Veröffentlicht am 09-09-2019

Überlegungen zu Objektivität und Kunst

"Ich wurde zu einem Objekt, etwas Entmenschlichtem, und die Interaktion der Menschen mit mir konzentrierte sich auf ihr eigenes Leben und ihre Interessen sowie auf die Kunst und die Fähigkeit, Spektakel zu vollbringen und objektivieren zu müssen, nicht auf mich oder meine Leistung."

Fotos von Brandon Beasley

Ich war nervös. Die Nacht zuvor blieb ich in der Galerie, bis ich gegen 3 Uhr morgens schnitt, nähte, schrieb, hängte, stach, malte und mich unorganisierte. Ich habe nur ein paar Stunden geschlafen, bevor ich am Morgen der Show aufgewacht bin und den gleichen Prozess des Zusammenbaus, Zerlegens, Dekonstruierens, Installierens und Vorbereitens begonnen habe. Was viele nicht wussten, ist, dass ein Großteil der Kunst, die sie an den Wänden hängen sahen, in den wenigen Stunden vor der Show gemacht wurde; Tatsächlich waren meine Knie am ersten Tag der Show unglaublich schmerzhaft, weil ich eine Stunde vor der Show auf dem harten Betonboden kniete und Gedichte über neue Stücke schrieb. Dies war nicht meine erste Kunstshow, aber meine intensivste, sowohl aufgrund der erwarteten Menge als auch der absichtlichen Kreativität, die ich in die Erforschung von Dings, Interaktionen, Kunst und Schwärze gesteckt hatte.

Letztes Jahr veranstaltete ich eine Einzelausstellung mit dem Titel „Interactions / Blackness“. Vor kurzem wurde mir klar, dass ich nie meine vollständigen Reflexionen über die Show geschrieben habe, die meine künstlerische Entwicklung in einer Weise grundlegend verändert haben, die ich erst jetzt realisiere. Nachstehend sind meine Überlegungen und Beschreibungen der Show sowie viele dazugehörige Bilder aufgeführt.

Die Intentionalität der Show beginnt im Titel selbst, Interactions / Blackness. Von dem Moment an, als Sie die Galerie betraten, waren Sie gezwungen, mit der Kunst umzugehen, die überall in der Galerie von der Decke gehängt war. Die Kunst, die Fotografie, Gedichte, Gemälde und die Mischung aus allen dreien beinhaltete, war unvermeidlich: Sie strich über deine Schultern, die Köpfe, die Menschen stießen unbeabsichtigt darauf, die Zuschauer mussten die Werke physisch ergreifen und festhalten. Berühren Sie sie, um viele Werke vollständig anzuzeigen und zu lesen. Ich wollte, dass sich der Raum immersiv und vor allem interaktiv anfühlt. In der Kunst wurde diskutiert, wo sich Schwarz mit Sexualität, Religion, Geschlechtsidentität und Klasse überschneidet, und das erste Stück, das auf Augenhöhe in der Tür hängt, fragt: „Wenn ich all dies mit einem Budget von 79 USD schaffen konnte, stellen Sie sich vor, wie viel mehr Ich könnte es tun, wenn ich weiß wäre und 200 Dollar hätte. “Außerdem hatte ich zwei Tische aufgestellt, die zwei Fuß hoch gestapelt waren und 4x11-Abdrücke aller meiner Fotos enthielten, unordentlich und unorganisiert, und die Zuschauer aufforderten, die Fotos und Videos zu sichten Nehmen Sie einen mit nach Hause, wenn sie wollten (oder sie könnten mir auch eine kleine Spende für einen geben). Da ich meine Kunst als Erweiterung meines Selbst betrachte, wollte ich klarstellen, dass sie durch die Interaktion mit diesen Stücken tatsächlich auch mit mir interagierten. Und indem ich die Arbeiten so persönlich wie möglich machte - alle Stücke, die an der Wand hingen, waren echte Hemden, Laken und Kissenbezüge aus meiner Heimat, auf die sehr persönliche Gedichte geschrieben waren -, wurde dies effektiv kommuniziert.

