Veröffentlicht am 08-09-2019

Von modernen Meistern lernen

Was es wirklich bedeutet, ein autodidaktischer Künstler zu sein

L bis R: Stephen Brophy,

Heutzutage besuchen die meisten angehenden Künstler Kunstschulen oder studieren Kunst an Freien Kunsthochschulen. In früheren Zeiten studierten sie bei etablierten Künstlern oder schlossen sich Künstlergilden an. Dennoch waren einige Autodidakten - und wurden oft als Ausreißer oder naive Künstler bezeichnet.

Stephen Brophy (1940–2015) war ein Autodidakt, aber er war kein Naif. So nahm er nie an einem Kunstunterricht teil, war aber dennoch bemerkenswert diszipliniert in seinem Studium. Wie Generationen von Künstlern vor ihm entwickelte er sich als Künstler, indem er Artbooks las, Kunst betrachtete und reflektierte. Und dann experimentierte er hartnäckig mit seiner Arbeit, bis er die Lektionen derjenigen aufnahm, die er bewunderte.

Was folgt, sind Beispiele einiger "Schüler-Lehrer" -Paare, die ich konstruiert habe, um Steves Anfänge als Künstler zusammenzufügen ...

Cézanne: Über Natur, Menschlichkeit und Malerei

[Siehe zwei Bilder oben.]

Von allen modernen Meistern, die Steve studierte, war er vom französischen Künstler Paul Cézanne (1839–1906) am meisten verliebt. Er hatte eine Menge Artbooks, die dem Grandpère der modernen Kunst gewidmet waren; die letzte aus der großen Cézanne-Retrospektive, die wir 1996 gemeinsam im Philadelphia Museum of Art gesehen haben.

Ich verstehe warum. Cézanne war ein Mann von vielen - und manche würden sagen gequälten - Dimensionen, der Mühe hatte, widersprüchliche Ideen und starke stilistische Einflüsse in Einklang zu bringen, um ein neues postimpressionistisches Gemälde zu schaffen.

Ich könnte unmöglich in dieser Geschichte enthalten, was Kunsthistoriker Bücher genommen haben, um zu beschreiben, aber offenbar hat sein Genie und sein kolossales Werk Generationen von Künstlern inspiriert. Mit Cézanne änderte sich um die Jahrhundertwende die Kunst.

Nach der Beschreibung dieser Arbeit durch das MoMA in seiner Sammlung stolperte Cézanne auf der Suche nach zu malenden Motiven über das Schloss Château Noir. Und er würde es oft übermalen. In dieser Schönheit von 1904 sehen wir die dicken, breiten „mehrfarbigen Farbfelder“, die seinen reifen Stil kennzeichneten.

Etwa 75 Jahre später passierte Steve auch das perfekte Haus, das fast vom Laub vernichtet war. Das Ergebnis war diese perfekte Hommage an Cezanne. Und wie sein Mentor bemühte sich Steve, einen Weg zu finden, um die Natur und die vom Menschen geschaffenen Strukturen wiederherzustellen und Luftbilder anzufertigen. Nicht um zu mythologisieren oder zu erinnern, sondern um die Unmittelbarkeit von Licht und Farbe in der Malerei einzufangen.

Dann und später, als sein Werk größer und abstrakter wurde, besuchte Steve die Kunstbücher erneut, um seine Vorstellungen über Natur, Menschlichkeit und Malerei aufzufrischen - insbesondere durch Konsultation von Monsieur Professor Cézanne.

Delaunay: Über Farbe und Abstraktion

L bis R: Stephen Brophy,

Der französische Künstler Robert Delaunay (1885–1941) ist neben seiner prächtigen Malerei vor allem für seine frühen Streifzüge in die reine Abstraktion und das Farbenspiel bekannt. Er achtete nicht nur auf die aufkommende Wissenschaft der Farbe, sondern auch auf ihre symbolischen, ja mystischen Anwendungen. Ein Begriff für seinen Kunststil wurde damals als „Orphismus“ geprägt.

