Veröffentlicht am 15-03-2019

Marisol

"Es ist kein Pop, es ist kein Op - es ist Marisol", lautet der Titel des Kunstkritikers, Grace Cluecks Artikel vom 7. März 1965 im New York Times Magazine. Während die Kunstwelt mit kühnen, einfachen Alltagsbildern explodierte, hat die Künstlerin Maria Sol Escobar, einfach Marisol genannt, die mimetische Praxis anderer Künstler der damaligen Zeit auf eine andere Ebene gehoben.

Marisol wurde am 22. Mai 1930 in Paris als Sohn reicher venezolanischer Eltern geboren und lebte in einer nomadischen und turbulenten Kindheit. Im zarten Alter von elf Jahren beging Marisols Mutter Selbstmord. Kurz darauf schickte ihr Vater sie für ein Jahr in ein Internat. Die tragischen und traumatischen Ereignisse ihres noch sehr jungen Lebens führten Marisol dazu, ihre Gefühle auf extreme Weise zu bewältigen, indem sie religiöse Praktiken des Selbstschadens und der Ausdauer anwendeten, wie etwa das Gehen auf den Knien, bis sie bluteten, eng anliegende Schnüre um die Taille trugen und sich hielten für längere Zeit still.

Marisol zeigte schon früh künstlerisches Talent und ihre Eltern unterstützten ihre Kreativität. Sie begann ihre formale Kunstausbildung im Alter von sechzehn Jahren und studierte an verschiedenen Kunstschulen in Los Angeles und Paris sowie in New York bei dem Künstler Hans Hofmann. Obwohl sie unter den abstrakten expressionistischen Malern der 1950er Jahre studierte und mit ihnen zusammenarbeitete, konzentrierte sie sich weniger auf die Malerei als auf die Erstellung dreidimensionaler Werke mit verschiedenen Medien und drückte ihr wachsendes Interesse an präkolumbianischer Kunst und Kultur aus. Marisol war nicht bereit für die Last, die der Ruhm bringen würde, und floh unmittelbar nach ihrer ersten Einzelausstellung nach Italien. Nach ein paar Jahren der Selbstreflexion schien Marisols Herangehensweise an ihr Leben und Werk sich zu entspannen, und Einblicke in die Populärkultur, aktuelle Ereignisse und den Humor zeigten sich in ihrer Kunst. Die Dichotomie, die sie war, Marisol war sowohl schwer fassbar als auch beliebt. In den 1960er Jahren hatte sie sich mit dem King of Pop Art, Andy Warhol, angefreundet, der sie in seinen Filmen The Kiss und 13 Most Beautiful Girls vorstellte. Es war das goldene Zeitalter des Kapitalismus und Marisol lebte einen luxuriösen Lebensstil und begleitete Warhol oft zu extravaganten Partys und gesellschaftlichen Veranstaltungen. Wie Warhol wirkte Marisol distanziert und uninteressiert an Ruhm, genoss aber gleichzeitig jedes Stück davon. Wie William Grimes in seinem Artikel in der New York Times vom 2. Mai 2016 ausdrückt, stirbt Marisol, eine bekannte Künstlerin, die mit 85 Jahren ihre Grenzen überschreitet, und stirbt mit 85 Jahren. Sie erkennt, dass sie Interesse an ihrer Arbeit wecken könnte, indem sie Interesse an sich selbst weckt eine Kunstform. "

In der Nachkriegszeit kam es wieder zu Wohlstand und zu traditionellen Werten. Wieder einmal wurde die Bedeutung der Familie im Rampenlicht und viele kehrten zu früheren sozial vorgeschriebenen Geschlechterrollen zurück. Zum ersten Mal spielte das Fernsehen eine wichtige Rolle in Gesellschaft und Wirtschaft. Die Familien verbrachten jeden Tag stundenlang das gemeinsame Fernsehen und setzten sich zunehmend den Auswirkungen skrupelloser Werbemethoden aus. Viele zeitgenössische Künstler liehen sich die Bilder der bekannten Produkte in den Anzeigen und verwendeten Massenproduktionstechniken, um ihre Kunstwerke zu gestalten. Sie ähnelt ihrem Lehrer Hans Hoffmans kompositorischen Theorie des „Push and Pull“, indem er bewusst Konflikte zwischen dem Belebten und dem Unbelebten schafft, kombiniert mit einer von der Pop Art inspirierten satirischen und sich wiederholenden Darstellung von Personen und Personen, die mit banalen Objekten interagieren, in überraschenden Situationen, Marisol kreierte ihre eigene experimentelle Version von „Pop“, indem sie eine Vielzahl von Medien, Materialien und Techniken aus verschiedenen Kulturen der Vergangenheit und Gegenwart verwendete, als kritische Antwort auf die unterdrückende Natur der Rolle der Weiblichkeit in den Konstrukten von Selbst, Familie und Familie Gesellschaft.