Eine der größten Aussagen, die ich mit diesem künstlerischen Projekt machen wollte, betraf Unterricht und Zugang. Ich habe absichtlich die Konstruktion des Rahmens robust, roh, unperfekt und unpoliert gehalten - vom Aufhängen der Werke durch Einstechen mit einer Schnur bis zum manuellen Zerreißen mehrerer Werke, anstatt sie mit einer Schere auszuschneiden. Die Absicht war zu zeigen, dass diese Kunst trotz meiner Klassenposition, die in Armut ruht, von mir gemacht, geschaffen und vertrieben wurde und dass sie immer noch ihres Lobes und ihrer Aufmerksamkeit wert ist. In vielerlei Hinsicht zwang ich die Zuschauer, mir vorzustellen, was die Show hätte sein können, wenn ich finanziell und kritisch / gemeinschaftlich von der monied und white art community unterstützt worden wäre. Und wenn ich mehr Zugang hätte, wie würde das die Interaktion mit mir und meiner Kunst verändern?

Als die Nacht weiterging, wurde mir klar, dass dies einen tiefgreifenden Einfluss darauf hatte, wie die Zuschauer mit der Kunst und dem Raum interagierten. Die Leute waren entweder von der „schlechten Präsentation“, wie sie mir von einer Person beschrieben wurde, sehr beleidigt, oder sie sagten mir, dass sie sie „verstanden“ hätten. Ich habe nie nach Meinungen dazu gefragt, habe die Leute nie speziell gefragt, was sie von der etwas einzigartigen Form der Präsentation halten und die Präsentation der Kunst, aber dass sie sich so gezwungen fühlten, dazu Stellung zu nehmen, machte deutlich, dass die Annahmen von Klasse und Kunst, wenn auch zutiefst, in den Zuschauern verankert sind. Ob sie diese Präsentation genossen oder sie nicht verstanden oder nicht mochten oder fühlten, dass sie zu ihrer eigenen Klassenposition sprach, sie bemerkten sie fast sofort als etwas, das sich wie ein seltsamer Akt symbolischer, künstlerischer Klassenkämpfe anfühlte. In den Raum wurde beinahe ein Prozess der Umkehrung eingenäht, in dem die vorherrschende Rhetorik der Kunst (und im Kapitalismus die kulturelle Arbeit im Allgemeinen), die die künstlerische Existenzfähigkeit unabhängig vom Künstler behauptet, zu einem unveräußerlichen Kunstraum gemacht wurde Künstler, vom Kulturarbeiter.

Das Performance-Stück, das ich gemacht habe, war der Teil der Nacht, über den am meisten gesprochen wurde, und aus offensichtlichen Gründen, die mit seiner aufmerksamkeitsstarken Natur zusammenhängen. Ich hatte eine kleine quadratische Bühne in der Mitte der Galerie, auf der ich drei schwarze Dichter einlud, in der Mitte der Show gesprochenes Wort vorzuführen, da die mittlere Galerie knapp 200 Personen fasst. Dann, nachdem die letzten Dichter aufgetreten waren, während die ganze Aufmerksamkeit noch auf die Bühne gerichtet war, ging ich auf die Bühne, zog mich fast nackt aus und zog mich vor der gesamten Menge um. Dies verursachte eine Mischung von Reaktionen; Einige kichern, ein paar schnappen nach Luft, Handvoll Telefonkameras machen schnell Bilder von meinem nackten Körper, der mit Tätowierungen und Narben bedeckt ist, und einige Leute wissen nicht, was sie tun oder erwarten sollen. Nachdem ich ein schlichtes Outfit aus schwarzen Hosen und einem weißen T-Shirt angezogen hatte, ging ich zur Ecke der Galerie, um mich hinzusetzen - ich war erstaunt, wie die ganze Menge mir mit solch aufmerksamer Stille folgte.

Als ich an der Ecke der Galerie ankam, saß ich schweigend da und erlaubte mir nicht zu sprechen, während ich versuchte, so wenig Emotionen wie möglich zu zeigen. Über vier Stunden lang durften die Zuschauer im Wesentlichen tun, was sie wollten: meine Haare schneiden , umarme mich, schlag mich, küsse mich, erzähle mir Geheimnisse und Geständnisse, schreibe auf mich oder meine Kleider. Und ich versichere Ihnen, die Zuschauer haben all diese Dinge getan und noch mehr. aber ich schwieg und emote nicht, bis auf ein paar Male, als die Emotionen unvermeidlich über mich kamen. Was ich wusste, war emotional bis zu einem gewissen Grad anstrengend, wurde emotional, mental und physisch schwierig und forderte auf eine Weise, die ich mir nie vorgestellt hatte.

