Veröffentlicht am 06-09-2019

POP ART GEGEN OP ART

Wenn es eine Sache gibt, für die sich das einfache Etuikleid perfekt eignet, ist es eine Leinwand, auf der mutige zweidimensionale Kunstwerke ausgestellt werden können. Insbesondere Op Art und Pop Art. Die kräftigen Blockfarben und geometrischen Linien dieser beiden Kunstbewegungen passen perfekt zur flachen Oberfläche des Etuikleides. Ob gedruckt, appliziert oder in Paneelen zusammengesetzt - das bloße Fehlen mehrerer Nähte und Abnäher im einfachen Shift-Design kann ein statisches Bild zu einem kühnen, mobilisierten Statement machen.

POP-ART

Seit der Entstehung der Pop-Art in den fünfziger Jahren geht sie mit der Modeindustrie Hand in Hand. Die Pop-Art lehnte sich gegen elitäre Werte und eine selbstreflexive expressionistische Bewegung auf und nutzte alltägliche Lebenserfahrungen, um Aspekte der Massenkultur einzuführen und der neuen Generation von Amerikanern, die alle Vorteile des Verbraucherparadieses im Wohlfahrtsstaat der Post zu erleben begannen, die Kunst näher zu bringen Krieg Amerika. Die Pop-Art verwendete bekannte Massenkulturbilder aus der Werbung für andere banale Objekte und wickelte sie in sensationelle und mutige Farbkombinationen ein. Richard Hamilton, einer der Pioniere der Pop-Art, beschrieb die Pop-Art als „populär, vergänglich, erweiterbar, kostengünstig, massenproduziert, jung, witzig, sexy, mondän, glamourös, ein großes Geschäft“. All diese Eigenschaften der Pop-Art werden mit der Konsumkultur und der Modeindustrie als einem ihrer Hauptmerkmale geteilt. Es dauerte nicht lange, bis Pop-Art und Mode verschmolzen. Popkünstler führten eine bunte Palette von Farben und Druckdefinitionsformen ein, die von vielen Designern zu dieser Zeit und danach als Inspiration verwendet wurden.

Andy Warhol und der Paper Dress Craze

Andy Warhol ist wahrscheinlich die erste große Pop-Art-Ikone, die Einfluss auf die Modewelt ausübt. Er begann seine Karriere als Modeillustrator und arbeitete für Magazine wie Glamour, Mademoiselle und sogar Vogue. Er war auch einer der ersten Künstler, der seine Kunst in Modeartikel verwandelte. Genauso wie sich die Pop-Art in den fünfziger und sechziger Jahren der Massenkultur zuwandte, wurde die High Fashion als Elite herausgefordert, als die Modeindustrie mit Massenware in die Szene eintrat. In den sechziger Jahren begann Warhol, seine Kunstentwürfe auf Papierkleider zu drucken, die zu der Zeit zu einer Neuheit wurden. Diese Kleidungsstücke haben die Essenz des konsumistischen Lebensstils eingefangen, als sie sich mit der Idee der Wegwerfbarkeit von Konsumgütern befassten. Das wahrscheinlich bekannteste Papierkleid aus den sechziger Jahren war Souper Dress, das Warhols Campbell's Soup Cans-Aufdruck enthielt. Obwohl sie zu der Zeit exklusiv waren, entwickelten Campbell's in Kürze eine ganze Reihe dieser Produkte, wodurch Souperkleider für ein paar Dollar für jedermann erhältlich waren. In den sechziger Jahren wurden von der Pop-Art inspirierte Papierkleider zum Mainstream-Kleidungsstück, das die Modewelt verrückt machte, und sie begeistern auch heute noch zeitgenössische Modedesigner, wenn sie vollständig vom Markt verschwunden sind.

