Veröffentlicht am 09-09-2019

Logoblahhhhhz

(Wurde letzten Dezember für einen Artikel über modische Logos für das Garage-Magazin interviewt. Hat viel zu viel geschrieben und dachte, ich würde es hier hochwerfen, denn was auch immer.)

Wie würden Sie den Ton und den Stil Ihrer Arbeit bei Bloomberg Businessweek beschreiben? Was wollten Sie mit Ihrer Arbeit dort erreichen?

Ich meine .. es ist eine Weile her ..

Wir wollten ein interessantes Magazin machen. Ich bin überrascht, dass ich immer noch darüber spreche.

Können Sie sich speziell an Designer oder Künstler erinnern, die Sie dazu veranlasst haben, in Ihrer Jugend in einem so „verrückten“ oder frechen Stil zu arbeiten?

Aus rein grafischer Sicht waren Fuel, Scott King, Tomato, Designers Republic und David Carson große Einflüsse. Ich weiß nicht, ob einer von ihnen "komisch" oder "dreist" ist, aber das habe ich mir angeschaut. Der größte von allen war (und ist) Tibor Kalman.

Aber dann, Punk, Situationismus, Dadaismus, der KLF, Peter Cook, Tony Hancock, Eric Morecambe, Ed Fella, Richard Prince, Riot Grrrrl, Beastie Boys, Buffalo Tom, U2's Zoo TV Tour, MTV, Chris Morris, Sarah Lucas, Michael Landy, der alle seine Besitztümer zerstört, Kate Moss, Jefferson Hack, Shoreditch Twat, Andy, der Goldsworthy fickt ... Idk ... Ladungen ... wie lange hast du noch?

War es eine bewusste Entscheidung, diese Ästhetik zu integrieren, wenn Sie speziell auf einige der Collage-, Cut-and-Paste-Arbeiten (The New Republic of Porn, Titelblatt von 2011 Year In Review usw.) zurückgreifen, die Sie produziert haben? Oder ist das natürlich passiert?

Alles war absichtlich, aber es diente nicht einem besseren Plan oder einer Vorstellung davon, was wir erreichen sollten oder wollten. Wir haben ausgeschnitten und eingefügt. Wir haben 3D gerendert, wir haben hochglanzpoliert, Fotos gemacht, wir hatten Cover mit nur ein paar Wörtern (daher müssen wir Druk erfinden, um das noch einfacher zu machen). Ein Wochenmagazin ist ein hungriges Tier und wir haben es mit allen möglichen Ideen gefüttert, die wir hatten.

Ich habe eine Zeitschrift mit einem reduzierten (und bei der Wahl von Helvetica könnte man fast sagen generischen) Typensystem erstellt, das stark formatiert ist. Der Punkt dabei war, dass Ideen leben und durchatmen können und wir das Grafikdesign vergessen können. Sollte über Ideen sein.

Sprechen Sie jemals mit jüngeren Designern in Ihrem Team darüber, wo sie Inspiration finden / finden? Wie unterscheidet es sich von Ihrem eigenen Prozess, als Sie gerade anfingen?

Ich spreche nicht mit ihnen darüber, woher sie ihre Inspiration beziehen. Es ist mir egal, woher sie kommt. Mir ist viel wichtiger, was diese Inspiration für sie bedeutet und wie sie sich auf unsere Arbeit auswirken könnte.

Es ist sicherlich anders als zu Beginn. Damals gab es so viel weniger Design (wir sprechen Mitte der späten 90er Jahre). Und es gab auf keinen Fall etwas Vergleichbares mit Logos und Design. Ich erinnere mich, dass ich Musik gesammelt habe, besessen von der Cover-Grafik, Zeitschriften gekauft habe (die damals mächtige Werkzeuge der Entdeckung waren - Fenster in Welten), Anzeigen in diesen Zeitschriften gesehen habe, die Magazine sowohl für die Anzeigen als auch für die Bilder zerrissen und sie abgelegt habe an meiner Wand, ging in Clubs, rettete die Flyer als Andenken, schloss mich meinem Stamm an und kaufte das T-Shirt. Physisch, aus erster Hand und im vollen Kontext mit meiner Inspiration interagiert.

