Veröffentlicht am 28-05-2019

"Zeig mir, wie ich gesehen werden will"

Im vergangenen Februar war ich in San Francisco Zeuge eines kleinen, aber entschlossenen Protests vor der Eröffnung der aktuellen Ausstellung des Zeitgenössischen Jüdischen Museums, "Zeig mir, wie ich gesehen werden möchte". Die Koalition der Protestierenden - darunter Queers, die den israelischen Terrorismus unterminieren, und die Allianz der Südasiaten, die Maßnahmen ergreifen - schlug auf Trommeln, sang "Freies Palästina!" kaufen Marke Israel. "

Die von der stellvertretenden Kuratorin Natasha Matteson inszenierte Ausstellung untersucht die Natur der Selbstdarstellung und Selbstbestimmung und fragt: „Wie verschiebt sich das Konzept der Porträtmalerei, wenn sich Kategorien in der Krise befinden und die Sichtbarkeit selbst problematisch ist?“ show beruft sich auf die biblische Geschichte von Esther, die ihre jüdische Herkunft offenbart, um ihr Volk zu retten, und nennt sie "eine archetypische jüdische Geschichte, in der sie das Selbst für sich beansprucht und erklärt, als ob man gesehen werden möchte" Französische surrealistische Künstler und Liebhaber Claude Cahun und Marcel Moore, die in einem Moment des 20. Jahrhunderts, in dem Antisemitismus und Queerantagonismus auf dem Höhepunkt des Völkermordfiebers standen, rebellisch und offen geschlechtswidrig, queer und jüdisch waren.

Micah Bazant, Mitorganisator des Protests, sagte: „Claude Cahun und Marcel Moore sind für mich als transjüdischer Künstler so wertvolle Vorfahren. Ihr Leben und ihre Kunst wurden durch eine völkermordende Besetzung dezimiert - wie könnten wir sie möglicherweise in einem Museum feiern, das eine andere völkermordende Besetzung unterstützt? “In Anlehnung daran schrieb mir Jordan Reznick:„ 1938 unterzeichnete Cahun das Manifest der Internationalen Föderation der unabhängigen revolutionären Kunst, in der es heißt: „Es wird keine Freiheit geben, bis alle frei sind.“ Dies sind die gleichen Worte, die wir von Bewegungen heute hören, die mit dem Volk Palästinas solidarisch sind. Wenn man sich die wichtigsten Finanzierungsquellen und Personen in Führungspositionen des CJM ansieht, ist klar, dass diese Institution auf der Seite von Völkermord und Apartheid steht und nicht auf der Seite der Befreiungsprinzipien, für die Cahun und Moore ihr Leben aufs Spiel gesetzt haben. “

Diese drei Figuren stehen neben den 10 zeitgenössischen Künstlern in der Ausstellung - Nicole Eisenman, Rhonda Holberton, Hiwa K., Young Joon Kwak, Zanele Muholi, Toyin Ojih Odutola, Gabby Rosenberg, Tschabalala Self, Davina Semo und Isabel Yellin - die Werke schufen über die Besonderheiten ihres eigenen Ichs oder einen Aspekt der Selbstgestaltung und des Selbstausdrucks.

In Anbetracht der oben genannten finanziellen Beziehungen der Institution muss man sich fragen: Was genau ist die Idee der Selbstbestimmung, die von dieser speziellen Show in dieser speziellen Institution vertreten wird? Wer kann auf diese begehrte Agentur und Autonomie zugreifen - wann und wo und wie?

Selbstbestimmung, Entscheidungsfreiheit über die Zukunft der eigenen Gemeinschaft, ist ein Traum, insbesondere für diejenigen von uns, die sich in einer bestimmten unterworfenen Diaspora befinden. Das Wort "Diaspora" kommt vom griechischen Wort "diaspeirein" und bedeutet "verstreuen". Der Begriff tauchte erstmals in frühen griechischen Übersetzungen der hebräischen Bibel auf. Das Buch Deuteronomium hat eine Wendung mit der Aufschrift „esē diaspora en pasais basileias tēs gēs“ oder „du sollst in allen Reichen der Erde zerstreut sein“ . "Diaspora" beschreibt auf diese Weise und in angemessener Weise auch die Zerstreuung von Völkern des afrikanischen Kontinents, sei es durch Versklavung, koloniale Abflüsse oder andere Arten der Migration.