Andy
von Marisol
1962–1963
Graphit, Öl und Gips auf Holz, Andy Warhols Schuhe
56½ x 17¼ x 22½ Zoll

Marisol 'Stück "Andy", geschaffen in den Jahren 1962-1963, war vielleicht eine wechselseitige Geste als Gegenleistung dafür, dass er ein elementarer Bestandteil mehrerer künstlerischer Kreationen von Warhol war, oder es war vielleicht, dass sie einfach dazu inspiriert wurde, sein Abbild in ihrer eigenen ikonischen Ästhetik zu kreieren . Unabhängig davon bietet das Rendering viele Aspekte in Bezug auf symbolische Darstellungen einiger der bekanntesten Tendenzen von Warhol. Marisols Interpretation des Künstlers Andy Warhol präsentiert ihn in entspannter Sitzposition. Hohle hölzerne Würfel umgeben die Struktur eines Stuhls, während Warhols Porträt auf der Vorderseite und auf jeder Seite des oberen Teils der Anordnung in Bezug auf ihren Winkel in Graphit dargestellt ist. Von vorne wird der Beobachter mit einem ausdruckslosen, lustlosen Blick empfangen, während die Seitenansichten seinen leicht gedrehten Kopf zeigen, während er nach rechts schaut. Wie in vielen ihrer Stücke schuf Marisol eine erkennbare Gegenüberstellung zwischen der ruhenden, flachen und kastenförmigen Form des Körpers ihres Subjekts in Bezug auf die naturgetreue Nachbildung seiner Hände, die sanft auf seinem Schoß lagen, zusammen mit den eigenen Schuhen von Warhol, die von der Vorderseite her zu sehen waren Die Ansicht wird in der richtigen und vorhersagbaren Position auf dem Boden platziert. Ein langsames Bewegungsgefühl deutet darauf hin, dass Warhols Beine gekreuzt dargestellt werden, während er sich bequem zurück in den Stuhl setzt, als ob er sich bewusst ist, dass er, sobald er diese entspannte Position einnimmt, für immer an den statischen Zustand des Marisol gebunden sein wird hat ihn auferlegt.

Die idealisierte Art und Weise, in der Marisol ihren Freund skizzierte, Andys Gesichtszüge auf den flachen Seiten der hohlen, dreidimensionalen Form könnten als Repräsentation von Warhols Ruf für Oberflächlichkeit und Anziehung zu Schönheit ohne Substanz wahrgenommen werden. Der Würfel, von dem normalerweise angenommen wird, dass er auf allen Seiten Gleichheit aufweist, zeigt hier buchstäblich eine andere Seite von Warhol auf jeder einzelnen Oberfläche. Dies kann dem Betrachter vermitteln, dass es möglicherweise eine Unwahrheit über ihn gibt, wie er auf den äußeren Versen zeigt, wer er innen ist. Der intensive Blick, der ihm zugeteilt wird, erzeugt ein beunruhigendes Gefühl, das einem ein Gefühl vermittelt, von Warhol bewertet zu werden, damit er Ihren Wert für ihn bestimmen kann, während die genagelte Boxiness seiner Form vermittelt, dass er wenig mehr zu bieten hat als vielleicht ein oder zwei Komplimente, basierend auf seiner egoistischen Perspektive von dir und von wem du in Beziehung zu ihm und seinem eigenen Erfolg stehst.

Frauen sitzen auf einem Spiegel
von Marisol
1965–1966
Holz, Emaille, Gips, Sonnenbrillen, Acrylplexiglas, Graphit
und Schwarzweißfotomontage auf einem Spiegel
45 x 60 1/2 x 60 Zoll

Marisols Selbstporträt „Women Sitting On A Mirror“ ist ein Dreiklang von Totemfiguren, die den Einfluss präkolumbianischer Kunst auf ihre Arbeit deutlich zeigen. Die dünnen, aber glatt geschwungenen Holzformen scheinen die romantisierte Version der Gesellschaft von Weiblichkeit und Weiblichkeit zu repräsentieren, während die Art und Weise, in der sie sie wie Bausteine ​​gestapelt und fragmentierte Gipsabdrücke von Teilen ihres eigenen Körpers angebracht hat, von dem Druck spricht, einschließlich weiblicher Künstler, Erfahrung, um der Welt nur die vollkommensten Teile von sich selbst zu präsentieren. Obwohl Marisol größtenteils aus primitiven Materialien aufgebaut war, integrierte er in der Mitte des Jahrhunderts ein zeitgenössischeres Medium. Acryl, glatt und transparent, als Kopfbedeckung auf dem Kopf angebracht, die weiblichen Formen erinnern den Betrachter daran, wie wichtig es ist, im Trend zu bleiben. Obwohl sie in einer Gruppe zusammengefasst sind, scheint jeder von ihnen ein Gefühl der Loslösung zu haben. Sie bleiben jedoch auf einem verspiegelten Boden, der für immer innerhalb der von der Gesellschaft konstruierten Reflexion ihrer selbst gefangen ist.

