Veröffentlicht am 21-02-2019

Das Geheimnis der Symbole in der Kunst

Dekodierung der dunklen Sprache der Ikonographie

Foto von Juan Di Nella auf Unsplash

Es ist eine traurige Sache, aber kaum überraschend. Die symbolische Sprache der Kunst ist eine Sprache, die wir kaum noch sprechen.

Ein Kunsthistoriker, Erwin Panofsky, verglich die Sprache künstlerischer Symbole mit der Geste zwischen Menschen. Er stellte sich vor, wie er die Straße entlang ging und von einem Bekannten begrüßt wurde, der seinen Hut in Freundlichkeit hob:

"Diese Form des Grußes ist der westlichen Welt eigen und ein Überbleibsel mittelalterlicher Ritterlichkeit: Bewaffnete Männer nahmen ihre Helme ab, um ihre friedlichen Absichten und ihr Vertrauen in die friedlichen Absichten anderer zu verdeutlichen."

Wir heben unsere Hüte nicht mehr an, wahrscheinlich weil wir keine Hüte tragen oder wir wollen uns nicht in den Kopf stecken. Der Punkt ist, dass Zeichen und Symbole Ideen vermitteln, und diese Symbole haben eine wunderbare Geschichte.

In der modernen Welt ist die Bildsprache so um uns herum, dass unsere Vorfahren irrsinnig waren. Eigentlich finde ich Instagram noch etwas seltsam.

In gewissem Sinne, weil wir von einem konstanten Fluss seltsamer und bemerkenswerter Bilder umgeben sind, sind wir viel geschickter beim Lesen ihrer breiteren Feinheiten. Aber bei den feineren Details der symbolischen Bedeutung verlieren wir die Fähigkeit zu sehen.

Für mich ist es einer der großen Freuden, eine Kunstgalerie zu besuchen, die möglichen Bedeutungen der ausgestellten Werke zu erkunden. "Jedes Bild erzählt eine Geschichte" Dennoch ist die Sprache der Kunst für viele Besucher ein Rätsel.

Holzschnitt von einer Ausgabe von 1618 von Cesare Ripas ‘Iconologia’. Freigegeben unter Attribution-NonCommercial-ShareAlike-Lizenz.

Seit Jahrhunderten greifen Künstler auf eine reichhaltige Sammlung von Geschichten zurück, von antiken griechischen und römischen Mythen bis hin zu den Geschichten des Alten und Neuen Testaments. Im Laufe der Jahrhunderte entwickelte sich eine Sprache der Symbole, so dass Künstler diese Geschichten tiefer und komplexer erzählen konnten.

Bücher tauchten auf, um die Embleme von allegorischen Begriffen wie Würde und Laster zu sammeln und zu beschreiben. Einflussreich unter ihnen war Iconologia vom italienischen Gelehrten Cesare Ripa. Das Buch wurde von Künstlern, Dichtern und Rednern verwendet, um den Eigenschaften der Moral und des menschlichen Temperaments visuelle Substanz zu verleihen.

Die Menschen lesen immer noch die Klassiker der griechischen und römischen Literatur. Dank Blockbuster-Filmen leben die Namen der alten Götter und Charaktere wie Jupiter, Achilles und Helena immer noch in unserer Vorstellung. Die Bibel, auf der sich so viel westliche Kunst befindet, wird auch weiterhin gelesen. Für das Verständnis von Kunst ist es jedoch nützlich, nicht nur die Geschichten zu kennen, sondern auch die „Regeln“, die Künstler befolgten (und manchmal auch brachen), um diese Geschichten darzustellen.

Es macht auch eine Reise zu einer Kunstgalerie viel angenehmer.

Legenden und Überlieferung

Als Student der Kunstgeschichte war es eines meiner größten Vergnügen, mit einigen eher esoterischen Quellen für Bildkonventionen in Kontakt zu kommen. Ein solcher Text, der zum Beispiel die christliche Symbolik stark beeinflusste, ist die Golden Legend.

Folioseite aus „Die goldene Legende“ von Jacobus de Voragine (1228–1298). Gedruckt von Anton Koberger, 1488. Freigegeben unter CC BY-SA 3.0

Die goldene Legende, die um 1275 von einem Dominikaner namens Jacobus de Voragine geschrieben wurde, ist eine Zusammenstellung des Lebens der Heiligen und der Legenden der Jungfrau Maria sowie anderer Geschichten, die sich auf den christlichen Kalender beziehen.

Da es sich bei der Goldenen Legende um eine Sammlung traditioneller Folklore über die Heiligen handelt, werden Sie diese Geschichten nicht in der Bibel finden. Die Geschichten vom Martyrium und Heldentum wurden im mittelalterlichen Europa viel gelesen und als solche in das Vokabular der Künstler und die Konventionen ihrer Arbeit aufgenommen.

Um ein Beispiel zu geben: Wenn Sie eine Figur in einem Gemälde mit einem Palmblatt sehen, dann handelt es sich mit großer Wahrscheinlichkeit um einen martyrierten christlichen Heiligen, dessen Geschichte in der goldenen Legende erzählt wird.