Die kommerzielle Partnerschaft zwischen Kunst und Modedesign ist für uns nichts Neues, da wir jedes Jahr weltweit kunstinspirierte Kollektionen auf den Laufstegen sehen. Aufgrund ihrer Natur, die in der Feier von Konsumgütern, lebhaften und einprägsamen Mustern und der Fähigkeit, die universelle Sprache zu sprechen, die frei von Kunsteliten ist, war die Pop-Art jedoch dazu bestimmt, die meistbezogene Kunstbewegung in der Modebranche zu werden. Diese Verbindung zwischen Pop-Art und Modebranche begann sich in den sechziger Jahren zu entwickeln, um seitdem nicht gestört zu werden. Wieder einmal entschied der soziale Kontext des Jahrzehnts über die Zukunft dieser besonderen Verbindung. Während des Krieges und der Zeit der Sparmaßnahmen waren die Kleidungsstücke praktischer und einheitlicher gestaltet. Der Wohlstand der Nachkriegszeit änderte dies und neue Modeartikel wurden vielfältiger. Gleichzeitig gewann die Pop-Art unter den Mainstream-Zuschauern an Popularität und die Designer sahen in dieser neuen Bewegung eine potenzielle Inspirationsquelle. Darüber hinaus bewegten sich Modedesigner und Künstler in den sechziger Jahren in denselben Kreisen, beeinflussten sich gegenseitig in ihrer Arbeit und waren Teil derselben gemeinsamen Kultur. So gehörte Yves Saint Laurent zu den ersten Designern, die ein Kunstwerk in ein Kleidungsdesign verwandelten und die Pop-Art in seinen Sammlungen umfassend untersuchten. Nicht zufällig porträtierte Andy Warhol ihn auch auf einem seiner vier Bildschirme.

Andy Warhol Brillo Box Dress 1964

Das früheste Paar aus Pop Art und Mode der 1960er Jahre stammte aus der Kunstwelt und nicht aus der Modebranche (Andy Warhols „Brillo Box“ -Kleid von 1964). Warhols Kleid war zwar angeblich ein Kunstwerk und kein Modekleidungsstück für den Einzelhandel, bezog sich jedoch so explizit auf Mode und Grafikdesign, dass deutlich wurde, wie gut die Einfachheit der Form beider zueinander passte.

Harry Gordon Poster Kleider (L) Bob Dylan (R) Umverpackung für ein Poster Dress Set

Nach dem Harry Gordon-Plakatkleid schien es, als ob jedes große Unternehmen und jeder Politiker in Amerika ein Papierkleid herstellte, um den Jugendmarkt entweder zu erschließen oder auszunutzen. Doch wie jeder Trend, der den Markt gesättigt und seine natürliche Lebensdauer überschreitet, verschwand das Papierkleid der Pop-Art schnell und verschwand schnell Ende 1968. Die Pop-Art sollte jedoch ab 1969 und bis in die frühen 1970er-Jahre als Modethema fortgeführt werden. Nicht zuletzt dank des britischen Designers und Unternehmers Tommy Roberts, dessen Londoner Laden Mr Freedom (inspiriert von William Kleins satirischem Film „Mister Freedom“ von 1969) eine Hommage an die amerikanische Popkultur, Pop Art und Comic-Bildsprache war. Pop-Art war, wie alle Trends, ein Thema für viele zeitgenössische Modedesigner, darunter Gianni Versace, Betsey Johnson, Moschino, Lisa Perry und Prada. Es ist jedoch nicht unbedingt die Wiedergabe von Pop-Bildern, die als modisches Statement relevant ist, sondern vielmehr die kunstvolle Bezugnahme auf erkennbare visuelle Ikonen der Popkultur, die vielen Menschen einen beruhigend vertrauten Umhang bietet, in den sie sich einwickeln können.

Hollywood Stars-Papierkleid, Seidentücher im Warhol-Stil von Hollywood-Schauspielern; Schauspielernamen und Filmtitel, die um den Saum des Kleides (Mitte) des Robert Kennedy-Kampagnenpapiers und (R) des (L) Mr. Freedom-Applikation von Muriel Carter und Pam Keats nach Zeichnungen von Mike Rogers. Fotos: Peter Knapp. Mai 1970. Zeitschrift Nova. (R) Model Twiggy trägt ein Mickey Mouse-Jersey-Oberteil mit Mr. Freedom-Satinapplikation um 1970.

OP ART

Op Art war ein Begriff, der 1964 geprägt wurde. Optisch verzerrte geometrische Muster in Schwarz und Weiß erzeugten eine ganze Reihe von Bewegungen auf einer Oberfläche. Wenn es auf Stoff aufgetragen wird, erzeugt es einen neuen kühnen Look in Mode und Accessoires. Das Hauptziel von Op Arts war es, das Auge zu täuschen. Bridget Rileys schillernde Schwarz-Weiß-Gemälde lösten in den 1960er Jahren einen Modebegeisterung auf dem Gebiet der Op-Art aus. Victor Vasarely war auch ein Einfluss. Ops größter Moment war die Ausstellung „The Responsive Eye“ im Museum of Modern Art im Jahr 1965.

