Veröffentlicht am 19-03-2019

Hinweise zum Atelier des Künstlers

Ugo Mulas, „Lucio Fontana“, 1964. Gelatinesilberabzug auf unbedrucktem Papier an Bord.

Die als Concetto spaziale bekannte Serie von Gemälden des argentinisch-italienischen Künstlers Lucio Fontana ist einer der Momente der Kunstgeschichte, deren Bedeutung heute leicht übersehen wird. Es ist schwer vorstellbar, wie radikal sie in den 1960er Jahren ausgesehen haben müssen: schlicht weiße Leinwände, die nichts weiter als einen oder einige Schlitze zeigen, in denen Fontana die Oberfläche mit einer Klinge aufschlitzte. Wie ich bei meiner Besprechung einer Ausstellung mit Fontana im Jahr 2015 (die Sie hier lesen können) klar wurde, ist es zudem nur durch die Berücksichtigung der Atmosphäre des Nachkriegseuropas möglich, zu verstehen, wie viel Sinn und Zweck diese einfache Geste hatte .

Es gibt jedoch immer neue Sichtweisen auf ein Kunstwerk. Am anderen Abend besuchte ich einige Galerien in der Nähe von Piccadilly und sah mich unerwartet erneut mit einem der Gemälde von Concetto spaziale konfrontiert. Nur habe ich mir das Bild nicht selbst angesehen, sondern eine Serie von Fotos, auf der Fontana in seinem Atelier gezeigt wurde. Wo vorher die strenge Aura eines ikonischen Kunstwerks gewesen war, gab es jetzt Melodrama und einen Sinn für Humor. Die Bilder des italienischen Fotografen Ugo Mulas wurden in einer klimatischen Reihenfolge angeordnet. Zuerst sehen wir Fontana in einiger Entfernung von der Leinwand, Stanley-Messer in der Hand, sein angespanntes Handgelenk und der ordentlich gefaltete Ärmel den Anfang einer lang erwarteten Handlung. Im Raum herrscht eine Stimmung ritueller Stille, verstärkt durch das sanfte Licht, das durch ein großes Fenster fällt. Dann nähert sich Fontana unsicher der Leinwand und macht den ersten Schnitt auf seiner weißen Oberfläche - ein Moment, der zuerst im Weitwinkel und dann in der Nahaufnahme dargestellt wird. Schließlich, nach der Tat, bleibt er in einer feierlichen Verbeugung, die Leinwand ist jetzt durch eine meterlange Spalte gespalten.

Installation von Ugo Mulas, Lucio Fontana, L'Attesa, Milano 1–6, 1964 (2019) Moderner Druck. Silbergelatineabzug auf Baritpapier. Auflage von 8. Mit freundlicher Genehmigung von Robilant + Voena.

Dies sind nur einige der Fotografien, die Mulas in den 1960er und 70er Jahren in ihren Ateliers von Künstlern gemacht hat, die in der Galerie Robilant + Voena in der Dover Street zu sehen sind. Ähnlich wie die Bilder von Fontana erfordern Mulas Fotografien einen phantasievollen Rückschritt in der Zeit. Sie wirken jetzt so klassisch im Stil und so herrlich im Ton, dass man ihre subtileren Aspekte übersehen kann. Insbesondere verstehe ich das Gefühl, dass Mulas sich seiner Rolle als Mythenmacher bewusst war. Seine Bilder spielen auf spielerische Weise mit der Romantik des Ateliers des Künstlers - der Umgebung, in der ungewöhnliche Individuen in der populären Vorstellung einen exotischen und geheimnisvollen Prozess der Magie vollziehen.

Die Studios haben mich schon immer fasziniert, wahrscheinlich weil ich zu Hause mit einem aufgewachsen bin. Dies war das Atelier meiner Mutter. Es befand sich zwischen der Küche und dem Schlafzimmer meines Bruders, aber ich war mir immer bewusst, dass es ein anderes Zimmer war als die anderen im Haus. Ein Ort der Inspiration, ja: ein Reich von Kaffee, Bücherregalen und klassischer Musik. Aber auch ein Ort der Arbeit, der nach Terpentin roch und einen kalten Zementboden hatte, ein Ort, an dem meine alten Klamotten zum Abwischen der Ätzplatten wurden. Es war (und bleibt) vor allem ein sehr besonderer Rahmen, der durch die Kontingenzen des Arbeitslebens einer Person geprägt wurde, wie sie sich über viele Jahre entwickelt hatte.

Insofern Künstlerateliers wirklich besondere, geheimnisvolle Orte sind, liegt dies an dieser Besonderheit. Dies spiegelt sich jedoch nur selten in der sie umgebenden Fotografie und dem Journalismus wider. Vielmehr neigen die Studios dazu, die Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen, je nachdem, wie gut sie eine bestimmte Vorstellung von dem Künstler als Außenseiter, einem unkonventionellen oder sogar außerirdischen Wesen verkörpern. Ein Atelier, das zu dieser Vorlage passt, gehört zu dem mönchartigen Maler Frank Auerbach, der seit 1954 mehr oder weniger täglich in derselben feuchten Zelle in Mornington Crescent gearbeitet hat. von 365 Tagen bis 364). Der Raum ist nicht nur eng und kaum möbliert, sondern zur Freude verschiedener Fotografen im Laufe der Jahre hat Auerbachs Abstreiftechnik den Boden in Schicht auf Schicht aus verkalkter Farbe geschichtet. Dies ist jedoch nichts im Vergleich zu der ikonischen Höhle von Francis Bacon - einer Katastrophenzone, die einem Müllhaufen ähnlicher als einem Atelier ähnelte und Bacons Persönlichkeit als chaotischen, verurteilten Verrückten perfekt einfing.