St. Lucy, von Francesco Zaganelli (um 1475–1532). Tempera und Gold auf Holz. Metropolitan Museum of Art. Theodore M. Davis Collection, Nachlass von Theodore M. Davis, 1915. Fotografiert im Metropolitan von Richard Stracke, geteilt unter der Lizenz

Hier ist ein Gemälde der hl. Lucia des italienischen Malers Francesco Zaganelli. Das grüne Palmblatt, das sie in der linken Hand hält, sagt uns sofort, dass sie eine Heilige ist, die aufgrund von Verfolgung in den Tod kam.

Die Verbindung von Palmblättern mit der Heiligkeit kommt vom Fest des Palmsonntags, einer Feier im Christentum, die an Jesu Einzug in Jerusalem erinnert, als Palmzweige entlang seines Pfads angeordnet wurden.

Die Symbolik des Palmzweigs reicht tatsächlich bis in die Antike zurück, wo sie ein Symbol für Sieg und Frieden war. So erhielt ein siegreicher Athlet, der im antiken Griechenland konkurrierte, eine Palme als symbolischen Preis. Die Palme hat auch einen Platz in der muslimischen Tradition, wo sie als Symbol des Friedens mit dem himmlischen Paradies in Verbindung gebracht wird.

In der westlichen künstlerischen Tradition können einzelne christliche Heilige wie Lucy und Catherine durch Objekte, die sie neben sich halten oder stehen, weiter unterschieden werden. Diese Elemente werden als "Attribute" bezeichnet.

Schauen wir uns den Fall von St. Lucy etwas genauer an, da sie ein gutes Beispiel dafür liefert, wie bildliche Traditionen tatsächlich beim Sticken von Geschichten helfen und umgekehrt.

St. Lucy lebte in Italien und starb um 304 während einer weit verbreiteten Verfolgung von Christen unter dem römischen Kaiser Diokletian. Sie war eine echte historische Figur, aber ihre Darstellungen in der Kunst tendieren dazu, sich auf Legenden zu konzentrieren.

Wie das Bild oben zeigt, hält Lucy ein Palmblatt, um auf ihr Martyrium hinzuweisen. Manchmal wird sie im Moment ihres Todes gezeigt, der mit einem Messer an der Kehle aufgetreten sein soll.

Saint Lucy von Francesco del Cossa (ca. 1430 - ca. 1477). Quelle Wikimedia Commons

Nicht alle Darstellungen von Lucy sind jedoch so grausam. Da ihr Name aus dem lateinischen Lux stammt, was „Licht“ bedeutet, wird sie manchmal mit einer Kerze oder einer Öllampe gezeigt. Am häufigsten wird sie gezeigt, wie sie ein Paar Augen hält, manchmal zwischen ihren Fingern gehalten und manchmal auf einem Teller in der Hand ruht oder von einem Stiel sprießt. Ursprünglich wurden ihr die Augen einfach als Anspielung auf ihren Namen gegeben und als Konvention entwickelt, seitdem sie mit dem Schutz des Sehvermögens der Menschen verbunden wurde. Später wurden Legenden entwickelt, um den Augen eine zusätzliche Bedeutung zu verleihen: In einer Geschichte soll sie sich von einem Tyrannen die Augen ausgehöhlt haben; in einem anderen riss sie sie aus, um einen Liebhaber zu beschwichtigen, der nicht aufhören wollte, sie zu preisen.

„Der Tod der Jungfrau“ von Andrea Mantegna (ca. 1431–1506). Quelle

Mary’s Flora

Wie bei allen Symbolen in der Kunst sind die Regeln niemals hart und schnell. Ein Palmblatt weist auf einen heiligen Märtyrer hin, aber manchmal wird auch ein Palmblatt als spezifisches Attribut eines einzelnen Heiligen verwendet: In Darstellungen von Johannes dem Evangelisten, dem mutmaßlichen Autor des vierten Evangeliums, wird er manchmal mit einem Palmblatt in der Hand gezeigt. Dies bezieht sich auf die Jungfrau Maria auf ihrem Sterbebett. In diesem Moment soll sie ihm ihre Hand gegeben haben. Auch dies ist eine apokryphe Geschichte - mit anderen Worten, sie erscheint nicht in der Bibel.

Schauen Sie sich dieses Gemälde vom Tod der Jungfrau von Andrea Mantegna an. Bewaffnet mit diesen Informationen können wir die linke Figur im grünen Gewand jetzt als Johannes den Evangelisten identifizieren, da er eindeutig ein Palmblatt in der Hand hält. Mit etwas mehr Detektivarbeit könnten wir wahrscheinlich alle anderen Gestalten identifizieren, die die sterbende Maria umgeben. Eines ist sicher: Sie sind alle göttliche oder geheiligte Menschen, weil die Heiligenscheinhalden über ihren Köpfen schweben.

Ein anderes Element der Flora, das häufig in Verbindung mit der Kunst der Jungfrau Maria zu sehen ist, ist neben einem Palmblatt auch eine Lilienblume, deren Anwesenheit auf ihre Reinheit hinweist.

