Von modernen Meistern lernen

Was es wirklich bedeutet, ein autodidaktischer Künstler zu sein

L bis R: Stephen Brophy,

Heutzutage besuchen die meisten angehenden Künstler Kunstschulen oder sind Kunst-Majors an Hochschulen für freie Künste. In früheren Zeiten studierten sie bei etablierten Künstlern oder schlossen sich Künstlergilden an. Dennoch waren einige Autodidakten - und wurden oft als Ausreißer oder naive Künstler bezeichnet.

Stephen Brophy (1940–2015) war ein autodidaktischer Künstler, aber er war kein Naif. Er nahm also nie an einem Kunstkurs teil, war aber dennoch bemerkenswert diszipliniert in seinem Studium. Wie Generationen von Künstlern vor ihm entwickelte er sich als Künstler, indem er Kunstbücher las, Kunst betrachtete und reflektierte. Und dann, indem er hartnäckig in seiner Arbeit experimentierte, bis er die Lektionen derer aufnahm, die er bewunderte.

Was folgt, sind Beispiele für einige „Schüler-Lehrer“ -Paarungen, die ich konstruiert habe, um Steves Anfänge als Künstler zusammenzufügen…

Cézanne: Über Natur, Menschlichkeit und Malerei

[Siehe zwei Gemälde oben.]

Von allen modernen Meistern, die Steve studierte, war er am meisten in den französischen Künstler Paul Cézanne (1839–1906) verliebt. Er hatte eine Menge Kunstbücher, die dem Großvater der modernen Kunst gewidmet waren; die letzte aus der großen Cézanne-Retrospektive, die wir 1996 gemeinsam im Philadelphia Museum of Art gesehen haben.

Ich verstehe warum. Cézanne war ein Mann von vielen - und manche würden sagen gefolterten - Dimensionen, der sich bemühte, widersprüchliche Ideen und starke stilistische Einflüsse in Einklang zu bringen, um ein neues, postimpressionistisches Gemälde zu schaffen.

Ich konnte unmöglich in dieser Geschichte enthalten, was Kunsthistoriker in Büchern beschrieben haben, aber sein Genie und sein kolossales Werk haben Generationen von Künstlern inspiriert. Mit Cézanne um die Jahrhundertwende veränderte sich die Kunst.

Laut der Beschreibung dieses Werks durch das MoMA in seiner Sammlung stolperte Cézanne über das Schloss Château Noir, als er auf der Suche nach zu malenden Motiven durch die provenzalische Landschaft ging. Und er würde es viele Male malen. In dieser Schönheit von 1904 sehen wir die dicken, breiten „mehrfarbigen Farbfelder“, die seinen reifen Stil kennzeichneten.

Etwa 75 Jahre später passierte Steve auch auf dem perfekten Haus, das fast vom Laub ausgelöscht wurde. Das Ergebnis war diese perfekte Hommage à Cezanne. Und wie sein Mentor bemühte sich Steve, einen Weg zu finden, um Natur und künstliche Strukturen wiederherzustellen und dies unter freiem Himmel zu tun. Nicht mythologisieren oder gedenken, sondern die Unmittelbarkeit von Licht und Farbe in der Malerei einfangen.

Dann und später, als seine Arbeit größer und abstrakter wurde, besuchte Steve die Kunstbücher erneut, um seine Vorstellungen von Natur, Menschlichkeit und Malerei aufzufrischen - insbesondere durch Rücksprache mit Monsieur Professor Cézanne.

Delaunay: Über Farbe und Abstraktion

L bis R: Stephen Brophy,

Der französische Künstler Robert Delaunay (1885–1941) ist nicht nur für seine prächtig schöne Malerei bekannt, sondern auch für seine frühen Streifzüge in die reine Abstraktion und das Farbenspiel. Er achtete nicht nur auf die aufkommende Wissenschaft über Farbe, sondern auch auf ihre symbolischen, sogar mystischen Anwendungen. Ein Begriff für seinen Kunststil wurde damals als „Orphismus“ geprägt.

In dieser kreisförmigen Leinwand, die das MoMA als sein Zeichen für das Universum beschreibt, schafft Delaunay mit seinen Farbformen eine rhythmische Bewegung. Das MoMA beschreibt einen „… Fluss von Rot- und Orangenfarben, Grün- und Blautönen… abgestimmt auf Sonne und Mond, die Rotation von Tag und Nacht.“ Der Künstler wird zitiert, indem er seine farbigen Ebenen als "Struktur des Bildes" beschreibt, wobei die Natur "nicht länger ein Gegenstand der Beschreibung, sondern ein Vorwand" ist.