Die historischen Verfolgungen jüdischer und afrikanischer Abstammungsvölker stellen diasporische Selbstbestimmungskämpfe in eine natürliche Konversation, von Theodor Herzls Zionismus über die "Neukolonisierung" bis zu Marcus Garveys imaginiertem Exodus der schwarzen Amerikaner "zurück nach Afrika" (ein Schwarzzionismus nach Herzls Vorbild) ). In der Einführung in die Anthologie Diaspora und visuelle Kultur: Repräsentation von Afrikanern und Juden schreibt Nicholas Mirzoeff: "Afrikaner und Juden haben lange aufeinander gewartet, um zu erklären, was es bedeutet, in der Diaspora zu sein." Diaspora als imaginäre Gemeinschaft kann außerhalb ihrer Interaktion mit anderen Diasporas nicht vollständig verstanden werden.

Die Einbeziehung von schwarzen Künstlerinnen in eine solche Show erscheint daher angemessen und notwendig. Und die drei schwarzen Künstler der Ausstellung - Zanele Muholi, Toyin Ojih Odutola und Tschabalala Self - bieten Perspektiven auf die Identität und Repräsentation Afrikas und Afrodiasporas. Muholi ist berühmt für seine Gemeinschaftsporträts und seine schwarz-weißen Selbstporträts, die oftmals einen beinahe unablässigen, flehenden Blick zeigen. Sie möchten, dass Sie sie sehen, sich erkundigen und vielleicht sogar fürchten - aber befehlen Sie, sie immer zu respektieren. Währenddessen bietet die gebürtige Nigerianerin Ojih Odutola in ihren externalisierten autobiografischen Untersuchungen zu Ort, sozialer Dislokation und Auswanderung von Einwanderern ihre eigenen eleganten Darstellungen von Schwarzen mit einer Chromatik, die sie lebendig erscheinen lässt. Mit Kugelschreiber, Bleistift und Kohle erzeugt sie einen satten, lichtfleckigen Teint - sie möchte vermitteln, wie braune Haut aussieht. Und die Mixed-Media-Arbeit von Self ist dreidimensional und verwendet dennoch eine „Malsprache“, die der Aufgabe dient, die schwarze weibliche Form darzustellen. Die erfundene Eindimensionalität rassistisch-frauenfeindlicher Kontrollbilder von schwarzer Weiblichkeit und schwarzer weiblicher Sexualität wird durch ihr Atemleben in neuen geschlechtsspezifischen schwarzen Formen in ihren Figurenkreationen zerstört.

Es ist auch notwendig, die mögliche Instrumentierung dieser Künstler und einige der Widersprüche, die mit ihrer Aufnahme einhergehen, in Frage zu stellen. Das Verstehen der Arbeit dieser drei besonderen Künstler innerhalb dieser Ausstellung und innerhalb der Grenzen dieser kreativen Institution führt dazu, dass „das Politische“ gegen „das Ästhetische“ steht. Walter Benjamin schrieb eindringlich, als sich faschistische Ideen und militärische Kräfte in ganz Europa schnell ausbreiteten stellt fest, wie die Ästhetisierung des Politischen (die Umwandlung der materiellen Politik in eine reine Ästhetik durch künstlerische und kulturelle Propaganda) und die Politisierung der Ästhetik (die Ablehnung der Idee, dass Ästhetik nicht politisch ist und die Infusion offener politischer Ouvertüren in die künstlerische Arbeit) gegeneinander gestellt werden. Er schreibt, dass die Ästhetisierung der Politik vom Faschismus praktiziert wird und dass "[die] Selbstentfremdung der Menschheit den Punkt erreicht hat, an dem sie ihre eigene Vernichtung als höchstes ästhetisches Vergnügen erleben kann". Wie von Ariella Azoulay, einer israelischen Wissenschaftlerin, beschrieben In ihren Arbeiten zur Fotografie und Archivpolitik, die Israel lange Zeit kritisch gegenüberstanden, bezieht sich „das Urteil„ politisch “/„ nicht politisch “auf Kunstwerke, die sich mit Themen befassen, die als politisch identifiziert werden.“ Diese Urteile bestimmen letztendlich, wie Bilder aussehen werden klassifiziert und ausgewertet.

