Veröffentlicht am 08-03-2019

Einige Gedanken nach Pierre Bonnard

Pierre Bonnard, „Esszimmer im Land“, 1913, Foto: 2006

Gestern verbrachte ich einen angenehmen, gemütlichen Abend in Gesellschaft von S. und wanderte durch die ganz außergewöhnliche Ausstellung von Tonné Modern, in der Pierre Bonnards Arbeit The Color of Memory zu sehen war. Der Besuch fand im Vorfeld von Gabriel Josipovicis Vortrag im Laufe des Abends statt, im Gespräch mit dem Schriftsteller und Maler Julian Bell, sowohl zu seinen eigenen Eindrücken der Ausstellung als auch zu seinem 1998 erschienenen Roman Contre-Jour: Ein Triptychon nach Pierre Bonnard. Sowohl der Besuch als auch die Diskussion brachten einige interessante Gedanken auf, die ich unten zu geben versucht habe, obwohl sie zum Teil unformiert bleiben.

Ich hatte und habe Josipovicis Roman seit einiger Zeit nicht mehr gelesen, aber was ich am meisten daran genossen habe, als ich es las, und was durch die bewegende Lektüre einiger Passagen des Autors wieder zum Leben erweckt wurde, war sein Rhythmus Spiegelung der Stimmung von Bonnards Werk (oder der Stimmung der sehr kleinen Anzahl von Bonnards Bildern, die ich damals erlebt hatte). Die reduzierte Diktion und instationäre Wiederholungen, einfache Elemente, die mit sorgfältiger Sorgfalt eingesetzt und mit tiefgründigen, fast aphoristischen Bemerkungen über das Wesen der Kunst versehen wurden, erweckten den Eindruck eines biographischen Romans mit einem Maler (was jedenfalls nicht der Fall ist) ), sondern ein Werk literarischer Kunst, das in denselben Räumen gespielt wurde, die in den Werken des Malers dargestellt sind.

Ich fand bestimmte Elemente der Diskussion frustrierend, Bell schien Bonnard als Maler der Vorstadt, eine private, ruhige, bürgerliche Figur der Häuslichkeit und lebhaften Farbe (ähm) malen zu wollen, deren Antithese gewalttätig sein würde öffentliche, explosive, monumentale Figur von Picasso. Josipovićs eigene Position, die auch seine in der TLS erschienene Rezension der Ausstellung strukturierte, stand strikt dagegen: In Bonnard etwas Beunruhigendes zu finden, eine Spannung oder eine Auflösungskraft, die irgendwie mehr wegen ihrer Ruhe, ihrer Schwäche beunruhigend ist. Das hat mich sehr beeindruckt, und ich erinnere mich, wie ich an Virginia Woolfs Tagebücher dachte, die ich kürzlich gelesen hatte, und ihre Momente, in denen Blanchot in seinem Essay über ihr Tagebuch erzählt, Momente des Seins. Eine besonders bewegende Passage, die mir geblieben ist, ist folgende:

"Ich mag fast alles. Trotzdem habe ich einen unruhigen Sucher in mir. Warum gibt es keine Entdeckung im Leben? Etwas, das man in die Hand nehmen und sagen kann "Das ist es" Meine Depression ist ein belästigtes Gefühl. Ich schaue: aber das ist es nicht - das ist es nicht Was ist es? Und soll ich sterben, bevor ich es finde? Dann (als ich letzte Nacht durch den Russell Square ging) sehe ich die Berge am Himmel: die großen Wolken; und der Mond, der über Persien gestiegen ist; Ich habe dort ein großartiges und erstaunliches Gefühl von etwas, das "es" ist. Es ist nicht gerade schön, was ich meine. Es ist das Ding an sich genug; befriedigend; erreicht. Ein Gefühl meiner eigenen Fremdheit, auf der Erde zu gehen, ist auch da: der unendlichen Seltsamkeit der menschlichen Position; Trotten entlang des Russell Square mit dem Mond oben und den Bergwolken. Wer bin ich, was bin ich und so weiter: Diese Fragen schweben immer in mir herum: Und dann stoße ich auf eine genaue Tatsache - einen Brief, eine Person - und komme mit einem großen Gefühl von Frische wieder zu ihnen. Und so geht es weiter. “

