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Veröffentlicht am 08-09-2019

Auf der Femme Fatale: Woher kommt sie und wohin geht sie?

Es ist unglaublich erstaunlich, wie etwas so Einfaches wie ein grundlegender psychologischer Archetyp in einem kurzen Kunstwerk (ein dreizehnminütiger Kurzfilm) den Keim einer Idee in den Kopf implantieren kann, der Wurzeln schlägt und zu einem zweitausend Worte umfassenden Essay wird. Mehr zu diesem Punkt können Sie am Ende dieses Aufsatzes nachlesen.

Der Film noir und seine Elemente erleben im einundzwanzigsten Jahrhundert eine Renaissance, was nicht zuletzt dem Archetyp der Figur zu verdanken ist, der die femme fatale ist. Wir kennen sie als rein, tödlich, schön und verrückt: das Raubtier für die unglücklichen, törichten Männer im klassischen Noir und die Folie für das Mädchen nebenan des Ingénue, das in vielen Film- und Bühnenproduktionen naiv ist.

Sie wurde von Filmkritikern ad nauseam dekonstruiert, als bloß männliche Ängste nach dem Zweiten Weltkrieg über die wachsende Macht und den Einfluss von Frauen in Politik und am Arbeitsplatz. Für diese Kritiker wird die Femme Fatale daher oft als die ultimative Darstellung und Verkörperung von Frauenfeindlichkeit angesehen.

Ich sehe das ganz anders. Ja, oft ist die Femme Fatale die archetypische „Eiskönigin“, aber sie ist auch (notwendigerweise) so viel mehr. Sie ist reine tödliche Schönheit, aber sie ist intelligent genug, um diese Schönheit und ihre List und ihren Verstand zu ihrem Vorteil zu nutzen. Auf diese Weise teilt die Femme Fatale einige Merkmale mit dem, was wir heute als „starke Frauen“ bezeichnen würden. Dies ist kaum eine "frauenfeindliche" Sichtweise des Zeichentyps. Wenn überhaupt, hat es eine offen feministische Botschaft: Frauen können und sollten die Kontrolle übernehmen, selbst in einer von Männern dominierten Welt.

Deshalb liebe ich die Femme Fatale. Sie mag nicht moralisch sein, aber sie fesselt mit der bloßen Kraft ihres Willens und sie hypnotisiert mit ihrer tödlichen Schönheit.

Doch wo genau kam die Femme Fatale im modernen Kino her? Was noch wichtiger ist, wohin geht sie? Das sind zwei Fragen, die hier untersucht werden.

Babygesicht (1933)

Eines der frühesten Beispiele für eine weibliche Fatale und eines der skrupellosesten in der Geschichte Hollywoods ist zweifellos die große Barbara Stanwyck als Lily Powers in Baby Face (1933). Obwohl der Film vor der allgemein akzeptierten Definition von „klassischem Film Noir“ auf den Markt kam, ist er dennoch eine Tour de Force der Sünde im Übergang, da der Hays Production Code für die Studios in Hollywood noch nicht in Kraft war.

Lily Powers beginnt ihr Leben als die bescheidene Tochter eines armen Speakeasy-Besitzers während der Prohibition in der Stadt. Sie hat einen unglaublichen Drang und eine unglaubliche Entschlossenheit, ihre düstere Umgebung zu verlassen, die von einem älteren Mäzen des Establishments ihres Vaters gepflegt wird, der Nietzsche religiös liest und Lily seine Botschaft mitteilt, wie er die Kontrolle übernimmt. Tatsächlich glaube ich nicht, dass ich jemals einen Film oder eine Fernsehsendung gesehen habe, die sich seit der ersten Staffel von True Detective (2014) so ​​stark auf Nietzsche konzentriert.

Nietzsches Botschaft, die der alte Mann Lily übermittelt hat, inspiriert sie und ihre farbenfrohe afroamerikanische Freundin Chico (Theresa Harris) schließlich dazu, mit sehr wenig Geld in einen Zug nach New York City zu steigen. Hier findet Lily Arbeit bei einer großen Bank in Manhattan und schläft sich fröhlich an die Spitze. Sie ruiniert alle bis zum Bankpräsidenten auf ihrem Weg und veranlasst sogar einen Selbstmordversuch (in den 1930er Jahren ein noch tabueres Thema). Suchen Sie nach einem sehr jungen John Wayne als einen der Männer, die auf ihrem Weg dezimiert werden sollen.

John Wayne gegenüber Barbara Stanwyck.