Ich nehme an, Sie werden Ihre neue Lieblingsästhetik eher als Teil einer Bibliothek ausgeschnittener Referenzen sehen, die Sie möglicherweise auf Pinterest, Instagram oder Arena finden. Ich weiß, dass die Leute diese Websites und den Masseneffekt aller kritisch betrachten, die Einflüsse aus derselben Referenzmenge nutzen, aber ich weiß nicht, ob der Nettoeffekt dieser Websites auf die breitere kulturelle Praxis so viel anders ist als vor dem Internet.

Menschen kopieren gerne. Wir sind Schafe. Wir mögen es, Teil einer Bande zu sein, dazu zu gehören. Ästhetische Themen und Ansätze wurden unabhängig von der Präsenz von Online-Moodboards im Laufe der Jahrhunderte verbreitet und wiederholt.

Ich weiß nicht, ob Sie mit dieser Frage die Debatte um Urheberschaft und Originalität eröffnen wollen. Wenn ja, lehnen Sie sich zurück! Ich habe eine Anekdote! Ich habe Anfang dieses Jahres einen Vortrag im Walker gehalten, danach gab es Fragen und ein Typ im Publikum - der mir meine Arbeit oder meine Herangehensweise sicher nicht gefallen hat - nannte mich Kannibale. Er meinte das als geringfügig, aber ich mochte diesen Begriff wirklich.

Ich finde es viel interessanter, wage es zu sagen - originell - in der heutigen Zeit, um ehrlich zu sein, dass jeder, der an einer kreativen Praxis beteiligt ist, die Ideen und Einflüsse anderer Völker zusammenfügt, um ihre eigenen Ergebnisse zu erzielen. Die Vorstellung des Künstlers als Auteur, des Virtuosen, ist so selten anwendbar und doch so dringend erwünscht. Ich bevorzuge die Ansicht, dass wir ein Haufen mörderischer Diebe sind, die sich selbst fressen und über alle Werkzeuge verfügen, die uns zur Verfügung stehen. Wir sind Produkte einer vom Internet gespeisten Kultur, die jede Idee in ein Dutzend kleinerer Teile zermahlen, die Teile mit anderen vermischen und sich in „neue“ Ideen verwandeln, die wiederum zertrümmert werden und so den Zyklus stündlich, täglich, wöchentlich fortsetzen. monatlich… Eine sich ständig weiterentwickelnde Abfolge von Fragmentierung und Konsolidierung.

Der wahre Kulturkapitalist () ist mehr ein Kurator dieser Fragmente als ein Schöpfer von ihnen - jemand, der ihre Bedeutung in eine Ware umwandeln, verfeinern, auffrischen und kontextualisieren kann (ob Modelinie, Markensystem, Instagram-Feed ...). .

Dies ist das goldene Zeitalter der Aneignung. Eine von Duchamp großväterliche Bootleg-Kultur. Virgil verändert die Bedeutung eines Schuhs oder von Vetements + DHL / Tommy / Reebok - von hoch / niedrig oder alt / neu oder von einem Kanye-Co-Sign auf einem angeblich Gap-Sweatshirt, das für 800 US-Dollar verkauft wird - allesamt Raubkopierer - Wurde früher als parasitär für Marken und Institutionen angesehen - und verfügte über mehr kulturelles Kapital als die Marken und Institutionen, die sie abgezockt haben. Kannibalen.

Eine Idee zu pulverisieren, zu absorbieren und als neues Ergebnis auszuspucken. Die Bedeutungsüberlagerung und der Umleitungseffekt haben sich durchgesetzt, und Marken, die für die Traktion in einer der wichtigsten demografischen Gruppen sozialer Einflussfaktoren Geld zahlen, bieten den besten Wert für ihre vierteljährliche interne Präsentation von Innovations-Keynotes.

[Tiefer Atemzug]

Wenn es Sie inspiriert, tragen Sie es wie ein Ehrenzeichen, anstatt Ihre Quellen zu verbergen und so zu tun, als wären Sie ein verdammter Außenseiter. Echte Originale (wie ich herausgefunden habe) haben das Vertrauen in ihre Arbeit und können nur sagen, woher sie stammen.

