Veröffentlicht am 25-02-2019

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Seltsam bekannt ist, wie diese Kunstwerke uns erscheinen. Déjà-vu-Gefühle treffen uns, während wir durch den Galerieraum gehen. Es gibt ein Gefühl der Wiederholung unbestimmter Bedeutungen mit zeitlich entfernten Ursprüngen. Das vorherrschende Konzept ist Repräsentation und visuelle Aneignung. Kunstwerke haben eine fertige Natur, da sie aus einem Kontext stammen, der in einen anderen reintegriert werden soll.

Durch Arbeiten von fünfzig portugiesischen Künstlern, die in verschiedenen Momenten des 20. und 21. Jahrhunderts entstanden sind, lässt Quote / Unquote: zwischen Aneignung und Dialog die Bedeutung von Duchamps Tat während der Entstehung von Avantgarden erkennen. Es ist bemerkenswert, dass sich die Aneignung seitdem als eine der ersten Stufen der künstlerischen Produktion etabliert hat. Die Kunstwerke haben die Form von Fragmenten von Fragmenten, die während der Produktion neuer Bedeutungen über Kunst und Welt besessen und manipuliert wurden. Stil, Technik, Bilder und Objekte sind die vorherrschenden Elemente in der kulturellen Tradition - die Referenzen werden bewusst als Bestandteile kreativer Konstruktionen und Ausarbeitungen genommen, die zu kulturellen Produkten werden. Diese wiederum neigen nacheinander dazu, sich durch Aktualisierung und Neuerfindung für den Bau anderer Mitglieder einzusetzen.

Aneignungsstrategien problematisieren und unterminieren den Wert von Originalität, Urheberschaft und kreativer Geste, die noch lebendig sind. Roland Barthes 'Tod des Autors (1967) schlägt das Ende der Originalität als künstlerische Kategorie vor und nimmt Kunst als eine nachahmende Geste der Präexistenz an. Viele vom Poststrukturalismus beeinflusste Personen haben die Werte Authentizität und Originalität in Frage gestellt und damit eine Welt enzyklopädischer Zeichen angeeignet, die damals als Ausgangsmaterial für die Kunstproduktion verwendet wurden. Objekte werden nicht aus rohen Materieblöcken geschnitzt. Stattdessen werden leicht verfügbare Bilder und Objekte in einem intertextuellen Prozess nach spezifischen und persönlichen Absichten verwendet und modifiziert.

Duchamp und Warhol haben nach den gleichen Aneignungsvorschriften gehandelt. Duchamp steht für materielle Aneignung mit einer dekontextualisierenden Absicht, die die Dinge unbrauchbar macht, während Warhol die Bilder einer bestimmten Kultur übernahm, die dann nach einer Umformung ihrer Bedeutung geteilt wurde.

In Anbetracht der Fülle an Reizen in der visuellen Realität manifestiert sich hier durch die Prinzipien der Wiederverwendung und Verschmelzung von Fragmenten der Vergangenheit, die im Eklektizismus und in Wiederbelebungen des 19. Jahrhunderts gefunden wurden. Konzeptkunst der siebziger Jahre kritisierte die übermäßige Fülle von Objekten,

Während das Manifest von Sol LeWitt die übermäßige Fülle von Objekten kritisierte und vorschlug, das imaginäre Chaos durch die Entmaterialisierung der Kunst zu konterieren, scheint die visuelle Verbreitung heutzutage nicht problematisch zu sein. Es wurde von Künstlern als kultureller Kontext verinnerlicht, da sie diese Enzyklopädie mit sich führen und davon ernähren. Wenn ein Kunstwerk nicht mehr als "nach Duchamp" bezeichnet werden muss, kann ein Künstler als Autor eines anderen Künstlers betrachtet werden? Der Zweck wäre nicht mehr, die Grenzen der Kunst in Frage zu stellen, sondern unterschiedliche Wirkungen zu erzielen, indem das Kunstwerk in ein Netzwerk von Zeichen und Bedeutungen geschrieben wird, anstatt es als autonom oder ursprünglich zu betrachten. Der Künstler - mehr als ein Autor oder ein kreatives Genie - ist jetzt ein Artikulator oder Vermittler möglicher Bedeutungen.