Auf dieser kreisrunden Leinwand, die MoMA als sein Zeichen für das Universum beschreibt, erzeugt Delaunay mit seinen Farbformen eine rhythmische Bewegung. Das MoMA beschreibt einen „… Fluss von Rot- und Orangen-, Grün- und Blautönen…, der auf Sonne und Mond abgestimmt ist, die Rotation von Tag und Nacht.“ Der Künstler wird zitiert und beschreibt seine farbigen Ebenen als die „Struktur des Bildes“ mit der Natur "Nicht mehr ein Thema für die Beschreibung, sondern ein Vorwand."

Steve experimentierte sowohl mit runden Leinwänden als auch mit Farbe. Aber ich habe mich entschieden, mit dem Delaunay eine von Steves seltsamen, aber ansprechenden Farbstudien zu kombinieren. In diesem Gemälde von 1974 entspringen Reihen von eng gefärbten Farbbalken - wie so viele Pantone-Farben, die nach ihrer Nummer geordnet sind - einem sechseckigen Zentrum aus sonnenbeschienenen Wolken und einem kindlichen Regenbogen. Ich kann mir nur vorstellen, dass diese farbige Übung die Schleusen geöffnet hat, um mit Form, Farbe und Licht und dem reinen Akt des Malens zu experimentieren. Mit der Zeit würde auch er die Natur als Vorwand sehen, da er die Repräsentation für reine Abstraktion aufgab.

DeChirico und die metaphysische Schule

L bis R: Giorgio De Chirico,

In dem Jahrzehnt, bevor Dalí einen neuen Surrealismus beherrschte, entwickelte der italienische Künstler Giorgio de Chirico (1888–1978) eine neue Art von Malerei, die er als „metaphysisch“ bezeichnete, nachdem er seinen Werken Titel wie The Great Metaphysician oder The Grand Metaphysical Interior verliehen hatte . Ein Kunsthistoriker ** beschrieb diese Leinwände als "Höhepunkt der Visionen des Künstlers von Einsamkeit und Nostalgie, seiner Angst vor dem Unbekannten, seiner Vorahnung der Zukunft und der Realität jenseits der physischen Realität".

De Chirico füllte die menschenleere Landschaft von Enigma of the Day mit seltsamerweise nebeneinander gestellten Traumbildern und klassischen Denkmälern. Die Formen sind ohne Details, und ein starkes, aber verstörendes Licht wirft unheimliche Schatten. Die Wirkung dieser seltsamen, beunruhigenden Szene wird nur durch die tiefe Perspektive verstärkt - mit zwei einsamen Figuren in der Ferne.

Die de Chiricos dieser Zeit interessieren uns noch heute. Und für Steve - für nur ein oder vielleicht zwei Jahre in seinem künstlerischen Leben - faszinierten sie ihn ebenfalls. Steve war von der Traumlandschaft und der tiefen, fast unergründlichen Bedeutung der metaphysischen Malerei angezogen. Er wandte sich von seinem expressiveren Gestikstil ab und löschte den Pinselstrich.

In Table and Chair rollen mega schwarze Kugeln absteigender Größe von einer phantasievollen Tisch- und Stuhleinstellung weg, als würde bald ein Kellner eintreffen, der eine Bestellung aufnimmt, die niemals kommen wird. Wie das Rätsel des Tages von de Chirico deutet Steves stilisierte Landschaft auf ein Leben an einem entfernten Ort und in einer entfernten Zeit hin, in einer fernen Welt, die nicht von uns stammt.

Derain und die verwandten Geister des Fauvismus

L bis R: Stephen Brophy, Ohne Titel (Landscape # 3), 1991, Öl auf Leinwand, 32

Steves zweiter Lieblingskünstler nach Cézanne war der französische Meister Henri Matisse. Aber ich habe ihn hier mit Matisses Zeitgenosse André Derain (1880–1954) während seiner fauvistischen und wohl besten Jahre zusammengebracht. (Später nahm er den Kubismus von Picasso an und kehrte noch später zu einem naturalistischeren Stil zurück.)

Laut der Website des MoMA zeigt Die Brücke über das Riou von Derain eine identifizierbare Szene eines französischen Flussufers und einer französischen Brücke, die sich jedoch durch eine radikale Verwendung von Farben verändert, die nicht mehr der Natur folgen. „… Derain wollte Bilder schaffen, die sowohl zu seiner Zeit als auch zu seiner Zeit gehören. Diese emotional auffällige Farbe bezieht sich auf die Intensität des Lichts in Südfrankreich, gehört aber weniger zur Natur als zur Kunst. “

Steve nahm seinen Farbunterricht von diesen französischen Künstlern des frühen 20. Jahrhunderts. Wie bei Delaunay, Matisse, Derain wurden Orte in der Natur ebenso beobachtet wie das Spiel von Farbe und Licht. Aber an diesem Punkt hörte die Beobachtung auf und das Malen begann.

