Auf der Femme Fatale: Woher kommt sie und wohin geht sie?

Es ist unglaublich erstaunlich, wie etwas so Einfaches wie ein grundlegender psychologischer Archetyp in einem kurzen Kunstwerk (einem dreizehnminütigen Kurzfilm) den Keim einer Idee in den Kopf implantieren kann, die Wurzeln schlägt und zu einem Aufsatz mit zweitausend Wörtern wird. Mehr zu diesem Punkt finden Sie am Ende dieses Aufsatzes.

Der Film Noir und seine Elemente erleben im 21. Jahrhundert eine Renaissance, was nicht zuletzt dem Archetyp der Femme Fatale zu verdanken ist. Wir kennen sie als rein, tödlich, schön und geisteskrank: das Raubtier der unglücklichen, törichten Männer im klassischen Noir und die Folie des naiven Mädchens der Ingénue von nebenan in vielen Film- und Bühnenproduktionen.

Sie wurde von Filmkritikern ad nauseam dekonstruiert, als nichts anderes als männliche Ängste nach dem Zweiten Weltkrieg über die wachsende Macht und den Einfluss von Frauen in Politik und am Arbeitsplatz. Für diese Kritiker wird die Femme Fatale oft als ultimative Darstellung und Verkörperung von Frauenfeindlichkeit angesehen.

Ich sehe das ganz anders. Während ja, oft ist die Femme Fatale die archetypische „Eiskönigin“, ist sie (notwendigerweise) auch so viel mehr. Sie ist reine tödliche Schönheit, aber sie ist intelligent genug, um diese Schönheit und ihre List und ihren Intellekt zu ihrem Vorteil zu nutzen. Auf diese Weise teilt die Femme Fatale einige Merkmale mit dem, was wir heute als „starke Frauen“ bezeichnen würden. Dies ist kaum eine "frauenfeindliche" Ansicht des Charaktertyps. Wenn überhaupt, hat es eine offenere feministische Botschaft: Frauen können und sollten die Kontrolle übernehmen, selbst in einer von Männern dominierten Welt.

Deshalb liebe ich die Femme Fatale. Sie mag nicht moralisch sein, aber sie fesselt mit der bloßen Kraft ihres Willens und sie hypnotisiert mit ihrer tödlichen Schönheit.

Doch woher genau kam die Femme Fatale im modernen Kino? Noch wichtiger ist, wohin geht sie? Das sind zwei Fragen, die hier untersucht werden.

Babygesicht (1933)

Eines der frühesten Beispiele für eine Femme Fatale und eines der rücksichtslosesten in der Geschichte Hollywoods ist zweifellos die große Barbara Stanwyck als Lily Powers in Baby Face (1933). Der Film ist zwar älter als die allgemein akzeptierte Definition, wann „klassischer Film Noir“ auf den Markt kam, aber dennoch eine Tour de Force der Sünde im Übergang, da der Hays Production Code bei den Studios in Hollywood noch nicht in Kraft war.

Lily Powers beginnt ihr Leben als niedere Tochter eines armen Speakeasy-Besitzers während der Prohibition in der Stadt. Sie hat einen unglaublichen Antrieb und eine unglaubliche Entschlossenheit, ihre schmutzige Umgebung zu verlassen, die von einem älteren Gönner des Establishments ihres Vaters gepflegt wird, der Nietzsche religiös liest und Lily seine Botschaft „Kontrolle übernehmen“ mitteilt. Tatsächlich glaube ich nicht, dass ich jemals einen Film oder eine Fernsehsendung gesehen habe, die sich seit der ersten Staffel von True Detective (2014) so ​​sehr auf Nietzsche konzentriert.

Nietzsches Botschaft, die Lily vom alten Mann übermittelt wurde, inspiriert sie und ihre farbenfrohe afroamerikanische Freundin Chico (Theresa Harris) schließlich dazu, mit sehr wenig Geld in der Hand einen Zug nach New York City zu nehmen. Hier findet Lily Arbeit bei einer großen Bank in Manhattan und schläft fröhlich nach oben, ruiniert alle bis zum Bankpräsidenten auf ihrem Weg und veranlasst sogar einen Selbstmordversuch (ein noch tabueres Thema in den 1930er Jahren). Suchen Sie nach einem sehr jungen John Wayne als einem der Männer, die auf ihrem Weg dezimiert werden sollen.