Als ich dort saß, waren die ersten Dinge, an denen die Leute handelten, die offensichtlichsten: Zuerst umarmten mich zwei Leute, dann gingen andere sofort auf meine Haare los, die ich in den Monaten vor der Show herausgewachsen war und die ich in einem Buch aufgegriffen hatte sehr großer Afro (siehe Bilder). Obwohl ich eine noch nie dagewesene Verwundbarkeit erlebte, die ich nicht vorbereitet oder geplant hatte, bis ich sie aktiv erlebte, beschäftigte sich der emotionalste Teil für mich mit meinen Haaren. Als die Leute, von denen viele weiß waren und extrem voyeuristisch wirkten, anfingen, mir die Haare abzuschneiden, fühlte ich mich, als würden sie ein tiefes Stück meiner Identität heraussuchen. als würden sie mir eine Ressource zum Spaß entziehen, damit die Menge sehen kann, nur um sie zu verschwenden. Und was als zarte Interaktion von Umarmungen, Affirmationsgeflüster und kleinen Haarsträhnen begann, wurde schließlich zu einem Spektakel, in dem ich kein Mensch mehr war, sondern ein Objekt. Ich, der Künstler, der in der Performance sowohl als Schöpfer als auch als Kunst selbst auftrat, wurde nun irgendwie aus der Performance herausgelöst und entfremdet und in eine einfache Ressource der Aufregung, des Spektakels und der Projektion verwandelt.

Meine Menschlichkeit wurde in Objektivität umgewandelt und durch die Gestaltung der Aufführung erinnerte die Beschäftigung der Menschen mit mir an ein Wandgemälde oder eine Präsentation, auf die sie nun ihre Wünsche und Gefühle projizierten. Ich saß schweigend da, als die Leute es öffentlich genossen, mir die Haare zu schneiden, laut in mein Ohr zu lachen und die Leute in der Menge anzurufen, während sie verschiedene Handlungen an mir vornahmen. Eine Frau lachte und sagte: „Na, scheiß drauf!“, Bevor sie mich auf die Lippen küsste. die Geheimnisse und das Flüstern in meinem Ohr wurden zu vollen Geständnissen, als ob ich ein Priester wäre. Ich wurde zu einem Objekt, etwas Entmenschlichtem, während ich verwundbar blieb, und die Interaktion der Menschen mit mir konzentrierte sich auf ihr eigenes Leben und ihre Interessen sowie auf die Kunst und die Fähigkeit, Spektakel und den Wunsch zu vollbringen, ihre Emotionen auf diese entfremdete leere Leinwand zu projizieren, nicht auf mich oder meine Leistung .

Als der Künstler und Philosoph Adrian Piper (dessen Werk ich für mein eigenes am einflussreichsten halte) mehrere Jahrzehnte damit verbrachte, die Distanz zwischen sich selbst und dem anderen zu entziffern, herauszufordern und zu messen, realisierte ich auf halbem Wege der Performance, dass ich in diesem ähnlichen künstlerischen Bereich existierte . Wie Piper's beliebte Calling Cards, ihr 1975er "Ich verkörpere alles, was Sie hassen und fürchten", oder ihr 1970er "Katalyse III", war es mir ein Anliegen, gegen die Dichotomie zwischen sich selbst und anderen zu verstoßen oder sogar in ihr zu existieren, wenn nötig. Piper's Beschäftigung mit dem Selbst / Anderen Dichotomie führte zu einer Arbeit, die erforschte, wie sich das Selbst und das Andere aufgrund künstlicher sozialer Barrieren trennen oder trennen und sich gegenseitig fürchten, wie sie in ihrem 1983 erschienenen Stück "Portrait" feststellt:

„Oft fühlen wir uns von inakzeptablen Gedanken und Impulsen angegriffen und versuchen, sie zu unterdrücken. oder beschämt über inakzeptable physische Merkmale und bemühen sich, diese zu entfernen; oder durch das inakzeptable Verhalten oder Erscheinungsbild anderer bedroht sind, und sie daher angreifen oder ablehnen. Wir betrachten diese Dinge als fremde Feinde und nicht als die vertrauten Teile von uns selbst, die sie sind. Und so sind wir ständig bemüht, uns selbst zu zerstören und neu zu konstituieren, in Übereinstimmung mit unserem verkürzten und verzerrten Selbstbild. “