In die größere Figur in der Mitte hat Marisol statt ihres Gesichtes stattdessen ein unverfälschtes, nach vorne gerichtetes fotografisches Bild von sich selbst eingebettet, während die Figuren auf beiden Seiten ihrer, möglicherweise weniger entwickelten, früheren Versionen von ihr selbst enthalten sind von nur gemeißelten Teilen und Gesichtern ihrer Gesichtszüge. In ähnlicher Weise scheinen die Körperfragmente, die zu ihren beiden kleineren Ichs gehören, tief in den reflektierenden Pool unter ihnen zu sinken, während sich weit über der Oberfläche die kühle und selbstbewusste, zentrierte Darstellung ihrer selbst die skulptierte Form einer Hand darstellt, die mit den Schablonen verbunden ist Silhouette der anderen, die den Anschein erwecken könnte, als hätte sie selbst sie gerettet, um darin zu ertrinken. Durch die Kombination von hieratischer Skala mit Symbolik vermittelt Marisol dem Betrachter, dass die einzige Möglichkeit, den vorgefassten und vorbedingten Rollen der Gesellschaft zu entgehen, die Dekonstruktion und Neudefinition dessen war, was es war, eine Frau zu sein und eine Frau zu sein Künstler.

In ihrer gesamten Arbeit hat Marisol eine Vielzahl von Portraits sowohl des Berühmten als auch des Vertrauten produziert. Von glamourösen Filmstars, Astronauten und Künstlern - einschließlich ihrer selbst - bis hin zu zufälligen Figuren mit ihren eigenen imaginierten, aber eindeutig zugewiesenen Personifikationen; Von der ersten Familie bis zu anonymen Familienmitgliedern, die an einer Hochzeit teilgenommen haben, nehmen Marisols monumentale Mixed-Media-Sculpts sarkophageähnliche Formen an und erinnern nicht nur an die Personen selbst, sondern auch an die Emotionen, die in ihrem scheinbar banalen, aber dennoch höchst bedeutsamen Gefühl enthalten sind als verblüffende, individuelle erfahrungen, einfach als sich selbst zu existieren. Die Entwicklung ihrer Arbeit im Laufe ihrer Karriere vermittelt den Eindruck, als Marisol ihre künstlerischen Studien über andere schuf, die symbolisch komplexen Teile der Menschheit zusammen konstruierte und gewöhnlichen Objekten Sentimentalität verlieh, konnte sie sich mit ihrer Persönlichkeit abfinden und wo sie als Künstlerin stand. Das Kunstwerk von Marisol kann leicht als Avantgarde, Pop Art, Volkskunst, Primitiv, Porträt, Skulptur, Mixed-Media, Assemblage, Surrealismus oder Kubismus bezeichnet werden. Marisol nimmt Einfluss auf die Arbeit von Künstlern, die sich über Zeit und Geschichte hinweg auseinandersetzen, und verwendet dabei eine unendliche Vielfalt von Medien und Materialien. So wie Pop Artists dies gemacht haben, entliehen sie sich den Quellen, die sie inspiriert hat, und verwischen die Grenze zwischen „hoch“ und „hoch“. low ”art mit ihren kreationen und kommentaren.

Dreishpoon, Douglas. "Rückblick: Marisol Portraitskulptur". Art Journal 50, Nr. 4 (1991): 94–96. doi: 10.2307 / 777329.

Gardner, Belinda Grace. Power Up - Weibliche Pop-Art. Kunsthalle Wien. Wien, 2010.

Grace Glueck: "Es ist kein Pop, es ist kein Op - es ist Marisol" im New York Times Magazine vom 7. März 1965 46, zitiert in: Pacini, Marina. "Marisol in den fünfziger und sechziger Jahren aufspüren." Archives of American Art Journal 46, No. 3/4 (2007): 60–65.

Grimes, William: „Marisol, ein Künstler, der für glühend zerschmetternde Grenzen bekannt ist, stirbt im Alter von 85 Jahren“, The New York Times, 2. Mai 2016

Smee, Sebastian. „In den 60er Jahren ist der große Künstler Marisol noch nicht so bekannt, wird gerade wiederentdeckt“, The Boston Globe, 5. Juli 2014.

Siehe auch

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