Per Zulfikar Ali Bhutto, ein Befürworter des Protests: „Das Contemporary Jewish Museum bemühte sich um Legitimation, indem es queere und trans-farbige Künstler in eine Ausstellung einbezog. Das Paradoxe dabei ist jedoch, dass es sich um eine von Gebern finanzierte Institution handelt, die auch anti-muslimische und anti-arabische Gruppen unterstützt. “Der politische Akt des Artwashing - eine Beschreibung der Art und Weise, wie pro-israelische Politik Kunst einsetzt, um den israelischen Staat zu sanieren Gewalt und „Nutzung der Künste, um Missverständnissen über Israel in den Medien und in der Populärkultur entgegenzuwirken“ - dienen der Entpolitisierung der Kunst, indem sie die Vorstellung fördern, dass sie in einem sozialen Vakuum existiert, das von gesellschaftlichen Einflüssen und Ideologien unberührt bleibt. Reznick beschreibt, wie Artwashing ähnlich funktioniert wie "Pinkwashing", das sie als "die Art und Weise beschreiben, in der der israelische Staat öffentlich seine liberale Akzeptanz von queeren und transsexuellen Subjekten als Demonstration der" Freiheiten "der Staatsbürger geltend macht." ist keine queere Befreiung ohne palästinensische Befreiung. Jegliche Feier der queeren und transen Freiheit, die nicht der Rassengerechtigkeit verpflichtet ist, ist nur weiße Vormachtstellung “, schreibt Bazant.) Sie beschrieben, wie die Regierung der Vereinigten Staaten den abstrakten Expressionismus während des Kalten Krieges benutzte, um beschreiben den Konflikt als "Verteidigung der offensichtlichen Freiheiten amerikanischer Bürger gegen die Beschränkungen des Kommunismus". Ebenso "fliesst Israel Millionen von Dollar in [PR-] Kampagnen, um sich als Oase liberaler Freiheiten zu profilieren, um die Menschen glauben zu lassen, dass es gegen sie kämpft." Das palästinensische Volk steht für Freiheit vs. Unterdrückung und Modernität vs. Primitivität. “

Eine Reaktion auf diese Manipulation künstlerischer Projekte und Diskurse ist die Forderung der Boykott-, Veräußerungs- und Sanktionsbewegung (BDS) nach einem kulturellen Boykott. Dies reichte von Appellen zum Boykott von Eurovision, das in diesem Jahr in Tel Aviv stattfand, bis zu überzeugenden Musikern wie Lorde und Radiohead, sich zu weigern, in Israel zu spielen, genauso wie es einen politisch gleichwertigen Aufruf gab, Künstler zu weigern, in der Ferienanlage Sun City zu spielen während der südafrikanischen Apartheid.

Diejenigen, die gegen Show Me protestierten, waren da, um uns daran zu erinnern, dass das Kunstwerk in einem Museum unbedingt im Kontext der Politik dieser Institution gesehen werden muss. Die Aktion wurde mir von Bazant als explizite Unterstützung und im Dialog mit den Aktionen von Decolonize this Place im Whitney Museum für amerikanische Kunst in New York City beschrieben. Der stellvertretende Vorsitzende des Museums, Warren Kanders, ist der Gründer und Vorsitzende von Safariland, dem Waffenhersteller, der Ende 2018 das Tränengas der US-Regierung auf die zentralamerikanische Karawane abfeuerte (und der Beitrag von Forensic Archictecture zum Whitney 2019) Alle zwei Jahre wird bekannt, dass Kanders Gesellschaft möglicherweise an Kriegsverbrechen beteiligt war („in vierzehn Ländern, darunter sechs Staaten oder Territorien der Vereinigten Staaten“, einschließlich Palästina).

