Machen, sehen

Soweit ich mich erinnere, ab 1996 oder so

In der Grundschule, als ich 8 oder 9 Jahre alt war, erinnere ich mich, wie ich diese beiden Charaktere gezeichnet habe, die als voll ausgebildete visuelle Objekte in meinem Kopf aufgetaucht zu sein schienen - eine einfache Figur mit einem Auge für den Kopf und eine Art Fisch-Clown-Raketenschiff. Sie hießen Eyeball und Bigmouth. Ich habe sie ständig in der gleichen Pose gezeichnet, die ich mir ursprünglich ausgedacht hatte. Ich habe mir einige verbundene Charaktere ausgedacht, an die ich mich nicht mehr erinnere. Ich habe wahrscheinlich mit ein paar Freunden, glaube ich, weniger als 10 Seiten Proto-Comics über sie gezeichnet. Ich erinnere mich nur schwach daran! Aber ich war besessen von diesen Charakteren; Noch wichtiger war, dass ich von der Idee besessen war, dass mir so etwas Imaginäres scheinbar aus dem Nichts gewährt werden könnte und ich es klarer und klarer machen könnte, indem ich es zeichne.

überarbeitet, 2018.

Ich denke in letzter Zeit darüber nach, weil ich immer mehr versuche, meine Beziehung zu dem kreativen Aspekt zu durcharbeiten, den man als „visionär“ oder „surreal“ bezeichnen könnte: die Idee, dass kreative Objekte wie spontan entstehen können, und dass ein großer Teil der kreativen Arbeit als Verlernen der rationalisierenden, intellektualisierenden Schichten angesehen werden kann, die den Zugang zum „Unterbewusstsein“ behindern, oder als das, was Sie mögen. Diese kreative Arbeit und vielleicht mehr als das ist als Spannung zwischen dem Kritischen und dem Automatischen / Visionären definierbar (für die Zwecke dieses Aufsatzes werde ich es das Surreale nennen, weil niemand wirklich klarer darüber gesprochen hat als die Surrealisten, ich Überlegen). Mein jüngstes Buch in der Reihe Ley Lines ist ein sehr loser Versuch, diese Ideen zu erforschen. Es ist schwer, über dieses Zeug zu sprechen, ohne schuppig oder mystisch zu wirken, nicht wahr?

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Rice Boy war das erste große Comicbuch, das ich gemacht habe; Ich habe es 2006 mit 18 Jahren begonnen - also näher an den Zeichnungen von Eyeball & Bigmouth als jetzt; Das ist ein verwirrender Gedanke. Nachdem ich ein paar Jahre lang bei entervoid.com und anderswo ein paar weniger persönlich involvierte, aktionsorientiertere Comics gemacht hatte, fühlte sich Rice Boy für mich offenbarend. Als würde ich herausfinden, welche Art von Arbeit ich machen könnte, die eigentlich meine war und die sich nicht unaufrichtig anfühlte. Im Nachhinein kann ich es als einen Weg betrachten, das gleiche Interesse am Surrealen zu entwickeln: Sehr früh bestand mein Ansatz bei der Erstellung dieses Buches darin, hypnagogische und automatische Bilder in eine so konsequent konsistente, fantastische Umgebung zu bringen, wie ich es schaffen konnte .

Die anderen Bücher, die ich in derselben Umgebung wie Rice Boy gemacht habe, sind möglicherweise weniger visuell abschweifend und seltsam. Ich denke, die wörtlichen Konventionen des Fantasy-Genres, mit denen ich mich befasst habe, die Bedürfnisse der Kontinuität zwischen den Geschichten (oder sogar der Vorschlag davon) und die Richtung, in die ich Vattu in Richtung einer naturalistischen Darstellung der (für mich) Handlung geführt habe. Schwere Inhalte haben den surrealen Aspekt dessen, was ich zu Beginn versucht habe, zerstört. Ich denke, es ist willkürlich, ob ich dies als Problem betrachte oder nicht, und ich bin zufrieden mit dem Verlauf der Arbeit, an der ich jetzt beteiligt bin. Trotzdem denke ich in letzter Zeit viel über Flugbahnen und kreative Gewohnheiten nach und überlege, welchen Ansatz ich in der zukünftigen Arbeit gegenüber dem Surrealen und dem Literalistisch-Fantastischen verfolgen möchte. Rice Boy fühlt sich wie eine Art Dreh- und Angelpunkt an, um den ich über dieses Zeug nachdenken kann - dieses Buch, das ich vor so langer Zeit gemacht habe, hätte es genauso gut von einer anderen Person gemacht.