Jorge Lewinski, „Frank Auerbach“, 1965. © Das Lewinski-Archiv in Chatsworth.Perry Ogden,

Tatsache ist natürlich, dass Studios oft sehr nützliche Räume sind - sauber und sorgfältig organisiert, wobei die meisten praktischen Fragen wie Lagerung und Beleuchtung in Betracht gezogen werden. Natürlich sind einige Künstler unordentlich, aber ihr Durcheinander unterscheidet sich qualitativ nicht von dem, was in vielen Arbeitsbereichen vorhanden ist. Und doch kann selbst die scheinbar bescheidene Realität eines Studios einen rätselhaften Effekt haben. Journalisten und Besucher beschäftigen sich häufig genau mit den gewöhnlichsten, anpassungsfähigsten Aspekten des Berufslebens eines Künstlers und verstärken dadurch implizit die Vorstellung, dass ein Künstler etwas anderes als gewöhnlich ist. In einem Film über "Secrets of the Studio" erfahren wir zum Beispiel, dass Grayson Perry "gerne in einem Sessel zusammenbricht und den Archers zuhört", während George Shaw "ziemlich viel Arbeitszeit" hat.

Dieses Paradoxon wurde von Roland Barthes in seinem wundervollen Essay "The Writer on Holiday" beobachtet. Nachdem er die Tendenz der Presse, sich mit den häuslichen Aspekten des Lebens eines Schriftstellers zu beschäftigen, wie Urlaub, Ernährung und die Farbe ihrer Schlafanzüge, bemerkt, bemerkt Barthes :

Weit entfernt von den Details seines täglichen Lebens, die mir die Natur seiner Inspiration näher bringen und klarer machen, ist es die gesamte mythische Einzigartigkeit seines Zustands, die der Autor durch solche Vertraulichkeiten betont. Denn ich kann einer Übermenschlichkeit nicht nur die Existenz von Wesen zuschreiben, die groß genug sind, um blaue Pyjamas in dem Moment zu tragen, in dem sie sich als universelles Gewissen manifestieren […].

Manchmal scheinen Künstler selbst diesen Trick zu benutzen. Wolfgang Tillmans 'Foto Studio still life, c, 2014 zeigt einen sehr gewöhnlichen Schreibtisch mit mehreren Computern, einer Tastatur, einem Cellotape, Haftnotizen und so weiter. Es gibt nur einen Hinweis auf Bohemia, der durch die Bierflasche, die Zigarettenpackungen und den Aschenbecher transportiert wird. Es ist verlockend, dieses Bild, besonders wenn es neben Tillmans anderen Arbeiten gezeigt wird, als subtiles Stück Selbstverherrlichung zu interpretieren - eine Geste der Demut, die den Künstler umso bemerkenswerter erscheinen lässt, um ein echter Mensch zu sein.

Wolfgang Tillmans, „Atelierstillleben, c, 2014.“

Wir sollten jedoch nicht zu zynisch sein. Die verschiedenen romantischen Tropen, die Künstler umgeben, sind nicht immer und nur ein Werkzeug der Mystifizierung, und sie zeigen auch nicht, wie Barthes angedeutet hat: "Die glamouröse bürgerliche Gesellschaft verleiht ihren geistigen Vertretern liberal", um sie harmlos zu machen. Solche "Mythen" bieten auch eine Möglichkeit, auf eine tiefere Realität zu zeigen und zu navigieren, von der wir wissen, dass künstlerische Produktion, zumindest in ihrer modernen Form, eine sehr persönliche Angelegenheit ist. Deshalb haben wir immer das Gefühl, wenn wir ein Atelier sehen oder betreten, dass wir Eindringlinge an einem Ort esoterischen Rituals sind.

Wie gesagt, die Schönheit eines Studios liegt in seiner Besonderheit. Heißt das also, dass man ein Studio nicht schätzen kann, ohne sich mit ihm vertraut zu machen? Nicht komplett. Vor kurzem wurde mir eine Kopie des Künstlers Artists Studios von Architekt MJ Long verliehen, in dem sie die zahlreichen Räume aufzeichnet, die sie während ihrer Karriere für Künstler entworfen hat. Dazu gehören einige der buntesten und in der Tat mythologisierten Studios. Als Architekt ist Long jedoch eindeutig in der Lage, uns die konkreten praktischen und persönlichen Überlegungen mitzuteilen, die dahinter stehen. Als solche ist sie in der Lage, ihre wirklich poetischen Aspekte herauszustellen, ohne in ein Klischee zu geraten.

Ich denke, diese Poesie wird in einigen Notizen festgehalten, die von Long Wils Ehemann und Partner Sandy Wilson hinterlassen wurden, um sie zu ermutigen, ihr Buch zu schreiben. Er fasst einige ihrer Atelierprojekte und die Künstler, die sie beauftragt haben, kurz wie folgt zusammen:

Kitaj, Gelehrter-Künstler, arbeitete umgeben von Büchern und Werken seiner Freunde. In seinem Atelier liegen Bücher am Fuße jeder Staffelei wie Pflastersteine ​​in einem japanischen Garten.
Blake arbeitet in einer Art Wunderland, das seine magische geheimnisvolle Welt der Ikonen widerspiegelt und verkörpert, die seine Vorstellungskraft beeinflussen.
Ein Tanzfotograf benötigte ein reines Vakuum, das mit Licht aufgeladen war, aber keinerlei physischen Sinn für einen Ort.
Auerbachs Atelier ist die abgeschlossene Zelle der Einzelgängerin.
Ben Johnson fordert die klinischen Bedingungen des Operationssaals, die er mit akribischen Mitarbeitern in einem geplanten Ausführungsprogramm teilt.

Siehe auch

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