Der Film ist zutiefst dunkel und musste speziell für das New York State Board of Censors abgeschwächt werden, bevor er gezeigt werden konnte. Glücklicherweise wurde ein Dupe-Negativ erstellt, um den Film zu konservieren, bevor die von der Zensur geforderten Schnitte vorgenommen wurden. Dieser vorgetäuschte Negativschnitt wurde erst 2004 in London gezeigt.

Scharlachrote Straße (1945)

Fritz Langs Scarlet Street ist wahrscheinlich der dunkelste Film Noir auf dieser (zugegebenermaßen unvollständigen) Liste - mein Blick darauf ist hier zu finden. Christopher Cross (Edward G. Robinson) ist ein Kassierer mittleren Alters in Greenwich Village, New York, der seine eher mürrische Frau in seiner Freizeit malt und meidet. Eines Nachts, nach einer Betriebsfeier, wird Katherine ‘Kitty’ March (Joan Bennett) an einer Straßenecke von ihrem Freund (und wahrscheinlich Zuhälter) Johnny (Dan Duryea) zusammengeschlagen.

Joan Bennett gegenüber Edward G. Robinson in der Joan Bennett (Kitty March) gegenüber Dan Duryea (Johnny) in der

Alle diese Fantasien haben jedoch irgendwann ihren Höhepunkt. Dies geschieht, wenn Christopher Kitty schließlich mit Johnny erwischt und sie (ohne Zweifel) Christopher ablehnt. Das Ergebnis ist weltbewegend und das Ende des Films ist der Versuch von Christopher, mit der Schuld an seinen schweren Sünden fertig zu werden.

Der Film basiert auf Jean Renoirs La Chienne (1931), was auf Englisch „die Schlampe“ bedeutet. Renoirs Film fühlte sich wie eine Übung der Sinnlosigkeit an, als das Ende in ein Lachen über etwas verwandelt wurde, das nicht einmal dunkel komisch ist. Langs Version der Geschichte ist in Struktur und Ausführung weit überlegen.

Das andere Element von Joan Bennetts Femme Fatale in der Scarlet Street, das es von anderen Iterationen des Archetyps unterscheidet, ist Kittys Sympathiefaktor. Das Publikum wird dazu gebracht, mit ihr als „Frau in Schwierigkeiten“ und nicht nur als manipulierende Frau zu sympathisieren, da Johnny seine psychologischen Krallen in sie hat und nur das allgemeine Gefühl hat, dass sie noch nicht dort sein möchte, wo sie im Leben ist sie steckt hoffnungslos dort fest.

Gilda (1946)

Rita Hayworth war eine der visuell beeindruckendsten Frauen, die jemals das Nitrat in Hollywood geziert haben. Eine versierte Tänzerin und Musikerin (während die Sängerin Anita Ellis die Big-Band-Aufführung von „Put the Blame on Mame“ aufzeichnete, war Ritas Stimme während der Aufführung des Songs nur mit der Akustikgitarre an der Bar zu hören), stieß sie auf als etwas zu handeln, das der zweiten Natur nahe steht. Gilda war wohl ihre Breakout-Performance und was sie letztendlich unter den femme fatale Göttinnen in ihrem Pantheon zementierte. Gilda war sogar die Inspiration für Jessica Rabbit in Who Framed Roger Rabbit? (1988).

Jessica Rabbit Gilda Fan Art.

Von der ersten Szene ihres Tanzes bis zum letzten Refrain von "Put the Blame on Mame" strotzt sie nur so vor Sexualität wie keine andere Schauspielerin damals oder heute. Als Ex-Spieler Johnny Farrell (Glenn Ford) in Buenos Aires landet, schlägt die Vision seines Ex-Liebhabers Gilda in sein Gehirn zurück (wenn sie tatsächlich jemals wirklich gegangen ist), als er sie als Frau seines neuen Arbeitgebers wiedersieht. In der Tat ist Gilda, die gegen Johnny knallt, nicht nur metaphorisch: In der Szene, in der Rita Hayworth Glenn Ford schlägt, hat sie ihm wirklich zwei Zähne gebrochen.

Gilda ist wahrscheinlich das beste Beispiel für pure Leidenschaft und Feuer in einer Femme Fatale. Als Figur tanzt sie seit über siebzig Jahren unsterblich wie ein Geist durch die Visionen von Männern. Denn, wie Gilda selbst im Film sagt: „Ich bin Tänzerin!“ Die Vision von ihr wird niemals sterben.