Josipovici schreibt in seiner Rezension über etwas Ähnliches, über Bonnards Arbeit, die dem Betrachter ein Gefühl dafür gibt, wie es ist, lebendig zu sein. Bell nahm den Autor dafür zur Rechenschaft, weil er den Pudding übertrieben hatte, wie er es ausdrückte, und es nicht richtig war, zu sagen, dass die Bilder von Bonnard „mehr waren wie das Leben“ als alle anderen Bilder.

Betrachtet man jedoch diese beiden Konstruktionen, so scheint es (obwohl ich hier den Pudding übertreiben könnte), ein Element der Fehlübersetzung in Bells Neuformulierung dessen, was Josipovici zu behaupten versucht. In Bell bezeichnet der Begriff Leben, wie Leben ist, subjektive Erfahrung, nicht einen Moment des Seins, sondern nur das gewöhnliche Leben der Wesen, während die frühere Aussage, "wie lebendig zu sein", anders ist, was auf das hinweist, was geht jenseits der subjektiven Erfahrung von Wesen zu einem Moment der Totalität oder Ausdehnung. In der Fließfähigkeit von Bonnard lauern die sich ändernden Formen, der Mangel an Brennpunkten, eine Art Erfahrung, die eher mit dem Begriff des Seins vergleichbar ist (wenn auch vielleicht eine flüchtige Universalität, eher eine "ursprüngliche" Offenbarung). Das Heimische wird für die Öffnung von etwas mehr verwendet, etwas, das schwierig ist, uns unserem Zugriff entzieht, aber dennoch da ist.

Vilhelm Hammershøi, „Interior“, 1899, Tate Collection, Bild unter Creative Commons veröffentlicht

Bells Bemerkungen über Picasso als das entgegengesetzte Gegenteil von Bonnard ließen mich an eine andere Antithese denken, an deren Negation Bonnards sich viel näher rückte und deren Arbeit ich während meiner eigenen Erfahrung in der Ausstellung in Erinnerung hatte: Vilhelm Hammershøi. Anstatt, dass Bonnard sein Gegenüber im bombastischen, unnachgiebigen öffentlichen Profil von Picasso fand, malt der dänische Meister, dessen Gemälde Rilke nach Worten suchte, [1] auch das Innere und das Inland, aber auf einer fast direkt entgegengesetzten Farbpalette (vielleicht Meeting) Bonnard auf dem Terrain von Lila). Ich denke, Hammershøis beunruhigende Stille macht Bonnards ungemütlichem Komfort eine angemessene Folie, deren Palette und Zeitgefühl in gewisser Weise direkt Bonnard gegenüber stehen, deren Wirkungen jedoch nahe beieinander liegen. Mit Hammershøi könnte man vermuten, dass die Stimmung Momente des Nichtseins auslöst, als würden beide Maler an verschiedenen Polen derselben Erde arbeiten, einer, die dem nahekommt, was Freud als unheimlich bezeichnet hat.

Seltsamerweise war Bram Van Velde der andere Maler, an den ich damals dachte (obwohl dies vielleicht ein wenig von der Diskussion beeinflusst wurde, in der Bonnards Gefühl der Schwäche hervorgehoben wurde). Man könnte sagen, dass der abstrakte Maler, der für Beckett so wichtig war, einer war, der die Schwäche der Malerei an das Absolute zog. In seiner Arbeit tendieren alle Formen zum Unkenntlichen und deuten einen radikalen Endpunkt der schleichenden Auflösung von Bonnard an. In den Unterhaltungen von Charles Juliet mit Samuel Beckett und Bram Van Velde implizieren die Bemerkungen des Malers die bewusste Notwendigkeit, über die subjektive menschliche Erfahrung hinaus zu einer unsichereren, allgemeineren universellen Lebensvorstellung zu gelangen, die jenseits liegt:

Ich fühle mich an das Leben gebunden. Die Unermesslichkeit und Komplexität. Jedes Gemälde ist ein Impuls zum Leben.

