Veröffentlicht am 12-03-2019
Spanien. Benidorm Aus dem gesunden Menschenverstand, 1997 - Martin Parr

Muss Ausstellungen Q2 2019 gehen

Es gibt also viele coole Shows, aber es ist zu überwältigend, nur eine auszuwählen? Keine Sorge, Clubhouse hat dich abgesichert.

DRUCKEN / FOTOGRAFIE

Spanien. Benidorm Aus dem gesunden Menschenverstand, 1997 - Martin Parr

Martin Parr

Die National Portrait Gallery bis zum 27. Mai 2019.

Diese große neue Ausstellung vereint Werke eines der bekanntesten und berühmtesten Fotografen Großbritanniens, Martin Parr. Neben erkennbaren Fotografien und nie zuvor ausgestellten Werken wird es sich auf eines seiner spannendsten Themen konzentrieren - auf die Menschen.
Darunter Portraits von Menschen aus der ganzen Welt, mit einem besonderen Fokus auf Parrs trockene Beobachtungen von Britishness, die in einer Reihe von Projekten untersucht werden, die die britische Identität heute untersuchen.

Andy Warhol: Polaroidbilder

Bastian Gallery, bis zum 13. April 2019.

Die Ausstellung bietet eine intime Darstellung von New York in den 70er und 80er Jahren, während sich eine neue visuelle Kultur etablierte. Warhol wird sowohl als Subjekt als auch als Zuschauer positioniert und unterstreicht die Leistungsfähigkeit des Künstlers als Chronist seiner Zeit.
Die Big Shot-Kamera war von Anfang der 1970er Jahre bis zu seinem Tod im Jahr 1987 ein wesentliches Werkzeug von Warhol. Das von Polaroid nur für den Porträtgebrauch konzipierte, einfache Design aus integriertem Blitz, Sucher und festem Fokus ermöglichte es dem Künstler, seine Motive ohne Empfindungen sofort aufzunehmen . Durch die Verwendung verschiedener Polaroidfilme und -verfahren spiegelt Warhols Produktivitäten seine breitere Praxis und seine anhaltende Faszination für die Konsumkultur wider. Gleichzeitig stellen die Fotografien die Anfänge einer von Image und Illusion geprägten Zeit und Gesellschaft dar.

Diane Arbus: Am Anfang

Hayward Gallery, bis zum 6. Mai.

Kind mit Spielzeughandgranate in Central Park, NYC, 1962.
Diane Arbus war die ursprüngliche Menschenbeobachterin. Ein paar Burschen, die an der Küste herumlungerten, eine glamouröse Empfangsdame an ihrem Schreibtisch, zwei Frauen, die das Universum auf Böses beschossen: Nichts entging ihr.
Die Ausstellung der Fotografien der Hayward Gallery aus den ersten sieben Jahren ihrer Karriere (1956–1962) ist glatt angeordnet, wobei jeder kleine Druck auf einer Seite eines großen weißen Rechtecks ​​angebracht ist. Der Effekt ist wie ein Spaziergang durch einen Friedhof, einen hochaufragenden Arlington-Friedhof, der der Erinnerung an Arbusses New York gewidmet ist.
Oder zumindest wäre es so, wenn die Gesichter, die sie einfing, nicht sofort, fast unheimlich lebendig waren (natürlich ohne das Foto einer Leiche nach der Autopsie). Arbus Talent bestand darin, die Verrücktheit der Gesichtsausdrücke zu erkennen. Sie schaute, wie andere Leute die Welt um sich herum sahen.
Bekanntlich hat Arbus die Existenz von Menschen an den Rändern der New Yorker Gesellschaft, darunter Zirkus- und Kabarettisten, dokumentiert, die von ihrem zahlenden Publikum als "Freaks" betrachtet werden. Und vielleicht besteht unsere anhaltende Faszination für diesen Aspekt der Karriere des Fotografen in etwas (mehr als wir zugeben möchten) von diesem ursprünglichen Zirkus-Show-Gawping.

MODERNE KUNST

Saint-Rémy-de-Provence, Juli 1889 - Vincent van Gogh

Van Gogh und Großbritannien

Tate Britain, bis zum 11. August 2019.

Van Gogh verbrachte mehrere entscheidende Jahre in London zwischen 1873 und 1876 und schrieb an seinen Bruder Theo: "Ich liebe London". Als junger Kunsthändler mit Auszubildenden angekommen, wurde er von der riesigen modernen Stadt dazu inspiriert, neue Wege des Lebens, der Kunst und der Liebe zu erkunden.

Die Ausstellung zeigt Van Goghs Begeisterung für die britische Kultur während seines Aufenthalts und seiner nachfolgenden künstlerischen Karriere. Es zeigt, wie er auf die Kunst reagierte, die er sah, darunter Werke von John Constable und John Everett Millais sowie seine Liebe zu britischen Autoren von William Shakespeare bis Christina Rossetti.

Edvard Munch: Liebe und Angst

British Museum, bis zum 21. Juli 2019.

