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Veröffentlicht am 30-05-2019
Caillebottes Die Orangenbäume

Es ist nicht zu leugnen, dass diese Erfahrung dem Betrachter beim Betrachten eines Kunstwerks unweigerlich ein großes ästhetisches Vergnügen bereitet und es ihm auch ermöglicht, kritisches Denken in demselben Ausmaß zu entwickeln, wie es die exakten Wissenschaften tun. Dennoch können nicht alle Kunstwerke einen tiefgreifenden positiven Einfluss auf ihre Betrachter haben. Gustave Caillebottes The Orange Trees ist ein gutes Beispiel für ein Gemälde, das die technische Perfektion des Künstlers mit einer wichtigen Botschaft an das Publikum verbindet. In diesem Papier wird das Kunstwerk daher detailliert und aus verschiedenen Perspektiven untersucht.

Zunächst ist es von größter Wichtigkeit, den ersten Eindruck des Gemäldes sehr detailliert zu beschreiben, ohne auf seine Beschriftung zu achten. Tatsächlich besteht eine der Hauptfunktionen der Kunst darin, die unbewussten Wünsche, Träume oder sogar Ängste der Menschen zu reflektieren und ihnen so die Möglichkeit zur Selbstbeobachtung zu geben. Wahrscheinlich fällt einem beim Betrachten dieses Kunstwerks als Erstes die Unmöglichkeit ein, die Gefühle der porträtierten Frau in Bezug auf Einsamkeit und Melancholie nicht zu teilen. Offensichtlich ist der Grund für ihre Einsamkeit der Mann, der auf einem Metallgestellstuhl sitzt und sein Buch liest. Ihre Ehe scheint unglücklich zu sein. Seine Lektüre ist eindringlich und lässt ihm keine Chance, über seine Frau und ihre Gefühle nachzudenken. Die Figur der Frau ist schattiert und steht daher in scharfem Kontrast zu einer Vielzahl heller Farben, die die meisten Teile der Leinwand einnehmen. Vielleicht lässt der Autor des Gemäldes den Betrachter die Szene durch die Augen des Mannes sehen, für den seine Frau fast unsichtbar bleibt, während ihn die Außenwelt immer noch mit ihrer Helligkeit und dauerhaften Blüte fasziniert. Mit anderen Worten, die Szene innerhalb der Leinwand kann die Unmöglichkeit für die Frau aufzeigen, eine glückliche Frau zu werden, und das Kunstwerk inspiriert den Betrachter daher zum tiefen Nachdenken.

Das Etikett unterhalb des Gemäldes bietet jedoch eine kurze Beschreibung der wichtigsten Facetten des Kunstwerks und ermöglicht es so, die Beobachtungen des Betrachters objektiver zu gestalten. Der Künstler heißt Gustave Caillebotte und sein Ölgemälde gilt als klassisches impressionistisches Kunstwerk. Das Stück wurde 1878 hergestellt und zeigt den Bruder des Künstlers Martial und ihren jungen Cousin Zoé im Schatten der Orangenbäume. Es ist in erster Linie eine häusliche und familiäre Szene, die in einem Garten in der Familienvilla festgehalten wird. Aus technischer Sicht bezieht sich einer der wichtigsten Aspekte des Kunstwerks auf das Zusammenspiel des Künstlers zwischen den kühlen Farben des Schattens und den blendenden Effekten des Sommersonnenlichts (Caillebotte, 1878).

Offensichtlich widerspricht die ursprüngliche Prämisse des Kunstwerks somit dem möglichen ersten Eindruck des Betrachters. In Wahrheit zeigt das Gemälde etwas Gewöhnliches, die Figuren des Bruders des Künstlers und ihres Cousins, die die Atmosphäre des Sommertages genießen. Es ist nicht zu leugnen, dass sie introspektiv und passiv bleiben. Der Mann sitzt in einem Terrassenstuhl mit Metallgestell und scheint in sein Buch vertieft zu sein. Für die Frau, deren Aussehen elegant genug ist, dient der Schatten eines der Orangenbäume als Gelegenheit, sich vor der hellen und heißen Sonne zu verstecken. Der abgebildete Hund hat weniger Glück und schläft auf einem geschwungenen Pfad direkt unter dem Sommersonnenlicht. Das Thema des Kunstwerks entspricht den Prinzipien des Realismus, da es eine Szene aus dem Alltag und den Freizeitaktivitäten der Menschen darstellt (Sayre, 2015). Darüber hinaus scheint es, als würde der Künstler einen flüchtigen Moment perfekt einfangen, dessen Harmonie und Friedlichkeit in einem Moment gestört werden kann.