Neben diesen ontologischen Überlegungen gibt es auch zeitliche Bedenken. Bells Charakterisierung von Bonnard scheint ihn mit dem Titel der Ausstellung in Einklang zu bringen. Die Farbe des Gedächtnisses erinnert an einen Maler einer sicheren und bequemen Umgebung, Vororte, die an vergangene Zeiten erinnern, die möglicherweise wiederkommen. Dies scheint mir ein Fehllesen zu sein, und er beleuchtet die problematische Art und Weise, wie "Erinnerung" im Bereich der visuellen Kunst mobilisiert wird (eine ausgezeichnete und viel artikuliertere Diskussion darüber wird von Peter Osborne in seiner Vorlesung Die Wahrheit wird bekannt sein) wenn der letzte Zeuge tot ist). Das Problem ist, dass das Gedächtnis nicht nur nach hinten gerichtet ist, sondern eine Neugestaltung der Vergangenheit in der Gegenwart, es neigt dazu, die Gegenwart in Bezug auf diese Erinnerung zu definieren. Ein in dieser Hinsicht konstruiertes Werk würde dadurch von der Gegenwart abgeschnitten werden und würde vernachlässigen, dass das Kunstwerk ständig am Werk ist; durch die Bewegung der Geschichte rechtzeitig wiederhergestellt werden. Jede Zukunft ist ihr verloren, denn ihre einzige Vision ist eine sehnsüchtige Nostalgie für eine tote Zeit, die für immer verloren ist.

Ob ich ganz genau sehen kann, was Josipovici in den Werken tut, ich sehe in Bonnards Werk keine solche "Erinnerung". Was seine Bilder für mich tun (und in ihren schönsten Momenten auch Contre-Jour), zeigt sich darin, dass eine beunruhigende, auflösende Kraft selbst in der gewöhnlichsten Zeitlichkeit am Werk ist, der Zeit, die sich im häuslichen „Komfort“ von Zuhause entfaltet. Dies sind Gemälde, die unerbittlich präsent sind; dessen Fließfähigkeit ist die Bewegung des Augenblicks, die ständig durch die Bewegung der Zeit erodiert wird. In diesen ruhigen Räumen ist jeder Augenblick immer durch Endlichkeit verunsichert. Auf diese Weise verwendet Bonnard nicht Farbe, um das Gedächtnis zu malen, sondern, entscheidend und interessanter, die Zeit.

Die Überlegungen haben mich veranlasst, (in einem Moment des Größenwahnsinns) zwei alternative Titel für die Ausstellung vorzuschlagen, die die stelzigen, wolligen (im wahrsten Sinne des Wortes) wahren Konnotationen des von der Galerie gewählten Titels vermeiden: Die Farbe der Zeit (wer liebt keinen dialektischen Titel?) Oder vielleicht nach dem interessanten und für mich recht korrekten Kommentar von S., dass die Bilder viel effektiver sind, wenn sie ungerahmt sind (da mehrere Werke in der Ausstellung sind): Pierre Bonnard: Die Gegenwart loslassen.

Ich werde mit zwei Zitaten schließen, eines aus Contre-Jour und eines aus Van Velde (über Julia), die bessere Punkte machen, als ich kann:

Das letzte Abendmahl, der Rückzug aus Moskau bedeuten uns jetzt nichts, aber in einem einzigen Raum findet genug statt, um uns ein Leben lang zu beschäftigen.
Es gibt nur die Gegenwart. Ein Gemälde ist ein Moment, der der Vergessenheit entgangen ist.

Pierre Bonnard Die Farbe der Erinnerung ist bis zum 6. Mai bei Tate Modern.

[1] Rilke, Rainer Maria, "Brief an Alfred Bramsen, 10. November 1905", Poul Vad, Vilhelm Hammershøi und dänische Kunst um die Jahrhundertwende, trans. Kenneth Tindall (New Haven: 1992), p. 405.

Siehe auch

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