Veröffentlicht am 22-02-2019

SF MoMA: Edvard Munch

Hallo Welt! Ich habe viel darüber nachgedacht (wahrscheinlich zu viel), worum es mir in diesem Blog ging, und ich habe mich auf "Mostly Museum Reviews" entschieden ein Vorsprung. Hier vor dem College Kristies Gedanken zu Edvard Munch während einer Sonderausstellung im SF MoMA. Alle Fotos wurden auf meinem Telefon aufgenommen. Es ist also so, als wären Sie bei mir. Lass uns gehen!

Selbstporträt: Zwischen der Uhr und dem Bett

Ein Selbstporträt am Ende seines Lebens

Ich denke, der Grund, warum Sie nicht nur Fotos von Gemälden sehen können, liegt daran, wie sich das Gemälde verändert, wenn Sie näher oder weiter entfernt stehen. Als ich das erste Mal zwischen der Uhr und dem Bett sah, sah es fast schlampig aus. Es gab ein chaotisches Gefühl in den Pinselstrichen, aber es war schwierig, es als Ganzes zu sehen. Wie könnte das etwas Geschicklichkeit erfordern? Das würden meine Eltern sagen. Aber wenn ich es von der anderen Seite anschaue, habe ich ein anderes Gefühl. Die Pinselstriche wirken weniger chaotisch und kommen auf diese müde, fast unheimliche Weise zusammen. Die Farben greifen ineinander und verleihen ihm einen abgenutzten und verblichenen Look. Im Gegensatz dazu stehen die roten und schwarzen Streifen auf dem Bett neben Munch. Es ist der einzige Ort mit diesen Farben und der einzige Ort mit Leerzeichen. Vielleicht lese ich zu viel hinein, aber darin könnte Symbolik stecken. Die Uhr hat keine Zeiger, also erscheint sie ewig. Das Bett, normalerweise ein Ort der Ruhe, ist mit auffälligen Streifen markiert. Der Ausdruck auf Munch unterstützt auch die Idee der Abwehr gegen den Tod. Seine Augen sind geschlossen oder vielleicht eingefallen und er ist kahl und steif. Trotzdem ist sein Kopf immer noch mehrdeutig, als wäre er trotzig oder akzeptabel, und das Rot im Bett erscheint auf seinen Wangen.

Das kranke Kind

Zwei aus einer Serie von sechs Gemälden über ein krankes Mädchen und eine Frau, die ihre Hand hält

Das Interessante an diesen beiden Bildern ist, dass es sich um dieselbe Szene handelt, Dies gibt jedem ein einzigartiges Gefühl. Die erste hat dunklere Farben mit weniger deutlichen Linien. Das sterbende Mädchen scheint eine Frau mit gesenktem Kopf zu trösten. Ihr Gesicht, der einzige leichte Teil des Gemäldes neben der Bettplatte hinter ihrem Kopf, ist der Fokus. Ihre Blässe ist angesichts ihres bevorstehenden Todes fast engelhaft. Das Gemälde ist von Trauer umspült, wobei die verschiedenen Schatten der Dunkelheit ineinander übergehen.

Im zweiten Bild wird ein frenetischeres Gefühl vermittelt, überall mit hellen Farbtropfen und schärferen Farbkontrasten. Anstatt miteinander zu verschmelzen, werden die Farben zwischen Bett, Wand, Tisch und Flaschen stärker definiert und voneinander getrennt. Ein Gefühl von Stress, vielleicht sogar Wut, kommt von dem Bild. Anstatt ihre Trauer in sich zu halten, fühlt sich die Trauer der Frau mehr über die Ungerechtigkeit dieses sterbenden, unschuldigen Kindes. Die roten Hände, die ihre Hände definieren, zeigen, wie sie sich zusammenpresst, anstatt ihre Hand auf das Kind zu legen und Verzweiflung zu erzeugen. Ich würde sagen, der Fokus des Gemäldes liegt auf dem Mädchen in der ersten Arbeit, das rote Auge lenkt den Blick des Betrachters auf die Hand der Frau in der zweiten. Dadurch werden die Gefühle der Frau stärker in den Mittelpunkt gerückt, ein erschüttertes, wütendes und verzweifeltes Gefühl, das von den raueren Linien, Farben und Flecken des zweiten Gemäldes unterstützt wird.