Die Flugblätter, die bei dem Protest verteilt wurden, beschrieben, warum das Zeitgenössische Jüdische Museum gegen die Richtlinien der BDS-Bewegung verstößt. Ein Förderer des Museums ist nicht nur das israelische Konsulat, sondern auch die Koret-Stiftung, eine Organisation, die im Bericht 2015 des Internationalen Jüdischen Antizionistischen Netzwerks (IJAN) „Business of Backlash“ als Hauptförderer von Anti genannt wurde - Palästinensische Solidaritätsarbeit, die zwischen 2010 und 2015 mehr als 64 Millionen US-Dollar an komplementäre konservative Organisationen gespendet hat. Während Artwashing-Argumente die Kunst als nicht politisch motiviert positionieren (und so in der Lage sind, gegensätzliche Fraktionen strittiger politischer Spaltungen zusammenzubringen), stellt IJAN fest, dass die Stiftung nutzt künstlerische Räume, um ihre politischen Interessen voranzutreiben. 2009 zog die Stiftung ihre Finanzierung vom San Francisco Jewish Film Festival zurück, nachdem sich das Festival geweigert hatte, den Film Rachel zu entfernen, ein Dokumentarfilm über die amerikanische Aktivistin Rachel Corrie, die getötet wurde, als sie versuchte, einen israelischen Militärbulldozer daran zu hindern, ein palästinensisches Haus in San Francisco zu zerstören der Gazastreifen während der Zweiten Intifada, aus seiner Aufstellung. Ein weiterer Geldgeber des Museums ist die Helen Diller Family Foundation, die laut IJAN-Bericht 10.000 US-Dollar an die Amcha-Initiative gespendet hat, die sich strategisch an Universitätsgelände richtet, die als Zentren der palästinensischen Solidaritätsorganisation gelten. Bazant fügte hinzu, dass "die neue Direktorin des CJM, Lori Starr, angeheuert wurde, obwohl sie in ihrer vorherigen Position (als [Exekutivdirektorin] des Koffler-Zentrums für Künste in Toronto) für die Zensur einer jüdischen antizionistischen Künstlerin vielfach kritisiert wurde."

Der Flyer beschreibt, dass sie gegen die Ausstellung protestiert haben, weil sie die antifaschistischen Künstler Cahun und Moore als Grundlage für einen expansiven und radikalen Begriff der Selbstbestimmung verwendet. „Wir können die Positionierung der gezeigten Arbeiten der schwarzen Künstler auch als die Art der kulturellen Ausbeutung verstehen, die Aruna D'Souza in ihrem Buch Whitewalling: Art, Race & Protest in 3 Akten beschreibt. Wenn Kunst als Mittel benutzt wird, um einen offenen Dialog zu entfachen, so schreibt D’Souza, ist dies widersprüchlich mit „de facto Grenzen, wer sprechen kann und was gesagt werden kann“, verbunden. Der angeblich offene Dialog ist immer schon überwacht und zensiert.