Steve experimentierte sowohl mit runden Leinwänden als auch mit Farben. Aber ich entschied mich, mit dem Delaunay eine von Steves seltsamen, aber ansprechenden Farbstudien zu kombinieren. In diesem Gemälde von 1974 gehen Reihen eng gefärbter Farbbalken - wie so viele nach Zahlen geordnete Pantone-Farben - aus einem sechseckigen Zentrum aus sonnenverwöhnten Wolken und einem kindlichen Regenbogen hervor. Ich kann mir nur vorstellen, dass diese farbige Übung die Schleusen für Experimente mit Form, Farbe und Licht und dem reinen Akt des Malens öffnete. Mit der Zeit würde auch er die Natur als Vorwand sehen, da er die Repräsentation für die reine Abstraktion aufgab.

DeChirico und die metaphysische Schule

L bis R: Giorgio De Chirico,

In den zehn Jahren, bevor Dalí einen neuen Surrealismus beherrschte, entwickelte der italienische Künstler Giorgio de Chirico (1888–1978) eine neue Art von Malerei, die er als „metaphysisch“ bezeichnete, nachdem er seinen Werken Titel wie The Great Metaphysician oder The Grand Metaphysical Interior verliehen hatte . Ein Kunsthistoriker ** beschrieb diese Leinwände als "Höhepunkt der Visionen des Künstlers von Einsamkeit und Nostalgie, seiner Angst vor dem Unbekannten, seinen Vorahnungen für die Zukunft und der Realität jenseits der physischen Realität".

De Chirico füllte die verlassene Landschaft von Enigma of the Day mit seltsam nebeneinander angeordneten Traumbildern und klassischen Denkmälern. Formen werden von Details befreit, und ein starkes, aber beunruhigendes Licht wirft unheimliche Schatten. Die Wirkung dieser seltsamen, beunruhigenden Szene wird nur durch die tiefe Perspektive verstärkt - mit zwei einsamen Figuren in der Ferne.

Die de Chiricos dieser Zeit halten noch heute unser Interesse. Und für Steve - für nur ein oder vielleicht zwei Jahre in seinem künstlerischen Leben - haben sie ihn auch fasziniert. Steve fühlte sich von der Traumlandschaft und der tiefen, nahezu unergründlichen Bedeutung der metaphysischen Malerei angezogen. Er wandte sich von seinem ausdrucksstärkeren Gestikstil ab und löschte den Pinselstrich.

In Tisch und Stuhl rollen mega schwarze Kugeln, deren Größe abnimmt, von einer phantasievollen Tisch- und Stuhleinstellung weg, als würde bald ein Kellner eintreffen, um eine Bestellung entgegenzunehmen, die niemals kommen wird. Wie de Chiricos Rätsel des Tages weist Steves stilisierte Landschaft auf ein Leben an einem entfernten Ort und zu einer fernen Zeit hin, in Richtung einer fernen Welt, die nicht von uns geschaffen wurde.

Derain und die verwandten Geister des Fauvismus

L bis R: Stephen Brophy, Ohne Titel (Landschaft Nr. 3), 1991, Öl auf Leinwand, 32

Steves zweiter Lieblingskünstler nach Cézanne war der französische Meister Henri Matisse. Aber ich habe ihn hier mit Matisses Zeitgenossen André Derain (1880–1954) während seiner fauvistischen und wohl besten Jahre zusammengebracht. (Später nahm er den Kubismus von Picasso an und kehrte später zu einem naturalistischeren Stil zurück.)

Laut der Website des MoMA zeigt Derains Brücke über das Riou eine identifizierbare Szene eines französischen Flussufers und einer Brücke, die jedoch durch eine radikale Verwendung von Farben verändert wurde, die nicht mehr der Natur folgen. „… Derain wollte Bilder schaffen, die sowohl zu allen Zeiten als auch zu seiner eigenen Zeit gehören…. Diese emotional hochkarätige Farbe bezieht sich auf die Intensität des Lichts in Südfrankreich, gehört jedoch weniger zur Natur als zur Kunst. “

Steve nahm seinen Farbunterricht bei diesen französischen Künstlern des frühen 20. Jahrhunderts. Wie Delaunay, Matisse, Derain wurden Orte in der Natur beobachtet, ebenso wie das Spiel von Farbe und Licht. Aber an diesem Punkt hörte die Beobachtung auf und der Akt des Malens begann.