Ein interessanter Hinweis ist, was die Flasche und das Glas für die Szene bedeuten, wobei die Flasche nur in der Sekunde deutlich wird. Ist es Medizin? Ist es Wasser? Ist es ein Versuch für ein Heilmittel, das in die Ecke des Gemäldes verbannt wird, weit entfernt von seinen Charakteren?

Der Künstler und sein Modell

Im Raum mit allen anderen Gemälden von Künstlern und Modellen

Ich kann sehen, warum all diese Bilder zusammengesetzt wurden. Sie alle haben ein zentrales Konfliktthema zwischen dem Künstler und seinem Modell. Alle sind mit harten, kontrastierenden Farben und Linien dargestellt. Verzweiflung, Wut und andere negative Gefühle gehen von jedem Gemälde aus. Interessant ist auch die Haltung jeder Figur. Alle sind entweder steif, trotzig und nach vorne gerichtet oder düster und nach unten gerichtet. Der Künstler und insbesondere sein Modell haben Munch fast komisch vor einem Hintergrund verschiedener Farben gebeugt, die den Betrachter durch das Bild ziehen.

Verzweiflung 1894

Kranke Stimmung bei Sonnenuntergang: Verzweiflung 1892

Ähnliche Gemälde, die zum Schrei führten

Es ist interessant, diese beiden Bilder nebeneinander und den Schrei im Kopf zu sehen. Es ist fast ein Übergang in der zentralen Figur von nur einem Mann, der in Sick Mood schaut, zu einer verzweifelten Figur, zu einem Schrei. Alle Bilder wurden durch das Drama eines blutroten Himmels inspiriert, der im Kontrast zu der Dunkelheit der Menschen und der Brücke darunter liegt. Der Realismus der Bilder wechselt auch, wobei The Scream emotionaler und weniger realistisch wird als Sick Mood. Der Kontrast nimmt sowohl in der Linie als auch in der Farbe zu, und die zentrale Figur wird zunehmend unheimlicher.

Tod im Krankenzimmer

Szene von Munchs Familie als Krankheit trifft

Alle Bilder in diesem Raum fühlen sich krank an. Die Farben sind grün bis gelb bis braun und scheinen auf die Leinwand zu streichen. Jeder ist geisterhaft oder niedergeschlagen. Die sterbende Person auf dem Stuhl ist dem Betrachter geheimnisvoll verborgen, aber das Gefühl des Todes wird durch die anderen Figuren des Bildes vermittelt. Ich mag diesen Raum nicht sehr. Der Tod macht mir unangenehm.

Der Tanz des Lebens

Ich ging in den Liebesbereich und erwartete nach In the Sick Room etwas Positiveres. Ich war überrascht, die Liebesbilder so dunkel und intensiv zu finden wie die anderen, auch wenn ich denke, dass dies für Munchs Stil Sinn macht Die Gesichter in all diesen Gemälden wirken immer noch gespenstisch, fast grellig. Es gibt eine Intensität zwischen dem zentralen Paar im Tanz des Lebens, wobei die Frau in leuchtendem Rot gekleidet ist. Das Gras ist unnatürlich grün und ein weißer Mond steht im Kontrast zum violetten Himmel. Es gibt andere Paare in der Szene, die sich zu bewegen scheinen. Ein Mann hat große Augen. Es gibt drei Frauen, die auch alleine stehen - links, rechts und im Hintergrund. Die linke und die rechte Frau stehen sich gegenüber, wobei die Linke weiß ist und in ihrer Bewegung jugendlicher erscheint und rosige Wangen. Das Recht wirkt älter, zurückhaltender mit gefalteten Händen, mit gesenktem Kopf und dunklem Kleid. Ist es ein Übergang? Blick aus Hoffnung und Enttäuschung. Der Sinn des Gemäldes ist mehr Bewegung und Intensität als Glück. Die Verbreitung der Paare und der einsamen Frauen deutet auf eine Wirbelwindbewegung durch das Leben des Verliebtseins und des Alleinseins hin.

Siehe auch

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