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Ich denke, es kann nützlich sein, sich kreative Arbeit so vorzustellen, dass sie die Spannung zwischen dem Surrealen / Visionären / „Inspirierten“ und dem Kritischen / Bewussten / Intellektuellen besetzt. Das ist simpel, aber ich kann es meiner eigenen Arbeit zuordnen, um zumindest ein Gefühl dafür zu bekommen, was ich damit mache.

Ich denke, es ist klar, dass der überwiegende kulturelle Druck auf Kunst und Künstler in Richtung extremes intellektuelles Engagement geht - jedes kreative Anliegen auf eine Frage der Technik zu reduzieren, das Geheimnisvolle oder einen Aspekt einer Arbeit zu beseitigen, der nicht verbal erklärbar ist von seinem Schöpfer. Auf diese Weise werden wir zunehmend unter Druck gesetzt, mit Kunst auch als Publikum zu interagieren: als Wahrsager spezifischer bewusster Absichten, als Verbinder kleiner detaillierter Punkte, als Literalisten der Schrift. Selbst unsere Auseinandersetzung mit subtextuellen thematischen und gesellschaftspolitischen Inhalten wird immer mehr zu einer Frage der Zusammenstellung von Rätseln oder der Entschlüsselung flacher Chiffren.

Dies bedeutet nicht unbedingt, dass die mysteriöseren Aspekte vorzuziehen oder edler sind, nur dass in diesem Rahmen die Unzulänglichkeiten in der Art und Weise, wie Kunst gedacht wird, auffällig werden.

Die Surrealisten sprechen natürlich darüber, aber JRR Tolkien auch oder über etwas Paralleles in dem Aufsatz „Über Märchen“. Er macht so etwas wie eine Analogie zwischen dem surrealen / inspirierten Raum, von dem ich gesprochen habe, und der folkloristischen Idee des Märchenlandes und sieht als zentrales Element seines Projekts die Verwendung von intellektualisierten Gerüsten, um eine direkte Verbindung zu diesem „Ort“ aufzubauen. wie er kann.

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Wenn ich Bigmouth, den Raketenfisch, betrachte, sehe ich, dass er eindeutig eine Neukonfiguration des Handschuhs des gelben U-Bootes ist, von dem ich damals ein Plastikspielzeug hatte, glaube ich. Und in der visuellen Textur von Rice Boy sehe ich kleine Riffs, von denen ich nicht wusste, dass ich sie auf dem Aussehen alter Betty Boop-Cartoons, Transformers: the Movie (1986) und einiger Bakshi-Filme mache. Auf diese Weise scheint es ziemlich einfach zu sein emergente Bilder als Rekonfigurationen nach dem Zufallsprinzip vorhandener visueller Eingaben zu sehen. Ich denke, wenn jemand automatisch oder auf andere Weise surreal arbeitet, gibt es eine klarere Verbindung zum imaginären Rohmaterial im Gehirn, und ich verstehe dieses Material als völlig chaotische und rücksichtslose Kombinationen der wahrgenommenen visuellen Welt. Je unberechenbarer die visuelle Kultur geworden ist und je stärker man sich darauf einlässt, desto seltsamer und dichter werden die Bilder.