In diesem Sinne wollte ich, dass meine Kunstausstellung und meine Performance diese Analyse aufnahmen und etwas darauf aufbauten, was für meine eigenen persönlichen Erfahrungen und Beziehungen zur Anderen symbolisch ist. Während Piper's durchsetzungsfähige Analyse zu dem Schluss kommt, dass die „Gedanken und Impulse“ zu einem „Angriff oder einer Ablehnung“ des ansonsten anderen Individuums führen, war meine Absicht zu untersuchen, wie dieser Angriff oder diese Ablehnung inmitten eines öffentlichen Raums aussah, selbst wenn sie als dargestellt wurden erlaubt und nicht als solche gesehen. Als die Leute (öffentlich und zu Recht) an Stücken meiner Persönlichkeit herumfummelten und zogen, wurde ich der "fremde Feind", den Piper beschreibt, ein fremdes Objekt, ein Objekt, ein Ding, und sie projizierten ihre Schande, die Impulse, die sie einst abgelehnt hatten und unterdrückt auf mich.

Ein weiterer Aspekt in der Show, den ich bereits bei der Diskussion der Aufmerksamkeit für Klasse und Zugang erwähnte, war die absichtliche Abkehr von Vorstellungen und Bestrebungen nach Weißheit in Form von Kunst zum Wohle der Kunst. In Langston Hughes 'bahnbrechendem (wenn auch kurzen) Aufsatz „Der Negerkünstler und der Rassenberg“ spricht er von der wachsenden Kluft in der Negerkunst (Sprache seiner Zeit), die in den Jahren seit 1926 immer wieder neu belebt und vertieft wurde als das Stück geschrieben wurde. Er illustriert einen Kontrast zwischen "hochklassigen" und "besserklassigen Negern", dessen größter Wunsch darin besteht, "in Richtung Weiß zu rennen" und damit auch die Struktur der weißen Macht mit den Menschen und "normalen" Negerkünstlern in Verbindung zu bringen.

Hughes Dichotomie hinterlässt eine Formulierung von zwei verschiedenen Künstlern: Diejenigen, die sich mit der Integration in die weiße Kunstwelt befassen, indem sie den Deskriptor „Schwarz“ aus ihrer Kunst streichen, den „das Flüstern von„ Ich will weiß sein “lautlos durchströmt ihre Gedanken “und die Kunst der Schönheit zuliebe schaffen. Diese bürgerlichen Künstler lehnen sich gegen jene Künstler an, die besorgt sind und sich für die Gemeinschaft engagieren, "ihre eigene Individualität angesichts amerikanischer Normierungen bewahren", die ihre Gemeinschaft ihnen schließlich "die Welt geben" wird. Eine andere Dichotomie, durch die ich aus meiner eigenen Objektivität und Verdinglichung ein Spektakel machte, bestand auch darin, Teile dieser Dichotomie herauszureißen. Der Akt, mich in die zweite Hälfte dieser Formulierung zu versetzen und stolz im Titel eines schwarzen Künstlers zu stehen, der das Label nicht aus Gründen der Assimilation ablehnte, war in den Rahmen der Show, des Spektakels eingebettet. Ich habe Kunst weder für die Kunst noch für die Schönheit geschaffen, sondern für meine eigene Heilung und die der Gemeinschaft, die mich als schwarzen Künstler umgibt. Wie ich letztes Jahr für Philadelphia Printworks schrieb: "Wenn Emerson sagt, Schönheit sei seine eigene Entschuldigung, dann ist weiße Kunst mehrmals der eigene Grund, Galerien zu füllen." Wenn dies wirklich der Fall ist, ist dies der einzige Weg, sich zu trennen Von der weißen Kunst und ihrer aufrichtenden Machtstruktur ist es, sich in den Rassenberg zu lehnen, mit dem Hughes sich so beschäftigt hat.