John Wayne gegenüber Barbara Stanwyck.

Der Film ist zutiefst dunkel und musste speziell für das New York State Board of Censors abgeschwächt werden, bevor er gezeigt werden konnte. Glücklicherweise wurde ein betrogenes Negativ erstellt, um den Film zu erhalten, bevor die vom Zensor geforderten Schnitte vorgenommen wurden. Dieser betrogene Negativschnitt wurde erst 2004 in London gezeigt.

Scharlachrote Straße (1945)

Fritz Langs Scarlet Street ist wahrscheinlich der dunkelste Film Noir auf dieser (zugegebenermaßen unvollständigen) Liste - mein Blick darauf ist hier zu finden. Christopher Cross (Edward G. Robinson) ist ein Kassierer mittleren Alters in Greenwich Village, New York, der in seiner Freizeit seine eher mürrische Frau malt und meidet. Eines Nachts, nach einer Party am Arbeitsplatz, wird Katherine 'Kitty' March (Joan Bennett) von ihrem Freund (und wahrscheinlich Zuhälter) Johnny (Dan Duryea) an einer Straßenecke zusammengeschlagen.

Joan Bennett gegenüber Edward G. Robinson in der 'Scarlet Street'. GIF mit freundlicher Genehmigung von NitrateDiva.Joan Bennett (Kitty March) gegenüber Dan Duryea (Johnny) in der „Scarlet Street“ (1945). Beachten Sie ihre manipulativen, aber traurigen Augen, als Johnny sie unter Druck setzt, Christophers Gemälde als ihr eigenes zu signieren.

Doch all diese Fantasien haben irgendwann einen Detonationspunkt. Dies geschieht, wenn Christopher Kitty letztendlich mit Johnny erwischt und sie (ohne Zweifel) Christopher ablehnt. Das Ergebnis ist weltbewegend und das Ende des Films ist, dass Christopher versucht, mit der Schuld an seinen schweren Sünden fertig zu werden.

Der Film basiert auf Jean Renoirs La Chienne (1931), was auf Englisch „die Hündin“ bedeutet. Renoirs Film fühlte sich wie eine Übung der Sinnlosigkeit an, als das Ende in ein Lachen über etwas verunglimpfte, das nicht einmal dunkel lustig ist. Langs Version der Geschichte ist in Struktur und Ausführung weit überlegen.

Das andere Element von Joan Bennetts Femme Fatale in der Scarlet Street, das es von anderen Iterationen des Archetyps unterscheidet, ist Kittys Sympathiefaktor. Das Publikum wird dazu gebracht, mit ihr als „Frau in Schwierigkeiten“ zu sympathisieren und nicht nur als manipulierende Frau, weil Johnny seine psychischen Krallen in sich hat und nur das allgemeine Gefühl, dass sie noch nicht dort sein will, wo sie im Leben ist Sie steckt hoffnungslos dort fest.

Gilda (1946)

Rita Hayworth war eine der visuell beeindruckendsten Frauen, die jemals das Nitrat in Hollywood zierten. Als versierte Tänzerin und Musikerin (während die Vokalkünstlerin Anita Ellis die Big-Band-Performance von „Put the Blame on Mame“ aufnahm, ist Ritas Stimme während der Aufführung des Songs nur mit der Akustikgitarre an der Bar zu hören), stieß sie auf sie als etwas in der Nähe der zweiten Natur handeln. Gilda war wohl ihre Breakout-Performance und was sie letztendlich unter den Femme Fatale-Göttinnen in ihrem Pantheon festigte. Gilda war sogar die Inspiration für Jessica Rabbit in Who Framed Roger Rabbit? (1988).

Jessica Rabbit Gilda Fan Art.

Von der ersten Szene ihres Tanzes bis zum letzten Refrain von „Put the Blame on Mame“ strotzt sie nur so vor Sexualität wie keine andere Schauspielerin damals oder heute. Als Ex-Spieler Johnny Farrell (Glenn Ford) in Buenos Aires landet, schlägt die Vision seiner Ex-Geliebten Gilda in sein Gehirn zurück (falls sie jemals wirklich gegangen ist), als er sie als Frau seines neuen Arbeitgebers wieder trifft. In der Tat ist Gilda, die gegen Johnny knallt, nicht nur metaphorisch: In der Szene, in der Rita Hayworth Glenn Ford schlägt, hat sie sich wirklich zwei Zähne gebrochen.