Diese kuratorische Arbeit von Gabriela Vaz-Pinheiro und Ana Anacleto stellt Verbindungen zwischen dem Thema der Ausstellung und der Art und Weise her, wie der Diskurs in kuratorischer Arbeit formuliert wird. Durch einen Aneignungsakt ermöglichen uns die Kuratoren, über das Kuratieren in einer Zeit der Zeitkompression, der sofortigen Reproduzierbarkeit und der digitalen Information nachzudenken.

Die Mittel erscheinen in vielen Formen als Teil der Kunstproduktion und können sich in Thematiken, Inhalten, Techniken und Stil zeigen. Die Verwendung eines Mediums kann selbst eine Aneignung sein, die auf die formale Materialisierung eines Themas abzielt, das möglicherweise nie etwas mit dem Inhalt gemein hat.

Dies ist eine multimediale Ausstellung in dem Sinne, dass sie verschiedene Materialien und Techniken aus den Bereichen Video, Malerei, Installation, Fotografie und Fotomontage verwendet. Die Themengebiete sind ähnlich vielfältig - das tägliche Leben, politische, historische und sogar die Selbstreflexivität der Medien.

Archivismus und alltägliches Leben entstehen in der journalistischen Aufzeichnung und Repräsentation des gemeinsamen Ereignisses als "soziale Choreographie". Catarina Botelhos Arbeit setzt eine unmittelbare Parallele zu Nan Goldins Schnappschuss-Ästhetik fest und zeigt eine ähnliche Intimität zwischen Fotograf und Porträt. Rita Magalhães schlägt eine Reflexion der Maltradition durch Fotografie vor, indem sie die irdischen Szenarien von Johannes Vermeer mit ihrer unverwechselbaren Lichtmanipulation und intimen Atmosphäre nachahmt.

Mundliche Objekte werden angeeignet, um kritische Einschnitte in die heutige Gesellschaft zu bilden. Mário Cerqueira bringt Müll in die Galerie und präsentiert ihn als Symbol für das Überproduktions-Chaos der Welt. Der materielle Überschuss unserer Zeit wird in starrer Geometrie im Raum positioniert, um die Inhaftierung der Materialität zu beweisen. Die Kritik erinnert an die Rauschenbergsche Mischmediensprache in Combines (1954–1964).

Die Aneignung ist gleichzeitig als Thema, Inhalt und Strategie in den Werken von Ana Viera und Rodrigo Oliveira präsent. Ersteres nutzt eine Installation, um Le Déjeuner sur l'herbe zu ergreifen und in eine dreidimensionale Projektion über ein dreidimensionales Szenario zu überführen, das Manets Meisterwerk nachstellt. Rodrigo Oliveira fotografiert den „Kommunismus der Formen“ anhand von Referenzen innerhalb von Referenzen. Der Künstler ist der Autor der Arbeiten anderer Künstler in einem Ad-Infinitum-Prozess. Die Arbeit zitiert eine von Dan Flavins LED-Glühlampen-Kompositionen, die wiederum ein formelles Zitat von Tatlins Monument to the Third International (1918–20) ist.

Die Aneignung von Sprache und Technik steht mehr als Thema als Inhalt der Werke. Jorge Brilhante überträgt kinematografische Sprache in die Fotografie und verweist auf Martin Parr und seinen anthropologischen Blick auf häufige Ereignisse mit mehrfach überlagerten Belichtungen. Pedro Diniz Reis bietet uns eine synästhetische Erfahrung, die Zeit mit Ton und Bildern verbindet. Seine Aneignung der Farbkarten von George Richter (1966–2008) lässt uns gleichzeitig durch eine intensive Reflexion über die ekstatische Länge des Videos Verbindungen zwischen Klangpaletten und Klängen herstellen, bis das endgültige Bild von Richter abgeschlossen ist. Ana Hatherly bedient sich einer surrealistischen Strategie unbewusster Gesten, um Poesie in ein Bild zu übersetzen, was uns an das automatische Malen und die Subversion verschiedener Schriftsysteme erinnert.