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Ich denke, es gibt ein Fenster in den Wahrnehmungsprozess in unserer Erfahrung von visionären / hypnagogischen / halluzinatorischen Bildern. Wir betrachten Wahrnehmung vielleicht notwendigerweise als einen passiven Prozess: Wir sind neutrale, objektive Kamera-Kreaturen, die Welt geht vor unseren Augen vorbei und wir nehmen sie so, wie sie aussieht. Dies ist ein Verständnis, das durch die Existenz optischer Technologie auf dem Kontinuum der Kamera kulturell ermöglicht oder zumindest stark bestätigt wurde. Aber der Wahrnehmungsprozess scheint kreativer und aktiver zu sein.

Die scheinbare Komplexität der visuellen Welt ist so enorm, dass es unvorstellbar ist, dass Ihr Gehirn alles objektiv im hochauflösenden Kamerastil aufzeichnen kann. Ihr Gehirn muss ständig daran arbeiten, es effektiv um Sie herum aufzubauen: Annahmen, Überkorrekturen und winzige kreative Handlungen, um etwas zu ermöglichen, mit dem wir interagieren können, als wäre es ein konsistenter visueller Raum. Und währenddessen muss es seine Arbeit gegen Rückkopplungen von den tatsächlichen optischen Geräten überprüfen. Dies muss ein Prozess sein, der ständig auf verschiedenen Ebenen durchgeführt wird: zwischen granularer visueller Interpretation und Eingliederung in eine sozial verständliche gesehene Welt. Wir könnten vielleicht zwischen „visuell (menschliche Wahrnehmungslebenswelt)“ und „optisch (Kamera / Objektivitäts-Mythos)“ unterscheiden. Die Neurologin Sue Blackmore spricht viel über so etwas auf so zugängliche Weise, wie ich es gefunden habe. Dieser Vortrag ist auch gut.

Denken Sie, dass die Gesamtheit des konsistenten visuellen Raums, den Sie wahrnehmen, eine erschaffene Sache in Ihrem Kopf ist. Es basiert auf dem Rohmaterial optischer Eingaben und sozial fundierten Schlussfolgerungen darüber, wie die Welt aussieht, aber das minimiert für mich die Ungeheuerlichkeit des kreativen Akts nicht sehr.

Hypnagogie, Halluzination und andere potenzielle Erschließungen des surrealen Raums bieten ein Fenster in diesen Prozess: Was macht der visuelle Apparat, wenn er von der Interpretation optischer Eingaben ausgeschlossen ist? Ich denke, jeder hat diese Bilder, praktisch ein ständiger Strom von ihnen - die Trödel und die Exkremente des visuellen Prozesses. Aber es kann schwierig sein, sie zu sehen; Es ist eine Wahrnehmungsebene, die notwendigerweise sublimiert ist. Kritzeln oder automatisches Zeichnen war für mich immer der direkteste Tipp - eine Technologie, um die traumhafte Glätte und Unverantwortlichkeit unterschwelliger Bilder zu korrigieren.

Vielleicht ist der Punkt, an dem ich mich von der surrealistischen Rahmung unterscheide, dass ich den Raum, aus dem diese Bilder spontan erscheinen, nicht als Ort irgendeiner transzendenten Wahrheit oder Schönheit sehe. Ihr Wert liegt für mich genau in ihrem Bedeutungs-Agnostizismus, ihrem Chaos und ihrer Heterogenität. Aber wenn ich ernsthafte metaphysische Überzeugungen hätte, würde ich sie vielleicht auf andere Weise rationalisieren.

Ein Teil meines Interesses daran ist die Dekonstruktion meiner Interaktion mit der Welt und der verschiedenen Mythen der Objektivität, mit denen wir uns zu beschäftigen scheinen. Welche Schlussfolgerungen können wir aus dem Verständnis ziehen, dass wir die visuelle Welt nicht objektiv wahrnehmen? Welche Schlussfolgerungen können wir aus den gelegentlichen Blicken ziehen, die wir auf den rohen und lauten unterschwelligen Inhalt unseres Geistes erhalten?