft des Weiblichen als Mitschöpferin des Lebens und Generators in ihrem Körper auflöst, indem sie ihr Verlangen und die Kraft ihres Beckens als Sitz unglaublicher Kraft nimmt, werden so viele Aspekte der menschlichen Erfahrung reduziert und erniedrigt. Sex von ihr (von uns allen) zu nehmen und sie in den Himmel zu heben, als die Königin des Himmels sich direkt damit verbunden fühlt, warum Wale sterben und Öl aus dem Boden gesaugt wird. Das Heilige wird von diesem Moment an nicht mehr im Physischen gesehen. “

SchädelSchlafen erwachen

In einem New Yorker Interview 2015 mit Jill Soloway, der Autorin und Regisseurin von Dick and Transparent, spricht Ariel Levy über Soloways kreative Rolle als Regisseur. Soloway erklärt, wie Frauen „von Natur aus dazu geeignet sind, Regisseure zu sein“, weil sie sich als Kinder dem Erzählen und Erzählen von Geschichten verschrieben haben. Sie fahren fort: „Wir alle wissen, wie es geht. Wir sind verdammt nochmal damit aufgewachsen! Es sind Puppen. Wie haben uns Männer dazu gebracht, zu glauben, dass wir darin nicht gut sind? Es sind Puppen und Gefühle. Und Frauen kämpfen, um Regisseure zu werden? Was zum Teufel ist passiert? “In Animal Love Thyself stellt Farr uns dieselben Fragen, nur dass sie älter sind. Wie um alles in der Welt haben die Menschen den Menschen als Schöpfer des Lebens in den ältesten biblischen Geschichten und Ursprungsmythen umgestaltet? Waren Männer so bedroht und eifersüchtig auf die Macht, die Frauen symbolisch in ihren Händen hielten, wie in dem Moment, in dem sie realisierte, dass sie ein Mädchen war, dass sie diese Urgeschichte mit Männern als Schöpfern umschrieben?

Das letzte Abendmahl

Farr beschreibt diese Arbeit als „Sieg und Gebet für einen neuen Weg. Ich glaube, wir stehen am Rande neuer Geschichten. Dieses Gemälde birgt sowohl die Erinnerung an dieses Trauma als auch den Keim für einen neuen Weg, das Potenzial für einen neuen Mythos. “

Von Marias Zimmern aus betreten die Besucher den Raum des Letzten Abendmahls. Ein großer Tisch mit Keramikgedecken begrüßt uns, und dreizehn Paar Fußabdrücke aus Keramik stehen am Boden und fordern den Betrachter leise auf, sich dahinter zu stellen und auf die Gemälde auf der anderen Seite des Tisches zu schauen. Diese Arbeiten überdenken das berühmte Thema und die Bilder des Letzten Abendmahls. Farrs Gemälde sind eine Umschreibung der großen (Männer) der Kunstgeschichte. Gemälde und Motive erinnern ein wenig an jene Maler, die Farr zu dieser Zeit studierte, wie Goya, Velasquez, Rembrandt, Tizian, Speck, Auerbach, Freud, Doig und Turner. (Sie sagt über diesen Prozess, dass sie "nicht wollte, dass etwas zu stark mit einem bestimmten Werk in Verbindung gebracht wird", sondern dass "die alten Meister eine Marinade waren".)

Fest 1

Farrs Werke sind in der Tat eine neue und frische Interpretation dieser früheren Werke. In Feast I schlägt sie ein Thema des Letzten Abendmahls anhand vertrauter Tabelleneinstellungen und -winkel vor, präsentiert jedoch eine Orgie von Beinen und Körpern, die auf ursprünglichere, natürlichere und sexuellere Weise zusammenkommen und sowohl das Tier als auch das Tier wieder willkommen heißen weiblich zurück in diese Geschichten. In der Pressemitteilung der Ausstellung heißt es: „Farr inszeniert Installationen im gesamten Galerieraum, die den Betrachter einladen, gemeinsam mit ihr die grundlegende westliche Investition in die Dualität von Geist und Körper sowie die Vertreibung des Tieres und des Weiblichen vom Sitz aus rituell zu korrigieren des Bewusstseins. ”Dies ist wirklich einer dieser großen Momente in der Show.

Und die Keramikabdrücke sind diejenigen, auf die ich immer wieder zurückkam. Sie winkten mich leise.

Etwas an ihren gespenstischen Vorschlägen der Apostel war bewegend und einladend. Einerseits fühlte es sich an wie die Beschwörung einer jenseitigen Präsenz, und andererseits fühlte es sich an wie eine Einladung, bereit zu sein und meinen Platz am Tisch einzunehmen. Hier ruhen diese Abdrücke auf dem Boden, als wären Füße aller Größen und Stärken in erdigen feuchten Ton getreten und hätten die unvollkommenen Muscheln und Formen ihrer Füße zurückgelassen. Sie scheinen als Anweisung zu wirken, nicht nur die Bilder vor uns anzusehen, sondern auch nach innen, wie in Selbstreflexion I, wo Farr Mary als kindlichen, fast geschlechtslosen Buddha malt, der in uns allen wohnt und sich selbst mehr sieht wirklich durch eine Überlegung. Diese Fußabdrücke sind auch eine willkommene Einladung, diese Ideale unabhängig von der eigenen religiösen Überzeugung zu verkörpern und sich an diesen Tisch zu setzen, dessen Religion sich im Laufe der Geschichte so sehr gewendet hat (und immer noch wendet). Es ist eine umfassendere Begrüßung sowohl für Maria als auch für ihr vollständiges, wahres Selbst und für alle Ausreißer aller Geschlechter und Sexualitäten. Es ist ein Aufruf und eine Einladung, sich an diesen einstmals restriktiven Tisch mit biblischen Ausmaßen und dem exklusiven westlichen Kanon der Kunstgeschichte, Pathologie und Mythologie zu setzen.

Durch ihr letztes Abendmahl macht Farr Platz für uns alle.

Selbstreflexion I, II & II

Animal Love Thyself ist bis zum 15. Juni in Klowden Mann (Culver City, CA) mit einem Künstlergespräch am Samstag, dem 1. Juni, um 16:00 Uhr. Rebecca Farr (* 1973 in Glendale, Kalifornien) ist im pazifischen Nordwesten aufgewachsen und lebt und arbeitet in Los Angeles. Sie hat in Los Angeles bei Klowden Mann, Five Car Garage, Maiden LA, ForYourArt und PØST, in Seattle bei der Jacob Lawrence Gallery, der SAW Gallery und dem Velocity Studio ausgestellt sowie auf mehreren Kunstmessen in den Vereinigten Staaten.

@ riotmaterialriotmaterial.com

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