Aus der Vergangenheit (1947)

Wir haben jetzt die Rücksichtslosen, Sympathischen, Leidenschaftlichen, Fluchtbedürftigen, Kalten und Kalkulierenden gesehen. Dennoch müssen wir noch die faszinierendste Variante der Femme Fatale untersuchen: den Geist, die Waif.

Kathie Moffat (Jane Greer) in Jacques Tourneurs Out of the Past ist so gut wie jeder andere Ort, um die gespenstische Femme Fatale zu untersuchen. Der ehemalige Privatdetektiv Jeff Bailey (Robert Mitchum) muss sich seiner Vergangenheit stellen, als sein Partner und ein ehemaliger Kunde ihn in der kleinen kalifornischen Stadt finden, in der er ein neues Leben führen will. Er erzählt die Geschichte, wie er Moffat in Mexiko kennengelernt hat. Dort wurde er vom Spieler Kirk Douglas geschickt, um sie aufzuspüren, nachdem sie ihm in New York City ein paar Schüsse von der .38 des Spielers zugefügt hatte und mit einem beträchtlichen Geldbetrag zu seiner neuen Freundin Ann (Virginia Huston) davonlief.

Jane Greer als Kathie Moffat in der Öffentlichkeit noch

Die Magie des gespenstischen Moffat in "Out of the Past" liegt sowohl in Greers wegweisender Leistung als auch in der Richtung von Tourneur und in der Struktur der Geschichte. Baileys Erinnerungen an sie sind sexy, heiß und sehr träumerisch, als er sich an viele milde mexikanische Nächte erinnert, wie er außerhalb einer Cantina auf sie gewartet hat. Da sie traumhaft sind, sind sie per definitionem auch sehr formbar; das heißt, bis er gezwungen ist, sich ihr in der Gegenwart erneut zu stellen.

Nicholas Musuracas Kinematographie in "Out of the Past" entwickelt Kathie auf elegante Weise als Femme Fatale. Wir sehen sie in 3 Phasen, die unschuldige Phase ist durch weiße Kleidung und sehr weiches Licht gekennzeichnet:

Kathie Moffatt im Stadium 1 ihrer Entwicklung als Femme Fatale: das Stadium der Unschuld. Das weiße Garderobenmotiv ist deutlich zu erkennen, aber auch Musuracas sanfter Schatten um sie herum. Dies unterstreicht ihre traum- oder kahlköpfigen Qualitäten.

In Phase 2 taucht moralische Ambiguität mit blassen Grautönen und schärferen Schatten auf:

Kathie in ihrem zweiten Entwicklungsstadium als Femme Fatale, geprägt von moralischer Ambiguität. Beachten Sie das fahle Grau im Kleiderschrankmotiv, das immer noch vorwärts getragen wird. Beachten Sie auch die schärferen Schatten, die den Zerfall der Vision ihrer Reinheit betonen.

Und Stufe 3, völlige moralische Entwürdigung, geprägt von Schwarzen und sehr harten Schatten:

Das letzte Stadium von Kathies Entwicklung als Femme Fatale: vom Bösen gezeichnet. Das schwarze Kleiderschrankmotiv ist vorne und in der Mitte, und Musuracas harte Schatten um sie herum verstärken ihre moralische Abstammung.

Diese sehr bewussten Garderoben- und Kinematographieoptionen wirken in ihrer Einfachheit als täuschend brillantes Mittel, um Kathies Abstammung in Vergessenheit zu bringen.

Mein ausführlicher Blick auf Out of the Past ist hier zu lesen.

Der britische Titel

Schwindel (1958)

Kim Novaks Darstellung zweier Charaktere (Madeline Elster / Judy Barton) in Hitchcocks Vertigo ist die wesentliche Studie in der Psychologie der Waif-artigen Femme Fatale. James Stewart spielt den Detektiv John 'Scottie' Ferguson aus San Francisco, der unter schwindelerregendem Schwindel leidet, der ihn während seines Dienstes von einem Dach hängen ließ, als ein uniformierter Polizist starb versucht ihn zu retten.

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Scottie wird anschließend von einem Freund angeworben, um seiner Frau (Kim Novak) zu folgen, die seltsam gehandelt hat. Diese ganze Situation und Scotties darauffolgende Besessenheit mit ihr zieht ihn als unglücklichen Zeugen in eine Mordhandlung und erschüttert den armen Mann noch mehr, als er bereits erschüttert war und endet sehr schlecht.