Diese künstlerische Ausbeutung beruht auf dem Selbstbranding Israels als „fortschrittliche Demokratie im Nahen Osten“ (trotz der Umarmung der faschistischen Führer durch den israelischen Ministerpräsidenten Benjamin Netanjahu im Ausland und der ultranationalistischen Otzma Yehudit-Partei im Inland) und widerspricht dieser Tatsache dass die Schwarzen in Israel nicht in diese Struktur der Selbstbestimmung einbezogen sind. Israel hat in der Vergangenheit äthiopische Juden misshandelt (entleert und abgelehnt, weil es befürchtet, mit HIV „kontaminiert“ zu sein, und sogar äthiopischen jüdischen Frauen ohne deren Zustimmung die Sterilisation der Depo-Provera-Empfängnisverhütung verabreicht) und bereits schutzbedürftige afrikanische Migrantinnen festgenommen und abgeschoben. Und natürlich hat der Staat Israel die Möglichkeiten und das Selbstbestimmungspotential der Palästinenser durch Vertreibungen und Vertreibungen, überproportionalen Einsatz militärischer Gewalt und kollektive Vergeltungsmaßnahmen sowie die fortgesetzte Aufrechterhaltung völkerrechtsverletzender Siedlungen behindert und unterdrückt und vielleicht am verheerendsten die Verweigerung des Rechts der palästinensischen Diaspora, in ihre Heimat zurückzukehren.

Die Politik innerhalb von Show Me as I Wanting to Seen erinnert uns daran, dass weder Kunst noch Museumseinrichtungen wertneutral sind und niemals sein können. Reznick teilte mit, dass es ärgerlich sei, das Thema Selbstbestimmung zu zentralisieren, wenn dies ein Recht ist, das den Palästinensern so gewaltsam verweigert wird. "Als trans-nicht-binäre Person", sagten sie, "bedeutet Selbstbestimmung des Geschlechts nicht nur die Freiheit, als die Person zu leben, die ich für mich selbst halte, sondern auch, dass meine eigene Selbstbestimmung mit der anderer verstrickt ist." … Geschlechtsselbstbestimmung ihrer Solidarität mit anderen Formen der Selbstbestimmung beraubt zu haben, heißt, sie von ihrer Politik zu reinigen und so zu tun, als sei sie nur ästhetisch oder nur ein Akt des Individualismus. “Bhutto beschrieb, wie diese individualistischen und oft gegensätzlichen Auffassungen von Selbstbestimmung macht ohnehin schon schutzbedürftige Randgruppen letztendlich noch gefährdeter. Er beklagte, dass „Araber und Muslime nicht angehört, wir gemieden, unsere Stimmen und Sorgen zum Schweigen gebracht werden. Wenn dies die derzeitige Realität vor Ort ist, dann macht es mich sehr traurig zu fragen: Welche Hoffnung haben wir auf politische und kreative Solidarität mit Palästinensern (aller Glaubensrichtungen), Arabern und Muslimen auf der ganzen Welt? “

Dies war mein erstes Mal im Contemporary Jewish Museum, und ich war an der Eröffnungsrezeption begeistert von dieser Gelegenheit, interdiasporische Interaktionen über das Selbsterstellen und die Arbeit von drei meiner Lieblingskünstlerinnen [schwarzer] visueller Art zu sehen. Aber nach der Interaktion mit den Protesten hatte ich einen schlechten Geschmack im Mund. Ihre Arbeit war so beeindruckend, wie ich es erwartet hatte und Matteson ist ein fähiger Kurator, aber ich konnte mich nicht auf die Kunst konzentrieren. Der Protest und die Art und Weise, wie er mich zwang, nicht nur die Arbeit und die Kuration, sondern auch den institutionellen Container, der die Arbeit enthält, weiter zu politisieren, beschäftigten mich. Angesichts der Fülle des vorliegenden Themas schwankte ich darüber, dies zu schreiben, aber ich stehe dem Einsatz von schwarzer kreativer Arbeit bei der impliziten Unterstützung einer Politik, die die Schwarzen für ihre Opposition in der Öffentlichkeit bestraft haben, standhaft kritisch gegenüber. Schwarze Kunst verdient es besser.

Siehe auch

Picasso hat mich gespieltWenn positives Feedback für Ihre Fotografie giftig wirdDie zufälligsten Begegnungen im Leben sind vielleicht die, die Sie zum Nachdenken anregen, damit Sie klarstellen können…Roma-Bevölkerung und ERIACEin Outsider-Künstler seinMein drittes und viertes Buch (aus 24 Büchern und MNI-Büchern) kann eine andere, sogar mächtige…