Dies ist die größte Ausstellung der Drucke von Munch in Großbritannien seit 45 Jahren. Es enthält fast 50 Werke aus dem norwegischen Munch Museum sowie wichtige Drucke aus der Sammlung des Britischen Museums und andere Leihgaben aus Großbritannien und Europa. Die 83 gezeigten Arbeiten zeigen gemeinsam die Fähigkeit und Kreativität des Künstlers, die Gefühle und Erfahrungen der menschlichen Situation auszudrücken - von Liebe und Verlangen über Eifersucht, Einsamkeit, Angst und Trauer.
Die Ausstellung zeigt auch, wie Munchs künstlerische Vision durch die radikalen Ideen geprägt wurde, die zu Lebzeiten in Europa in Kunst, Literatur, Wissenschaft und Theater zum Ausdruck kamen. Seine innovativste Zeit der Druckgrafik zwischen den 1890er Jahren und dem Ende des Ersten Weltkrieges fiel mit einer großen Zeit des gesellschaftlichen Wandels in Europa zusammen, die Munch durch ständige Reisen durch den Kontinent erlebte.

Sorolla: Spanischer Meister des Lichts

National Gallery, bis zum 7. Juli 2019.

Joaquin Sorolla y Bastida - Gitarrenspieler, Valencia, 1889.
Die erste britische Ausstellung des spanischen Impressionisten Sorolla seit über einem Jahrhundert.
Bekannt als "Meister des Lichts" für seine schillernden Leinwände ist dies eine seltene Gelegenheit, die vollständigste Ausstellung der Gemälde von Joaquín Sorolla y Bastida (1863–1923) außerhalb Spaniens zu sehen.
Von den lebendigen Meereslandschaften, den Gartenansichten und den für ihn berühmten Baderszenen, über Porträts, Landschaften und Genreszenen des spanischen Lebens, umfasst die Ausstellung mehr als 60 Werke aus Sorollas Karriere, von denen viele aus privaten Sammlungen und aus dem Ausland reisen fern.

Dorothea Bräunung

Tate Modern, bis zum 9. Juni 2019

Dorothea Tanning, Eine Kleine Nachtmusik 1943. Tate. © DACS, 2019
Tanning wollte „unbekannte, aber erkennbare Zustände“ abbilden: Es deutet an, dass im Leben mehr steckt als man auf den ersten Blick sieht. In den 1930er Jahren begegnete sie in New York dem Surrealismus. In den 1940er Jahren erregte ihr kraftvolles Selbstporträt Birthday 1942 die Aufmerksamkeit des Künstlerkollegen Max Ernst, der 1946 heiratete. Ihre Arbeit aus dieser Zeit verbindet das Vertraute mit dem fremden, erforschenden Verlangen und der Sexualität , Tanning 's Gemälde wurden abstrakter und in den 1960er Jahren begann sie, wegweisende Skulpturen aus Stoff herzustellen.

SCREENPRINTING

Corita Kent: Einschalten

Haus der Illustration, Kings Cross, bis zum 12. Mai 2019.

In ihrem Leben (1964) verwandelte Corita Kent Bilder von einem Wonder Bread-Wrapper in eine Meditation über Armut und Hunger, die Zitate von Hazard, Ky., Der Frau eines Bergmanns und von Mohandas Gandhi enthielt
Corita Kent: es gab keine wie sie. Das ist ein Wortspiel, für das ich mich nicht entschuldigen werde, weil Schwester Corita Kent gern mit Worten Spaß hatte. Und sie erzählte gern die Wahrheit mit ihnen, und dieser Satz trifft auch zu: Es gab keinen, der ihr ähnlich war, wie diese Ausstellung flamboyant farbiger Drucke im House of Illustration zeigt.
Die amerikanische Nonne war eine hingebungsvolle und einfühlsame Künstlerin, die ihre berühmtesten Werke in den 60er und 70er Jahren produzierte. Die kühnen farbigen Drucke kombinieren vereinfachte Bilder oder Muster mit Anführungszeichen, in der Regel aus der Bibel oder aus einer Flut von Werbeslogans, die die amerikanische Kultur damals sättigen. Kent leitete eine innovative Kunsthochschule am Immaculate Heart College in Kalifornien. Dort befand sich eine Anweisung, "glücklich zu sein, wann immer Sie es schaffen können" und "alles als Experiment betrachten". Sie setzte sich auch unermüdlich für soziale Gerechtigkeit und bürgerliche Freiheiten ein, darunter den Vietnamkrieg und die Unterstützung von Martin Luther King Jr.

INSTALLATION / DESIGN

Franz West

Tate Modern, bis zum 2. Juni 2019.

Franz West, ohne Titel, 2007. © Estate Franz West / Archiv Franz West.
Franz West (1947–2012) brachte eine Punk-Ästhetik in die unberührten Räume von Kunstgalerien. Seine abstrakten Skulpturen, Möbel, Collagen und großformatigen Arbeiten sind direkt, grob und unprätentiös.
Besucher dieser großen Retrospektive können Nachbildungen seiner Passstücke (Pappmaché-Stücke) handhaben, die zum Aufnehmen und Bewegen hergestellt werden. Sie waren ein Wendepunkt in der Beziehung zwischen Kunst und Publikum. Er schuf auch verspielte Skulpturen, die Gegenstände des Alltags wie einen Hut, einen Besen oder sogar eine Whiskyflasche enthalten. In seinen letzten Jahren produzierte er große, farbenfrohe und absurde Skulpturen für Galerien und öffentliche Räume.