Paul Klee, ein Meister des Erfindungsreichtums und des Stils

Stephen Brophy,

Steve sprach nicht viel über Paul Klee (1879-1940), einen monumentalen Künstler von intimem Ausmaß. Der Schweizer Künstler verfügte jedoch über ein so reichhaltiges künstlerisches Vokabular, dass es schwierig sein würde, die meisten Innovationen der Neuzeit nicht auf ihn zurückzuführen. Ich werde also Steves Erkundung und Beschäftigung mit dem Malen rückwärts auf Klee abbilden. (Übrigens: Klee starb im Jahr, als Steve geboren wurde.)

Wie Cézanne ist es schwierig, Klees Kunst kurz zu fassen. Der Künstler schuf poetische Fantasien aus abstrakten und erkennbaren Formen. Viele seiner mit Gesichtern, Symbolen, architektonischen Strukturen und exzentrischen Kritzeleien gefüllten Gemälde verwenden kräftige schwarze Linien über gemusterten oder sich auflösenden Farbfeldern. In der Glasfassade deutet Klee nur an, was sich hinter den hell erleuchteten Paneelen befindet.

Klee gehörte keiner surrealen oder abstrakten Kunstrichtung an und bastelte an ihren Rändern. Ein Kunsthistoriker schreibt **: „Klees Welt ist so persönlich und individuell, so vollständig Teil der normalen menschlichen Erfahrung oder vorhandener Ideen einer abstrakten Bildstruktur, ob geometrisch oder abstrakt expressionistisch, dass sie unabhängig existiert davon, umfasst sie aber immer noch. “

In der abstrahierten Szene von Steves Bronx Backyards ist reichlich Leben in linearen Strukturen untergebracht, die durch helle Tageslichtfarben aktiviert werden und deren kleeartige Perspektive abgeflacht ist. Während Klees Gemälde die Glasfassade seines Titels heraufbeschwört, erinnert sich Steve's an einen Wohnbereich der Bronx. Angrenzende Hinterhöfe hinter Reihen von miteinander verbundenen Häusern bieten eine Mischung aus Anblick und Geräuschen, von Bäumen und Pflanzen über Wäsche zum Trocknen bis hin zu konkurrierender Musik und Straßenlärm.

Die Bilder in dieser Paarung sind architektonisch und abstrakt. Sie teilen Formen. Diagonalen innerhalb von Quadraten innerhalb von Rechtecken mit handgezeichneten Linien. Beide sind verspielt und musikalisch und strotzen vor innerem Leben. Aber wir, der Betrachter, sind kein Teil dieses Lebens. Wir schauen nach innen und hoffen, die Tür zu finden.

In dieser Geschichte habe ich Steves Gemälde mit denen moderner Meister verglichen. Ich habe keine Ahnung, wie er darauf reagiert hätte ... Horror? Vergnügen? Verlegenheit? Oder vielleicht Stolz?

In meinen Augen hat Steve viel Fantasie und Mut gezeigt, um die Aufgabe anzugehen, von den Mega-Giganten der modernen Kunst zu lernen. Und da waren noch andere. Ich habe seine Artbooks von Kandinsky, Rouault, Morandi, Avery, Hopper…. Ich erinnere mich, wie ich an einem Modigliani-Gemälde einer weiteren seiner dunklen, langhalsigen Schönheiten vorbeiging und dachte: "Eine gesehen, alle gesehen". Aber Steve hat mich gebremst. Aussehen. Sehen. Ich kann jetzt nicht mehr an einem Modigliani vorbeikommen. Das wäre falsch.

* Mit Ausnahme der Gemälde von Klee und Brophy stammt das Kunstwerk aus der Sammlung des Museum of Modern Art, New York.

** H. H. Arnason in der Geschichte der modernen Kunst (kein Veröffentlichungsdatum angegeben, aber de Chirico war noch am Leben, als mein Exemplar veröffentlicht wurde!)

Siehe auch

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