Was während des Performance-Stücks passierte, wurde vorweggenommen, als ich den Galeristen sagte, dass dies geschehen würde, und genau aus diesem Grund tat ich die Performance: Was als Akt meiner eigenen Verletzlichkeit und Selbst-Objektivierung begann, war innerhalb von Minuten verwandelte sich in ein Spektakel, für das andere ihre eigene Verwundbarkeit und den Wunsch, sich zu objektivieren, projizieren konnten. Das heißt, nach einem bestimmten kurzen Punkt war ich nicht länger der Verletzliche, sondern derjenige, der sich sicher genug fühlte, um die Handlungen des Geheimerzählens, Küssens, Schlagens, Haarschneidens, Umarmens usw. öffentlich zu machen Es ging darum, die Art und Weise, wie die Welt mit der Schwärze interagiert, wie leicht sie sich vereinheitlichen und in ein böses Objekt verwandeln lässt, zu einem Spektakel zu machen. Dabei habe ich gezeigt, wie Verletzlichkeit und die Interaktionen selbst zu einem Spektakel werden, wenn man die Gelegenheit dazu hat.

Als ich mehrere Stunden dort saß, mein Rücken schmerzte, mein Nacken schmerzte und mein Gesicht von jemandem pochte, der mich schlug (ja, das durften sie), gab es nur drei Momente, in denen ich Emotionen zeigte. Das erste war, als eine Freundin von mir zu mir kam und sich neben mich setzte, und sie einen kleinen Spiegel hielt, damit ich mich selbst sehen konnte: Meine Haare waren halb durcheinander und bedeckten mein Gesicht, auf dem sich auch ein Lippenstiftabstrich befand es (das sie von mir abgewischt hat, ohne dass ich gefragt habe). Ich war in Tränen aufgelöst, nachdem ich mich so gesehen hatte, ein Objekt von anderen Wünschen und Verletzlichkeiten, die sich auf einem schwarzen Körper manifestierten. Das zweite Mal weinte ich, als ein Ex-Partner von mir, den ich nicht einlud, auf mich zukam und mich umarmte - es war zutiefst emotional, und ich musste von seinen Augen wegschauen und als ich Leute in der Menge hörte Flüstern "Ich denke, das könnte sein Ex-Freund sein", ich war mit Tränen überwältigt. Und dann, nach drei Stunden in der Vorstellung, als ich kurz davor war aufzugeben, kam eine schwarze Frau und drückte mir einen Stäbchen auf die sehr trockenen Lippen, umarmte mich, gab mir einen Schluck Wasser und küsste mich auf die Wange. Auch hier habe ich nicht darum gebeten (ich konnte überhaupt nicht sprechen oder Gefühle zeigen), aber ich konnte ihr eigenes leises Schluchzen hören, als sie sich neben mich setzte und mich umarmte und ihre eigene Träne an meinem Gesicht spürte, als sie mich umarmte. Ich musste vor Freude lächeln, weil mir klar wurde, dass die Darbietung bei den Zuschauern Anklang fand, dass das von mir geschaffene Ökosystem Emotionen und Aussagen hervorbrachte und mit Sicherheit einen Effekt der Selbstverwirklichung hervorrief.

Das Konzept der Show untersuchte, wie Blackness mit psychischen Erkrankungen, Geschlecht, Klasse, Sexualität, Religion und der Interaktion der Welt mit Blackness interagiert, und das letzte Stück, um dieses Konzept zu bekräftigen, bestand darin, mich selbst als ein schwarzer, queerer Muslim zu positionieren arme Person, als das ultimative Objekt zur Interaktion mit. Es war emotional, als poetisch beschrieben und, wie viele Zuschauer sagten, unerwartet. Aber ich glaube, die Show hat tiefe Spuren hinterlassen, da immer noch von heute gesprochen wird und die Leute mich ein Jahr später immer noch oft nach der Aufführung fragen.

Alle Stücke waren ohne Titel und ich sagte den Zuschauern, sie sollten sich einen Titel ausdenken, den sie mögen. Daher gab es keinen Katalog für die Show. Es ging darum, den Kunstraum von starren, archaischen und einschränkenden Strukturen wie Titeln, Katalogen / Listen und Preisen für Kunst zu befreien. Ich wollte, dass die Interaktionen der Betrachter diesen Raum auf natürliche Weise durch ihre Interaktionen gestalten. Als sie die Kunst berührten und den Raum füllten und sogar die Kunst, die für mehrere Stunden meinen Körper umfasste, bewegten und neu organisierten, wurde alles zu einem Objekt, alles wurde zu einem Ding, und nichts war heilig, weil alles heilig wurde. Jedes Ding wurde mit sich selbst in Wechselwirkung gebracht, und andere kämpften mit sich selbst, und der rassistische Berg hatte einen Erdrutsch, und mein armer Arsch tat es.

[Dieses Stück wurde von Mond bearbeitet.]

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