Stanley Kubrick: Die Ausstellung

Design Museum, bis zum 15. September 2019.

Stanley Kubrick: Die Ausstellung bietet einen einzigartigen Einblick in das umfangreiche Archiv des Regisseurs durch Originalrequisiten und -kostüme, Bühnenbilder und seltene Fotografien, während er die Designgeschichte hinter Kubricks Werk nachzeichnet. Seine Faszination für alle Aspekte des Designs und der Architektur beeinflusste jede Phase seiner Filme.
Erleben Sie ikonische Szenen aus The Shining (1980), Eyes Wide Shut (1999) und A Clockwork Orange (1971) und sehen Sie zum ersten Mal in Großbritannien ausgestellte Objekte. Erkunden Sie die einzigartige Beziehung, die Kubrick zu England und insbesondere zu London als seinen Film hatte Ort und Quelle der Inspiration.

Kaleidoskop

Saatchi Gallery, bis zum 5. Mai 2019.

Fata Morgana, Laura Buckley, 2012. Gemischte Medien mit 1/3 Ausgabe digital.
Im Mittelpunkt dieser neun Künstlergruppenausstellung steht "Fata Morgana", ein massives Kaleidoskop in Menschengröße, das von Laura Buckley geschaffen wurde. Das Beste daran ist, dass die Besucher der Galerie die interaktive Installation betreten und ihre wirbelnde, wirbelnde, bunte Innenwelt erleben können. Wenn Sie ein Fan von Yayoi Kusamas "Infinity Rooms" sind und Ihre Kunstwerke instagrammierbar sind, sollten Sie diese Show nicht verpassen.

MODE / LEBENSART

Mary Quant

Das Victoria and Albert Museum bis zum 16. Februar 2020.

Mary Quant und Models bei der Einführung der Kollektion „Quantafoot“, 1967. © PA prints 2008
Quant verkörperte die Energie und den Spaß, London zu schwingen. und war ein starkes Vorbild für die berufstätige Frau. Auf herausfordernden Konventionen machte sie den Minirock, die farbenfrohen Strumpfhosen und die maßgeschneiderte Hose populär - ein neues Zeitalter des Feminismus. Der Minirock würde zu einer Ikone der Zeit werden und eine neue kreative Szene in London und darüber hinaus auslösen.
Von Miniröcken und Hotpants bis hin zu lebhaften Strumpfhosen und Make-up - entdecken Sie, wie Mary Quant mit über 200 Kleidungsstücken und Accessoires, darunter auch ungesehenen Teilen aus dem persönlichen Archiv des Designers, eine Moderevolution auf der britischen Hauptstraße initiierte.

KANN NICHT WARTEN AUF:

Tim Walker

Victoria und Albert, Eröffnung am 21. September 2019.

Tilda, Tim Walker: Geschichtenerzähler, Somerset House, London.
Werfen Sie einen Blick hinter die Kulissen des kreativen Prozesses eines der einfallsreichsten Fotografen der Welt mit seinen Fotografien, Filmen, Sets und Sonderinstallationen - einschließlich einer neuen Fotoserie, die von den Sammlungen von V & A beeinflusst wird.

Lucian Freud: Die Selbstporträts

Die Royal Academy of Arts wird am 27. Oktober 2019 eröffnet.

In einer Weltneuheit vereinen wir Lucian Freuds Selbstporträts in einer außergewöhnlichen Ausstellung. Sehen Sie mehr als 50 Gemälde, Drucke und Zeichnungen, in denen der moderne Meister der britischen Kunst sein unnachgiebiges Auge auf sich gerichtet hat.

Cindy Sherman

National Portrait Gallery, wird am 27. Juni 2019 eröffnet.

SHERMAN Cindy, Ohne Titel (Film Still # 12), Christies, New York.
Eine bedeutende neue Retrospektive mit Werken der führenden zeitgenössischen Künstlerin Cindy Sherman wird im Sommer 2019 gezeigt. Mit der bahnbrechenden Serie Untitled Film Stills, 1977–80, wird diese große neue Ausstellung die Entwicklung von Shermans Werk In den 70er Jahren bis heute, werden rund 150 Werke aus internationalen öffentlichen und privaten Sammlungen sowie neue Arbeiten präsentiert, die noch nie in einer öffentlichen Galerie gezeigt wurden.
Die Ausstellung konzentriert sich auf die Manipulation der Künstlerin an ihrem eigenen Äußeren und den Einsatz von Material, das aus verschiedenen kulturellen Quellen stammt, darunter Film, Werbung und Mode. Sie untersucht die Spannung zwischen Fassade und Identität.

Dieser Artikel wurde von Clubhouse Studios zusammengestellt.

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Siehe auch

Mitglied im Rampenlicht: Brendan McGeehan, David Rose und Jim HamiltonAuf Fotografie