Gilda ist wahrscheinlich das beste Beispiel für Leidenschaft und Feuer in einer Femme Fatale. Als Charakter tanzt sie seit über siebzig Jahren unsterblich wie ein Sprite durch die Visionen von Männern. Denn wie Gilda selbst im Film sagt: "Ich bin Tänzerin!" Die Vision von ihr wird niemals sterben.

Aus der Vergangenheit (1947)

Wir haben jetzt die Rücksichtslosen, Sympathischen, Leidenschaftlichen, Fluchtbedürftigen und die Kälte und Berechnende gesehen. Wir müssen jedoch noch die wahrscheinlich faszinierendste Variante der Femme Fatale untersuchen: den Geist, den Waif.

Kathie Moffat (Jane Greer) in Jacques Tourneurs Out of the Past ist so gut wie jeder andere Ort, um die geisterhafte Femme Fatale zu untersuchen. Der frühere Privatdetektiv Jeff Bailey (Robert Mitchum) muss sich seiner Vergangenheit stellen, als sein Partner und ein ehemaliger Kunde ihn in der kleinen kalifornischen Stadt finden, in der er versucht, ein neues Leben zu beginnen. Er erzählt die Geschichte, wie er Moffat in Mexiko getroffen hat. wo er von Spieler Kirk Douglas geschickt wurde, um sie zu verfolgen, nachdem sie ein paar Schüsse von der .38 des Spielers in New York City in ihn gepflanzt hatte und mit einer beträchtlichen Summe seines Geldes zu seiner neuen Freundin Ann (Virginia Huston) lief.

Jane Greer als Kathie Moffat in der Werbung noch

Die Magie des geisterhaften Moffat in Out of the Past liegt sowohl in Greers wegweisender Leistung als auch in Tourneurs Regie und in der Struktur der Geschichte. Baileys Erinnerungen an sie sind sexy, dampfend und sehr traumhaft, als er sich daran erinnert, wie er an vielen lauen mexikanischen Nächten vor einer Cantina auf sie gewartet hat. Da sie traumhaft sind, sind sie per Definition auch sehr formbar; das heißt, bis er gezwungen ist, sich ihr in der Gegenwart erneut zu stellen.

Nicholas Musuracas Kinematographie in Out of the Past entwickelt Kathie elegant als Femme Fatale. Wir sehen sie in 3 Stufen, die unschuldige Stufe ist durch weiße Kleidung und sehr weiches Licht gekennzeichnet:

Kathie Moffatt im Stadium 1 ihrer Entwicklung als Femme Fatale: dem Stadium der Unschuld. Das weiße Kleidungsmotiv ist offensichtlich, aber beachten Sie auch Musuracas weichen Schatten um sie herum. Dies betont ihre traumhaften oder waifartigen Eigenschaften.

In Stufe 2 kommt moralische Zweideutigkeit ins Spiel, mit blassen Grautönen und härterem Schatten:

Kathie in ihrer zweiten Entwicklungsphase als Femme Fatale, geprägt von moralischer Ambiguität. Beachten Sie das blasse Grau im Kleiderschrankmotiv, das immer noch mitgenommen wird. Beachten Sie auch die härteren Schatten, die den Zerfall der Vision ihrer Reinheit betonen.

Und Stufe 3, völlige moralische Entwertung, gekennzeichnet durch Schwarze und sehr harten Schatten:

Das letzte Stadium von Kathies Entwicklung als Femme Fatale: geprägt vom Bösen. Das schwarze Garderobenmotiv ist vorne und in der Mitte, und Musuracas harte Schatten um sie herum verstärken ihre moralische Abstammung.

Diese sehr bewussten Kleidungs- und Kinematografie-Entscheidungen wirken in ihrer Einfachheit als täuschend brillantes Mittel, um Kathies Abstieg in Vergessenheit zu bringen.

Mein ausführlicher Blick auf Out of the Past kann hier gelesen werden.

Der britische Titel

Schwindel (1958)

Kim Novaks Darstellung von zwei Charakteren (Madeline Elster / Judy Barton) in Hitchcocks Vertigo ist die wesentliche Studie in der Psychologie der waifartigen Femme Fatale. James Stewart spielt den Detektiv John 'Scottie' Ferguson aus San Francisco, der unter schwächendem Schwindel infolge der Akrophobie (Höhenangst) leidet, die ihn traf, als er im Dienst auf einem Dach hing, als ein uniformierter Polizist später starb versuchen ihn zu retten.