Es ist auch wichtig, den chronologischen Rahmen des Gemäldes zu beachten. Interessanterweise entstand dieses besondere Werk zwei Jahre nach Caillebottes berühmtem Portrait in the Countryside (Marrinan, 2017). Der Betrachter kann die Ähnlichkeit zwischen den Stücken leicht erkennen, da beide Gemälde die Atmosphäre des Landguts der Familie darstellen und als Experiment des Künstlers in der Freilichtmalerei angesehen werden. Der Hauptunterschied zwischen den beiden Werken besteht jedoch darin, dass der Betrachter in The Orange Trees das Haus nicht sieht, sondern sich auf einen Garten, einen Terrassentisch, Stühle und einen geschwungenen Pfad konzentriert und alle diese Elemente und Einzelteile harmonisch kombiniert erscheinen aufgrund von Caillebottes einheitlicher Vision (Marrinan, 2017). Kurz gesagt fungiert das Gemälde auch als wichtiger Schritt für das Wachstum von Caillebotte als Künstler.

Obwohl Kunst als Spiegel der einzigartigen und unverwechselbaren Erfahrung und Spiritualität der Menschen dient, ist es auch von großer Bedeutung, sich auf das Gegenteil zu konzentrieren und Caillebottes Kunstwerk als objektiven Betrachter zu analysieren. Offensichtlich ist das Gemälde ein gegenständliches Kunstwerk, da der Künstler die Objekte und Figuren auf natürliche Weise in erkennbarer Form wiedergibt (Sayre, 2015). In dieser besonderen Arbeit verwischt Caillebotte fast die Grenze zwischen den Kanonen des Impressionismus und des Realismus. Tatsächlich sind die Pinselstriche des Künstlers nicht breit, sondern kurz und skizzenhaft, und die Figur der Frau ist unscharf dargestellt, während die Metallrahmenstühle im Vordergrund des Gemäldes viel schärfer dargestellt sind. Es ist auch bemerkenswert, dass das Beschneiden der Bäume durch die Kunst der Fotografie inspiriert werden kann. Mit anderen Worten, Caillebottes Kunstwerk ähnelt realen Dingen in der realen und objektiven Welt, und die künstlerische Sprache des Malers kombiniert die Techniken und Prinzipien von Impressionismus und Realismus.

Die Linien des Malers sind impliziert, da es innerhalb der Leinwand keine sichtbaren Markierungen gibt, die einen Punkt mit einem anderen verbinden - der Betrachter kann diese Verbindung jedoch visuell vorschlagen (Sayre, 2015). Interessanterweise bietet diese Illusion Caillebotte die Möglichkeit, eine beeindruckende Umgebung für den Betrachter zu schaffen. Um den Betrachter in den dargestellten dreidimensionalen Raum auf einer zweidimensionalen Oberfläche einzubeziehen, verwendet der Künstler außerdem ein Einpunkt-Perspektivensystem und eine diagonale Rezession von der linken unteren zur rechten oberen Seite der Leinwand (Sayre , 2015). Kurz gesagt, die Verwendung impliziter Linien und vor allem seine Ein-Punkt-Perspektive ermöglichen es Caillebotte, das Gemälde für den Betrachter verständlicher und glaubwürdiger zu machen.

Eine weitere entscheidende Facette des Kunstwerks sind die Farben und Lichteffekte. Laut Michael Marrinan (2017) hat Caillebotte das Kunstwerk im Freien (en plein air) auf dem Landgut seiner Familie in Yerres geschaffen und damit in natürlichem Licht gearbeitet. Dieser Ansatz hat einen tiefgreifenden positiven Einfluss auf die Authentizität des abgebildeten Raums und sein natürliches Licht, seinen Schatten und seine Farbe (Marrinan, 2017). In dem Gemälde konzentriert sich der Künstler auf eine Mischung aus lokalen und ewigen Farben. Der Rasen und die Blumenbeete sind in einer Vielzahl von Rot-, Grün-, Weiß- und Gelbtönen gehalten, die symbolisieren, wie ruhig, entspannend und friedlich sich alles unter der warmen und hellen Sonne verhält.