Paul Klee, ein Meister des Erfindungsreichtums und des Stils

Stephen Brophy,

Steve sprach nicht viel über Paul Klee (1879-1940), einen monumentalen Künstler von intimem Ausmaß. Der Schweizer Künstler stellte jedoch ein so reichhaltiges künstlerisches Vokabular zur Verfügung, dass es schwierig sein würde, die meisten Innovationen der Moderne nicht auf ihn zurückzuführen. Wenn ich mich also auf die Beine stelle, werde ich Klees Erforschung und Versenkung in die Malerei rückwärts auf Klee übertragen. (Nebenbemerkung: Klee starb im Jahr der Geburt von Steve.)

Wie Cézanne ist es schwierig, Klees Kunst kurz zusammenzufassen. Der Künstler schuf poetische Fantasien aus abstrakten und erkennbaren Formen. Viele seiner Gemälde, die mit Gesichtern, Symbolen, architektonischen Strukturen und exzentrischen Kritzeleien gefüllt sind, verwenden kräftige schwarze Linien über gemusterten oder sich auflösenden Farbfeldern. In der Glasfassade gibt Klee nur einen Hinweis darauf, was sich hinter den hell beleuchteten Paneelen befindet.

Klee gehörte keiner surrealen oder abstrakten Kunstbewegung an, sondern bastelte an ihren Rändern. Ein Kunsthistoriker schreibt **: „Klees Welt ist so persönlich und individuell, so vollständig Teil der normalen menschlichen Erfahrung oder der bestehenden Ideen einer abstrakten Bildstruktur, ob geometrisch oder abstrakt expressionistisch, dass sie unabhängig existiert von diesen, umfasst sie aber immer noch. “

In der abstrahierten Szene von Steves Bronx Backyards ist reichlich Leben in linearen Strukturen untergebracht, die durch helle Tageslichtfarben aktiviert werden und deren kleeähnliche Perspektive abgeflacht ist. Während Klees Gemälde die Glasfassade seines Titels heraufbeschwört, erinnert sich Steve's an einen Wohnbereich der Bronx. Angrenzende Hinterhöfe hinter Reihen miteinander verbundener Häuser bieten eine Unschärfe von Sehenswürdigkeiten und Geräuschen, von Bäumen und Pflanzen über das Waschen zum Trocknen bis hin zu konkurrierender Musik und Straßengeräuschen.

Die Bilder in dieser Paarung sind architektonisch und abstrakt. Sie teilen Formen. Diagonalen innerhalb von Quadraten innerhalb von Rechtecken mit handgezeichneten Linien. Beide sind verspielt und musikalisch und voller Leben. Aber wir, der Betrachter, sind nicht Teil dieses Lebens; Wir schauen hinein und hoffen, die Tür zu finden.

In dieser Geschichte habe ich Steves Gemälde mit denen moderner Meister verglichen. Ich habe keine Ahnung, wie er darauf reagiert hätte ... Horror? Unterhaltung? Verlegenheit? Oder vielleicht Stolz?

Meiner Meinung nach zeigte Steve viel Fantasie und Mut bei der Bewältigung der Aufgabe, von den Megagiganten der modernen Kunst zu lernen. Und da waren noch andere. Ich habe seine Kunstbücher von Kandinsky, Rouault, Morandi, Avery, Hopper…. Ich erinnere mich, wie ich an einem Modigliani-Gemälde einer weiteren seiner dunklen, langhalsigen Schönheiten vorbeiging und dachte: „Ich habe eine gesehen, ich habe sie alle gesehen.“ Aber Steve hat mich verlangsamt. Aussehen. Sehen. Ich kann jetzt nicht mehr an einem Modigliani vorbeikommen. Es wäre falsch.

* Mit Ausnahme der Gemälde von Klee und Brophy stammen die Kunstwerke aus der Sammlung des Museum of Modern Art, New York.

** SH Arnason in der Geschichte der modernen Kunst (kein Veröffentlichungsdatum angegeben, aber de Chirico war noch am Leben, als mein Exemplar veröffentlicht wurde!)