Werbung immer noch für 'Vertigo', die die Dynamik des Charakterwechsels neckt.

Scottie wird anschließend von einem Freund angeworben, um seiner Frau (Kim Novak) zu folgen, die seltsam gehandelt hat. Diese ganze Situation und Scotties anschließende Besessenheit mit ihr ziehen ihn als unglücklichen Zeugen in einen Mordanschlag und erschüttern den armen Mann noch mehr, als er bereits verunsichert war und sehr schlecht endet.

Kim Novak als Madeline Elster in Kim Novak nach ihrer Verwandlung in die geniale Judy Barton in „Vertigo“ (1958). Beachten Sie ihr unschuldigeres Aussehen, das für Judy charakteristisch ist, weil sie ihre eigene Unschuld an den Mordanschlag glauben wollte.

Scotties Besessenheit mit Kim Novaks Charakteren prägt sehr, wie Hitchcock sie sowohl als Madeline Elster als auch als Judy Barton zeigt. Scottie beobachtet sie genau und sieht wirklich genau das, was er sehen möchte: Sie ist für ihn weniger eine Frau als vielmehr eine Mischung aus dem, was er glaubt, dass eine Frau sein sollte - tatsächlich existierte Madeline Elster überhaupt nicht wirklich. Sie ist ein Archetyp für ihn, ein Waif und ein Geist. Wie Judy geht, wird auch Madeleine.

Schwindel befasst sich auch ziemlich tief mit Psychologie und Neurologie und berührt die Idee des Doppelgängers und sogar der Capgras-Täuschung (weil er glaubt, dass eine Person, mit der man nahe steht, durch einen Betrüger ersetzt wurde). In der Tat weiß Scottie nicht, was er durch viele der zentraleren Szenen des Films glauben soll.

Mein erweiterter Blick auf Vertigo kann hier gelesen werden.

Das 'Vertigo'-Originalplakatdesign von Saul Bass wurde durchweg zum besten aller Zeiten gewählt. Die Animation bringt die beabsichtigten Dimensionen wirklich zur Geltung.

Mulholland Dr. (2001)

Hitchcock legte einen Großteil der künstlerischen und psychologischen Grundlagen für David Lynchs surrealistisches Magnum-Opus über tote Träume, verfallende Liebe und den faulen Unterbauch Hollywoods.

Naomi Watts in Naomi Watts in

Die Darstellung der Femme Fatale in Mulholland Dr. muss in Form von wirklich vier von zwei Personen untersucht werden: Betty / Diane Selwyn (Naomi Watts) und Rita / Camilla Rhodes (Laura Harring), da sie im Wesentlichen aus diesen Personen zusammengesetzt sind. Dies muss auf diese Weise geschehen, da der gesamte Film wirklich eine Traumsequenz ist, gefolgt von einer Post-Traum-Sequenz, die alle in Dianes Unterbewusstsein spielt. Rita ist im Traum die Femme Fatale, da sie die mysteriöse, amnesische „Frau in Schwierigkeiten“ ist, während Diane in Wirklichkeit die Femme Fatale ist (die Post-Dream-Sequenz), während sie den Mord an ihrem Geliebten plant und ausführt Camilla Rhodes. Der gesamte Film ist traumhaft: Dadurch werden auch die Charaktere.

Laura Harring als Rita in Laura Harring als ihr wahres Ich, Camilla Rhodes, in

Mulholland Dr. (zusammen mit Vertigo) ist das höchste, elegante Beispiel für die Femme Fatale als Waif. Lesen Sie hier meinen ausführlichen Blick auf Mulholland Dr., „Die Schönheit liegt in der Mehrdeutigkeit“.

Wie im nächsten Eintrag gezeigt werden soll, steht die Rückkehr der rein rücksichtslosen Femme Fatale vor der Tür.

Gone Girl (2014)

Amy Dunne (Rosamund Pike) ist die gelangweilte und unzufriedene Frau von Nick Dunne (Ben Affleck), die in der winzigen Stadt New Carthage im Missouri-Absatz lebt. Amy war für großartige Dinge bestimmt: einen großartigen akademischen Stammbaum, eine versierte Kinderbuchautorin, die aus Geld stammt. Sie hätte nie gedacht, dass das Schicksal sie und ihren damals verliebten Ehemann schlagen würde.