Kim Novak als Madeline Elster in „Vertigo“ (1958). Dies ist vor ihrer Umwandlung in Judy Barton. Beachten Sie ihren raffinierteren, zusammengesetzten, anspruchsvolleren Look als die reiche Prominente Elster.Kim Novak nach ihrer Verwandlung in die geniale Judy Barton in „Vertigo“ (1958). Beachten Sie ihr unschuldigeres Aussehen, das für Judy charakteristisch ist, weil sie ihre eigene Unschuld im Mordanschlag glauben wollte.

Scotties Besessenheit von Kim Novaks Charakteren hat die Entscheidung von Hitchcock, sie sowohl als Madeline Elster als auch als diejenige von Judy Barton zu zeigen, stark beeinflusst. Scottie beobachtet sie genau und sieht genau das, was er sehen möchte: Sie ist für ihn weniger eine Frau als eine Mischung aus dem, was er für eine Frau hält - tatsächlich hat Madeline Elster nie wirklich existiert. Sie ist ein Archetyp für ihn, eine Waif und ein Geist. Wie Judy geht, wird auch Madeleine.

Schwindel befasst sich auch ziemlich intensiv mit Psychologie und Neurologie und geht auf die Idee des Doppelgängers und sogar auf Capgras Delusion ein (wenn man glaubt, eine Person, der man nahe steht, sei durch einen Betrüger ersetzt worden). In der Tat weiß Scottie nicht, was sie von vielen der zentraleren Szenen des Films halten soll.

Mein erweiterter Blick auf Vertigo kann hier gelesen werden.

Das ‘Vertigo’ Original-Plakatdesign von Saul Bass wurde durchweg zum besten aller Zeiten gewählt. Die Animation bringt die beabsichtigten Dimensionen wirklich zur Geltung.

Mulholland Dr. (2001)

Hitchcock legte einen Großteil der künstlerischen und psychologischen Grundlagen für David Lynchs surrealistisches Magnum-Werk über tote Träume, verfallene Liebe und den faulen Unterbauch Hollywoods.

Naomi Watts in der Traumsequenz „Mulholland Dr.“ (2001) als der geniale Charakter Betty. Beachten Sie das besonders weiche Licht, die warme Farbpalette und das Make-up, um ihre Unschuld im Traum zu betonen.Naomi Watts in der Post-Dream-Sequenz „Mulholland Dr.“ (2001) als ihr wahres Ich, Diane Selwyn. Beachten Sie die härtere Beleuchtung, das fehlende Make-up und die kühlere Farbpalette, die als Vorboten der kommenden dunklen Dinge fungieren.

Die Darstellung der Femme Fatale in Mulholland Dr. muss in Form von wirklich vier von zwei Personen untersucht werden: Betty / Diane Selwyn (Naomi Watts) und Rita / Camilla Rhodes (Laura Harring), da sie im Wesentlichen aus diesen Personen bestehen. Das muss so gemacht werden, denn der gesamte Film ist wirklich eine Traumsequenz, gefolgt von einer Post-Traumsequenz, die allesamt in Dianes Unterbewusstsein stattfindet. Rita ist die Femme Fatale im Traum, da sie die mysteriöse, amnesische „Frau in Schwierigkeiten“ ist, während Diane die Femme Fatale in Wirklichkeit ist (die Post-Dream-Sequenz), während sie den Mord an ihrem Geliebten plant und ausführt Camilla Rhodes. Der gesamte Film ist traumhaft: Die Charaktere werden es dabei auch sein.

Laura Harring als Rita in der Traumsequenz „Mulholland Dr.“ (2001) mit Naomi Watts. Beachten Sie die zurückhaltenden Rot- und Schwarztöne an ihr, die als Omen der kommenden Dinge gedacht sind und ein Spiegelbild ihrer eigenen Probleme in Dianes Traum sind.Laura Harring als ihr wahres Ich, Camilla Rhodes, in der Posttraumsequenz „Mulholland Dr.“ (2001). Beachten Sie die schärfere Beleuchtung und die wärmere Farbpalette. Dies soll ihren wahren Status als wichtige Schauspielerin von ihrem Status als „Frau in Schwierigkeiten“ in der Traumsequenz abheben.

Mulholland Dr. (zusammen mit Vertigo) ist das höchste, elegante Beispiel für die Femme Fatale als Waif. Lesen Sie hier meinen ausführlichen Blick auf Mulholland Dr., „Die Schönheit liegt in der Ambiguität“.

Wie im nächsten Eintrag gezeigt werden wird, steht die Rückkehr der rein rücksichtslosen Femme Fatale vor der Tür.