Woher kommt Ihrer Meinung nach der „maximalistische“ Designtrend (Logos überall, mehrere Drucke auf Vorder- und Rückseite, Ärmeln usw.) in Streetwear und Mode?

Ich meine .. Logos als einfache Signifikanten des Status, der Stammeszugehörigkeit .. war für immer so. Aber in einer Welt der endlosen Schriftrollen, der wachsenden kulturellen visuellen Raffinesse, des persönlichen Markenbewusstseins, der Bildüberflutung ... hat sich das leicht erkennbare Symbol durchgeschnitten - erkennbar und verständlich, selbst wenn man nur einen kurzen Blick durch einen Feed oder ein viertel Zoll großes Symbol darauf wirft Ihr Handy-Bildschirm.

Die Ironie ist nun, dass diese einfachen Ikonen immer komplexer werden, während sich unsere gemeinsame Reise durch diese tiefe ästhetische Naht fortsetzt. Derzeit sind wir dabei, Logos auf Logos zu stapeln und nebeneinander zu platzieren, Marken auf Marken. Bald langweilen wir uns von Logos und machen weiter. Du siehst es ein bisschen in Raf Simons, der Bilder verwendet, wie alle anderen, die Logos verwenden.

Aber ich weiß nicht, ob das Logo in meinem Leben jemals als Form verschwunden ist (oder jemals verschwunden sein wird). Vielleicht sind sie jetzt etwas größer, aber das Logo ist überall präsent. Wir tätowieren uns in Symbolen, die ein Gefühl dafür vermitteln, was andere glauben sollen. Wir sind eine Gesellschaft, die den Schutz von Symbolen (Autos, Kleidung, Geräte, Urlaubsziele, Berufsbezeichnungen, die Häuser, in denen wir leben, die Objekte, mit denen wir diese Häuser ausstatten) und die damit hoffentlich einhergehende soziale Aufwertung benötigt ihrer Vereinigung. Alles auf Kredit gekauft. Massenverschuldeter Konsumismus als Religion bla bla Reagan, Thatcher, bla bla

Das Logo als Kleidungsschmuck ist eine Abkürzung, eine selbst gewählte kleine Werbetafel, die Sie in die demografische Gruppe Ihrer Wahl einfügt. Und so hat sich das Logo als grafische Aussage von der Brust bis zum Rückenteil über die Ärmel geschlichen. Jeder Zentimeter war von einem semiotischen Durcheinander von Nachrichten und Zeichen bedeckt.

(Übrigens ist es ein Fehler zu glauben, dass dies entweder neu oder auf Hype-Biester, Pseudo-Skater und ähnliches beschränkt ist. Jeder ist schuld, jeder tut es. Ich kann ziemlich oft zur Arbeit reisen und jede Straße in einer beliebigen Stadt entlang gehen.) In jedem Teil der Welt werden Sie mit Menschen jeden Alters und jeder Bevölkerungsgruppe in einer ähnlichen, selbst ausgewählten Ansammlung von Drucken, Wörtern und Nachrichten konfrontiert, die alle an niemanden gerichtet sind. Ein großer Wald bedeutungsloser Nachrichten.)

Sogar Leute, die aktiv die Schalterposition einnehmen, ertrinken immer noch in der Symbologie einer Lifestyle-Wahl von „no logo“ - kein Branding, keine Konsumkultur. Sie sind nach wie vor als Markenzeichen, Kategorien und Stammesangehörige eingestuft. Das "No Logo" -Logo ist immer noch ein Logo. Wir treten alle wie ausgebildete Robben auf.

Ich meine ... es hängt wahrscheinlich alles vom Sex ab, lol. Mit diesen sinnlosen gedruckten Darstellungen kultureller Überlegenheit verhalten wir uns wie Pfauen, die unsere Schwanzfedern schütteln, um uns zu behaupten und Kameraden anzuziehen. Angabe unserer Überlegenheit gegenüber potenziellen Bedrohungen durch Herausforderer. Nun, aus diesem Grund rocke ich gerade mein orangefarbenes, überdrucktes T-Shirt mit Reißverschluss für $ 350 Champion c / o Off-White.

Am Montag, 4. Dezember 2017, um 17:14 Uhr, Richard Turley

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