Also beschließt sie, ihren absolut beängstigenden und rücksichtslosen Verstand (wie wir sehen werden, wenn sich die Verschwörung entwickelt) eines Tages zur Arbeit zu bringen, ihren eigenen Mord und ihr Verschwinden vorzutäuschen und den faulen Nick dafür verantwortlich zu machen. Sie kommt einige Zeit damit durch, und das Ende von Gone Girl ist eine wirklich poetische Gerechtigkeit von sehr krankhafter Art gegenüber ihrem Ehemann.

Rosamund Pike als Amy Dunne neben Ben Affleck als Nick Dunne in „Gone Girl“ (2014). Ihr ausdrucksloser, gefrorener Gesichtsausdruck soll die Gefühle der häuslichen Fäulnis zusammenfassen, die sie hat, bevor sie ihren großen Plan entfaltet, ihren Ehemann wegen Mordes zu beschuldigen.

Die Magie von Gone Girl liegt in der kühnen Kreativität von Regisseur David Fincher hinter der Kamera. Er wollte es mehr zu einem „europäischen Film“ machen, mit einigen sehr aufwändigen und uneingeschränkten Sexszenen und auch ohne auf den Einsatz von Blut zu verzichten. Gillian Flynn, die Autorin des Drehbuchs, hat auch den Quellroman von Gone Girl geschrieben, und ihr Beitrag und die Entwicklung der Figur können einfach nicht überbewertet werden.

Rosamund Pike als Amy Dunne in „Gone Girl“ (2014). Beachten Sie ihren manipulativen Blick, als sie in diesem Still die Fäden an ihrem unglücklichen Ehemann Nick (Ben Affleck) zieht.

Rosamund Pikes Darstellung der brillant berechnenden und kalten Femme Fatale Amy Dunne war in vielerlei Hinsicht absolut bahnbrechend. Ihre Brutalität war ungeheuerlich, ihre Bewegungen in dem Spiel, das sie in Gang setzte, um ihren Ehemann zu rahmen und die Öffentlichkeit irrezuführen, waren außerordentlich detailliert und ihr Ehrgeiz grenzenlos.

Die Amy Dunne-Figur läutet eine Rückkehr zu der geradlinigen, rücksichtslosen Femme Fatale ein, die seit Barbara Stanwyck in Baby Face nicht mehr zu sehen war und gleichzeitig ein neues Maß an Verderbtheit erreicht hat. Wenn das unabhängige Kino ein Hinweis auf zukünftige Massentrends in Hollywood ist, sehen wir möglicherweise auch eine Rückkehr zur Vertigo / Mulholland Dr. waif-ähnlichen Femme Fatale.

Spielen Sie Violett für mich (2016)

Play Violet for Me ist der Kurzfilm, der diesen Blick auf die Entwicklung der Femme Fatale inspiriert hat: um zu sehen, woher sie kommt und wohin sie vielleicht geht. Es steht sehr in der Tradition von Vertigo / Mulholland Dr., wobei Najarra Townsend ihre Doppelcharaktere im Film absolut festhält. Play Violet for Me hat auch eine der erfinderischsten Handlungsstränge, die jemals in einem kurzen Noir-Stück gesehen wurden. Ein Einzelgänger ist besessen von Violet, als sich sein Leben um ihn herum entfaltet. Der Film schafft es, etwas in der Nähe von Vertigo zu erreichen, jedoch nur in dreizehn Minuten. Eine kühne Aussage, aber es ist wahr.

Siehe Violett unten.

Najarra Townsend als Violet (oder vielleicht ihre andere Figur, ihre Schwester) in 'Play Violet for Me' (2016). Die waif-artige tödliche Femme Fatale lebt und ist sehr gut.Najarra Townsend als Violets Schwester (oder vielleicht Violet?) In

Es ist wirklich erstaunlich, wie tiefgreifend etwas so Einfaches wie ein dreizehnminütiger Kurzfilm sein kann und eine Idee wie diesen Aufsatz hervorbringt. Wir haben gesehen, woher die Femme Fatale kam. Wenn Gone Girl und Play Violet for Me eine solide Prognose sind, sehen zukünftige Iterationen auf ihr sehr, sehr hell aus (oder sehr, sehr noir?).