Die Aneignung von etwas bedeutet nicht seine einfache Kopie, sondern ihre Reproduktion als Wissensquelle und Reflexivität des Inhalts. Diese Reproduktion würde jedoch immer niedriger sein als das "Original", da ein Kunstwerk, das von der Aneignung abgezogen wird und diese Bedingung sichtbar hält, in diesem Zusammenhang nicht legitim wäre. Es muss etwas hinzugefügt werden, das ein neues Unternehmen beschreibt.

Aus heutiger Sicht schaut man in die Vergangenheit. Die Präzedenzfälle der Künstler werden in das „Hier und Jetzt“ ihrer Blicke transportiert und gemäß den Codes überprüft, die die Geschichte rekontextualisieren. Jedes Kunstwerk wird hier als Bild verschiedener Ebenen präsentiert. Das Substrat wird durch den Präzedenzfall definiert, auf dem sich Entfaltungen künstlerischer Sensibilität ansammeln, was darauf hinweist, dass das Reale ein Konstrukt ist. Der Präzedenzfall wird vom ursprünglichen Kontext isoliert in eine neue Zeitlichkeit und Räumlichkeit transportiert, die aktualisiert werden soll.

Als Ana Vieira auf dem legendären Le dejeuner sur l’herbe auf geeignete Weise intervenierte, gewann das Werk dreidimensionale Gestalt. Manets Picknickdarstellung und die Qualitäten, die sie von kanonischen figurativen Modellen des 19. Jahrhunderts trennen, wurden als Präzedenzfälle betrachtet. Der Künstler entmaterialisierte das Kunstwerk dann in ein Bild, das auf ein Szenario projiziert wurde, das sich auf die Picknick-Szene bezieht, und ermöglichte es dem Betrachter, physische Präsenz zu erleben.

Diogo Pimentão bringt die dokumentierten (dazugehörigen Nr. 11) die minimalistischen Bedenken, die die Figuration ablehnten und die Materialität des Objekts privilegierten. Ein minimalistischer Präzedenzfall ist auch die Aktivierung oder Aktualisierung der Arbeit durch Beteiligung des Besuchers und deren Beziehung zu Raum und Zeit. Der Zusatz des Künstlers bezieht sich auf die täuschende Qualität der Materie. Was wie Metal zu sein scheint, ist tatsächlich ein Widerspruch zu dem, was man von einem Werk von Robert Morris aus den 70er Jahren erwartet. Durch die Verwendung von Papier als Medium und die vollständige Abdeckung durch Grafite stellt dies eine Herausforderung für unser visuelles Repertoire dar, die uns ein industriell hergestelltes Material ohne künstlerischen Eingriff erwarten lässt.

Es ist unmöglich, die Ausstellung so zu interpretieren, dass kulturelle Produktion in Zitaten bleibt. Die Auswahl der Werke wird zwar durch das Thema der Aneignung in der Kunst geregelt, überwindet dieses Kriterium und möchte die Dialogentwicklung zwischen Gegenwart und Vergangenheit potenzieren. Eine abschließende Lektüre der kuratierten Werkgruppe ermöglicht es uns, über kulturelle Produktion und die Erhaltung unseres historischen Erbes nachzudenken. Es ist nicht zu leugnen, dass diese Künstler nicht nur Realität schaffen, sondern auch dazu beitragen, die Wichtigkeit dessen, was einst geschaffen wurde, zu erhalten. Neue Generationen produzieren entsprechend dem, was ihnen vorausgeht. Ihre Funktion besteht darin, die kulturelle Enzyklopädie, in der sie tätig sind, zu stärken und gleichzeitig zu verändern und zu ergänzen. Jede Interpretation und die daraus resultierende Schöpfung speisen eine nächste Instanz, die die Erweiterung des kulturellen Lexikons fortsetzt.

Zitat / Unquote: zwischen Aneignung und Dialog Municipal Gallery of Porto, 11.03.2017 - 14.05.2017 Kuratiert von Gabriela Vaz-Pinheiro und Ana Anacleto

Siehe auch

Werbung - eine Form der Kunst.