Darüber hinaus verwendet Caillebotte Hell-Dunkel als wichtigstes Werkzeug, um die Lichteffekte in seinen Kunstwerken wiederzugeben. Der Maler balanciert die Verwendung von Licht und Schatten auf außergewöhnlich komplexe und lebendige Weise (Sayre, 2015). Tatsächlich macht Caillebotte den Übergang vom hellen und fast phosphoreszierenden Hintergrund und seinem zentralen pfirsichfarbenen Pfad zum schattigen Vordergrund, in dem der Pfad in hellen Purpurfarben erscheint, perfekt. Einige der von den Orangenbäumen produzierten Schattenbereiche sind auch in einer Vielzahl von gedämpften Grüns zu finden. Es scheint, als würde der Maler die Figuren absichtlich zu einem integralen Bestandteil der Umwelt und der Atmosphäre machen. Zum Beispiel wird die Figur der Frau von den lila Schatten absorbiert und verschwindet fast von der Leinwand, während der Betrachter nur durch den Strohhut des Mannes mit einem dünnen roten Streifen seine Figur bemerken und sich auf sie konzentrieren kann. Interessanterweise informieren solche Details von Caillebottes Gemälde wie die extreme Helligkeit des Sonnenlichts und seine Auswirkung auf die nicht schattierten Bereiche und auch den müden Hund den Betrachter darüber, dass die Szene mitten am heißen Sommertag stattfindet. Im Allgemeinen versucht Caillebotte in seinem Kunstwerk nicht, die Übergänge von Licht und Raum zu glätten, und die Entscheidung des Malers bietet dem Publikum auch die Möglichkeit, den zeitlichen Rahmen der Szene zu bestimmen.

Schließlich ist es auch von größter Bedeutung, solche formalen Elemente des Kunstwerks wie Proportionen, Ausgewogenheit, Textur und den Schwerpunkt zu identifizieren. Es ist nicht zu leugnen, dass die Proportionen der Figuren und der Objekte typisch und harmonisch sind. Darüber hinaus erreicht der Künstler die Gesamtbalance des Gemäldes, indem er die Figuren asymmetrisch platziert und den geschwungenen Weg und die Orangenbäume gegeneinander stellt (Sayre, 2015). Die Textur entspricht den entscheidenden Prinzipien des Impressionismus, da Caillebotte die Flecken seiner Tiefen- und Oberflächenfarbe abwechselt und so eine Vielzahl von Farbtönen und seine einzigartige Wechselwirkung zwischen Licht und Schatten erzeugt (Sayre, 2015). Bemerkenswert ist auch, dass es innerhalb der Leinwand zwei Schwerpunkte gibt. Der erste Schwerpunkt ist die Figur des Mannes, der im Schatten der Orangenbäume sitzt, und der zweite Schwerpunkt bezieht sich auf die Figur der Frau, die sich selbst aufnimmt. Mit anderen Worten, solche formalen Elemente von Caillebottes Malerei wie Proportionen, Ausgewogenheit, Textur und die Brennpunkte bieten dem Betrachter die Möglichkeit, das Kunstwerk durch die Linse des Schöpfers zu betrachten.

Angesichts der wichtigsten Aspekte des Gemäldes, einschließlich des Themas, des Inhalts und einer Vielzahl formaler Elemente, erscheint Caillebottes Botschaft seinem Publikum viel verständlicher. Der Maler macht in seiner Arbeit einen flüchtigen Moment, eine reale Szene aus seinem Alltagsleben. Er versucht nicht, seine Vision von der Realität zu entfernen, sondern schafft es lieber, alles, was er sieht, mit einem fotografischen Gedächtnis neu zu erschaffen. Darüber hinaus versucht der Künstler in erster Linie, seine Gefühle und Empfindungen freizusetzen und sie zu einer unerschöpflichen Quelle der Inspiration zu machen (Marrinan, 2017). Diese künstlerische Sensibilität und Offenheit für jedes einzelne Detail prägen schließlich das Bild (Marrinan, 2017). Letztendlich beobachtet der Betrachter das Gemälde, das frei von jeglicher Künstlichkeit, auffälligen und übernatürlichen Elementen bleibt. In Wahrheit bietet Caillebotte seinen Zuschauern die Möglichkeit zu verstehen, dass es wichtig ist, den vollen Wert ihres Lebens zu erkennen, sich an der Ruhe, Stille und Wahrhaftigkeit ihrer Existenz zu erfreuen und nicht von etwas Künstlichem gefangen zu werden, obwohl es hell und außergewöhnlich ist.

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