Gone Girl (2014)

Amy Dunne (Rosamund Pike) ist die gelangweilte und unbefriedigte Frau von Nick Dunne (Ben Affleck), die in der winzigen Stadt New Carthage in Missouri lebt. Amy war für großartige Dinge bestimmt: eine großartige akademische Abstammung, eine erfahrene Kinderbuchautorin, die aus Geld stammt. Sie hätte nie gedacht, dass das Schicksal sie und ihren damaligen Ehemann niederschlagen würde.

Also beschließt sie, eines Tages ihren absolut gruseligen und rücksichtslosen Verstand (wie wir mit der Entwicklung der Verschwörung sehen werden) dazu zu bringen, ihren eigenen Mord und ihr Verschwinden vorzutäuschen und den faulen Nick dafür verantwortlich zu machen. Sie kommt für einige Zeit damit durch, und das Ende von Gone Girl ist eine sehr morbide poetische Gerechtigkeit für ihren Ehemann.

Rosamund Pike als Amy Dunne neben Ben Affleck als Nick Dunne in „Gone Girl“ (2014). Ihr ausdrucksloser, gefrorener Gesichtsausdruck soll die Gefühle der Hausfäule einschließen, die sie hat, bevor sie ihr großes Vorhaben entfaltet, ihren Ehemann wegen Mordes zu verurteilen.

Die Magie von Gone Girl liegt in der kühnen Kreativität von Regisseur David Fincher hinter der Kamera. Er wollte es mehr zu einem „europäischen Film“ machen, mit einigen sehr aufwändigen und ungezwungenen Sexszenen und ohne auf den Einsatz von Blut zu verzichten. Gillian Flynn, die Autorin des Drehbuchs, hat auch den Quellroman von Gone Girl verfasst, und ihr Beitrag und ihr Aufbau der Figur können einfach nicht überbewertet werden.

Rosamund Pike als Amy Dunne in „Gone Girl“ (2014). Beachten Sie ihren manipulativen Blick, während sie in diesem Bild an ihrem unglücklichen Ehemann Nick (Ben Affleck) zieht.

Rosamund Pikes Darstellung der genial berechnenden und kalten Femme Fatale Amy Dunne war in vielerlei Hinsicht bahnbrechend. Ihre Brutalität war ungeheuerlich, ihre Schritte in dem Spiel, das sie in Gang setzte, als sie ihren Ehemann umrahmte und die Öffentlichkeit irreführte, waren außerordentlich detailliert und ihr Ehrgeiz war grenzenlos.

Die Amy Dunne-Figur kündigt eine Rückkehr zur unbarmherzigen Femme Fatale an, die seit Barbara Stanwyck in Baby Face nicht mehr zu sehen war und gleichzeitig eine neue Stufe der Verkommenheit erreicht hat. Wenn unabhängiges Kino ein Hinweis auf zukünftige Massentrends in Hollywood ist, ist möglicherweise auch eine Rückkehr zur Vertigo / Mulholland Dr. waif-ähnlichen Femme Fatale zu erwarten.

Spiel Violet für mich (2016)

‘Play Violet for Me’ (2016)

Play Violet for Me ist der Kurzfilm, der diesen Blick auf die Entwicklung der Femme Fatale inspiriert hat: um zu sehen, woher sie kommt und vielleicht wohin sie geht. Es steht sehr in der Tradition von Vertigo / Mulholland Dr., wobei Najarra Townsend ihre beiden Charaktere im Film absolut festhält. Play Violet for Me hat auch eine der einfallsreichsten Handlungsstränge, die je in einem kurzen Stück Noir gesehen wurden. Ein Einzelgänger ist von Violet besessen, als sich sein Leben um ihn dreht. Der Film schafft es, in nur dreizehn Minuten etwas zu erreichen, das dem von Vertigo nahe kommt. Eine kühne Aussage, aber es ist wahr.

Siehe Violett weiter unten.

Najarra Townsend als Violet (oder vielleicht ihre andere Figur, ihre Schwester) in Najarra Townsend als Violets Schwester (oder vielleicht Violet?) In

Es ist wirklich erstaunlich, wie einfach ein dreizehnminütiger Kurzfilm so tiefgreifend sein und eine Idee wie diesen Aufsatz hervorbringen kann. Wir haben gesehen, wo die Femme Fatale herkam. Wenn Gone Girl und Play Violet for Me eine solide Prognose sind, sehen zukünftige Iterationen auf ihr sehr, sehr hell aus (oder sehr, sehr noirisch?).

Siehe auch

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