Die britische Künstlerin Bridget Riley, deren Serie von monochromen Gemälden mit Schwerpunkt auf optischen Effekten die Op-Art-Bewegung um 1964 belebte (obwohl Riley bereits 1960 Op-Art produzierte). Die Bewegung gipfelte 1965 in einer Ausstellung im Museum of Modern Art in New York mit dem Titel „The Responsive Eye“. Die Popularität der Ausstellung und insbesondere von Rileys Exponaten führte zu einem Trend in monochromer Mode, der auf der ganzen Welt Anklang fand. Op Art sind in erster Linie zweidimensionale, meist schwarzweiße Muster, die optisch verzerren und die Illusion von Bewegung erzeugen. Wenn diese scheinbar fließenden Muster auf Stretchstoffe aufgebracht werden, entsteht eine zweifache Bewegungsillusion. Op Art-Modekleidung war jedoch am effektivsten, wenn sie großflächig auf robusten Stoffen wie Baumwolle und PVC nachgebildet wurde (möglicherweise aufgrund der Ähnlichkeit der Oberfläche mit der flachen, bemalten Leinwand). Op-Art-Grafiken wurden für Kleider, Röcke, Badeanzüge, Hüte, Regenmakros und sogar Schuhe verwendet und sowohl von Couturiers als auch von Mainstream-Modehäusern verwendet. Der Trend zur Op-Art schwand in der zweiten Hälfte des Jahres 1966, als sich die Modeweisen auflösten und Psychedelika auf dem Vormarsch waren. Pop-Art würde jedoch als geeigneter Ersatz für diejenigen dienen, die es immer noch vorziehen, ein Element von Verspieltheit und Humor zu verströmen.

Wie schon bei Op Art hat die Modebranche die Bilder und den Geist der Pop-Art schnell aufgenommen und dabei von ihrem impliziten Vergleich mit dem rasanten Konsumismus profitiert. Diesmal jedoch war der aufstrebende Jugendmodemarkt, in dem mutiges Design und leuchtende Farben gefeiert wurden, der primäre Zielmarkt, da er Mitte der 1960er-Jahre die größte Bevölkerungsgruppe im Modekauf war. Daher wurden Pop-Art-Bilder häufig auf das einfache Etuikleid angewendet, um Jugendliche und junge Frauen anzusprechen. Im Gegensatz zur Op-Art, die auf einer Vielzahl von Materialien verwendet wurde, wurden Pop-Art-Designs häufig auf Papierkleider angewendet, um der von der Pop-Art vertretenen Idee der Verfügbarkeit und des Konsums gerecht zu werden.

Die Op-Art-Bewegung wurde von Künstlern vorangetrieben, die an der Untersuchung verschiedener Wahrnehmungseffekte interessiert waren. Einige taten dies aus purer Begeisterung für Forschung und Experimente, andere mit der fernen Hoffnung, dass die gemeisterten Effekte ein breites Publikum finden und die moderne Kunst auf neue Weise in die Gesellschaft integrieren könnten. Ähnlich wie die geometrische Kunst, aus der sie hervorgegangen war, schien die Op-Art einen Stil zu liefern, der der modernen Gesellschaft sehr angemessen war.

Obwohl Op als Nachfolger der geometrischen Abstraktion angesehen werden kann, lässt die Betonung auf Illusion und Wahrnehmung darauf schließen, dass es auch ältere Vorfahren haben könnte. Es könnte von Effekten herrühren, die einst bei alten Meistern beliebt waren, wie Trompe l'oeil (französisch: „täusche das Auge“). Oder in der Tat von Anamorphose, der Wirkung, durch die Bilder verzerrt werden, so dass Objekte nur in einem schrägen Blickwinkel vollständig erkennbar sind. Oder Op ist einfach ein Kind moderner Dekoration.

Das Modekleid aus siebgedrucktem Papier wurde ursprünglich 1966 von der Scott Paper Company (dem berühmten Hersteller von Toilettenpapier) als cleverer Werbegag konzipiert, um für eine neue Reihe bunter Toilettenpapiere zu werben. Scott bot ein Modekleid für nur 1,00 US-Dollar und 25-Cent-Portokosten an. Die Kunden konnten zwischen zwei anfänglichen Designs wählen - dem aktuellen, aber rückläufigen Op-Art-Trend oder einem deutlich karikaturistischen Paisley-Design (skurril genug, um nicht mit den unappetitlichen Jugendlichen der Hippiebewegung in Verbindung gebracht zu werden).

Siehe auch

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