Ein Thema des Lebens der Jungfrau, in dem fast immer eine Lilie anwesend ist, ist die Verkündigung, wie sie beispielsweise von Leonardo da Vinci gemalt wurde. Die Verkündigung war der Moment, in dem der Engel Gabriel Maria erschien und ankündigte, dass sie einen Sohn empfangen und gebären würde.

„Verkündigung“ von Leonardo da Vinci (1452–1519). Geteilt unter CC BY-SA 4.0

Manchmal ist die Lilie in einer Vase; zu anderen Zeiten wird der Engel gezeigt, wie er in Leonardos Gemälde zu sehen ist. Warum eine Lilie? Nun, da das Ereignis neun Monate vor der Geburt stattfand, waren die Ereignisse der Verkündigung am 25. März berechnet worden. Die Frühlingsstimmung führte zum Motiv der Blume, die später zu einer Lilie verfeinert wurde. Leonardo beschloss, seinem Gemälde ein rundum frühlingshaftes Gefühl zu verleihen, mit einem üppigen Blumenteppich unter Gabriels Füßen.

Die Jungfrau Maria wurde im späten Mittelalter und in der Renaissance tief verehrt. Für die christliche Kirche entwickelte sich die Jungfrau Maria als Purissima oder "reinste" Figur. Aus diesem Grund erscheint sie oft als Gegenstand der Kunst, manchmal durch Episoden ihres Lebens, wie wir gesehen haben, und manchmal als Mutterfigur Christi.

Adamsapfel

In der westlichen Kunst waren Gemälde der Jungfrau und des Kindes äußerst beliebt. Sie sind so zahlreich, dass es unmöglich ist, eine einzige Reihe von Konventionen zu finden, denen sie alle zustimmen. Hier ist nur ein Detail, auf das es sich zu achten lohnt.

„Jungfrau und Kind umgeben von Engeln“ von Quentin Massys Quell-Wiki-Commons.

Die Symbolik eines Apfels wurde manchmal von Malern bei der Darstellung des Jesuskindes aufgegriffen. Zum Beispiel in diesem Gemälde von Quentin Matsys, das das von seiner Mutter gehaltene Christkind zeigt. Wenn Sie nun genau auf die linke Seite des Gemäldes schauen, befindet sich unten in der Spalte ein Apfel.

Warum einen Apfel? Äpfel sind in der Tat eine der häufigsten Früchte der westlichen Kunst und haben je nach Kontext verschiedene Bedeutungen. Äpfel erscheinen auch in Darstellungen griechischer Mythen, aber der wohl bekannteste aller Äpfel ist derjenige, den Eva Adam im Garten Eden angeboten hat.

Laut dem Buch Genesis waren Adam und Eva die ersten Menschen, die von Gott nach seinem Bild geschaffen wurden. Gott stellte sie in den Garten Eden, ein irdisches Paradies, in dem die einzige Regel darin bestand, die Frucht nicht vom Baum der Erkenntnis zu essen. Leider hat eine Schlange Eva versucht, etwas von den „verbotenen Früchten“ zu essen, und als sie auch Adam etwas gab, erkannten sie beide ihre Blöße und bedeckten sich mit einem Feigenblatt. Dieser symbolische Akt war eine Anerkennung ihrer Schande, Gottes Anweisungen nicht zu gehorchen.

„Der Fall des Menschen“ von Peter Paul Rubens (1577–1640). Quell-Wiki-Commons

In Gemälden der Szene wird die verbotene Frucht typischerweise als Apfel dargestellt, manchmal von der Schlange, die an einem Baum herunterhängt, und manchmal in Evas Hand, wenn sie sie an Adam weiterreicht.

Also, was ist mit Christi Apfel? Der Zweck des Darstellens des Christuskindes mit einem Apfel besteht darin, ihn mit der Geschichte von Adam und Eva zu verbinden: Wenn Adam und Eva für den "Sturz" der Menschheit verantwortlich waren, wird Christus als Erlöser vorgeschlagen. Das Symbol eines Apfels ist eine Möglichkeit, die Geschichten zu einer großartigeren Erzählung zu vereinen, die in die Vergangenheit zurückreicht und sich in die Zukunft erstreckt.

Straußeier

Die Kunstgeschichte ist voll von Symbolen, die sowohl alltäglich als auch kryptisch sind. Um diesen flüchtigen Blick auf Symbole in der Kunst zu beenden, dachte ich, ich würde eine der obskureren Andenken der Tradition und eine meiner Favoriten teilen.

„San Zaccaria Altarpiece“ (1505) von Giovanni Bellini (ca. 1430–1516). Quell-Wikiart

Nehmen Sie dieses Gemälde von Giovanni Bellini. Es zeigt Maria und Christus, umgeben von vier Heiligen, die symmetrisch um den Thron angeordnet sind. Der Gesamtstil der Malerei ist als Sacra conversazione bekannt, eine Tradition in der christlichen Malerei, in der mehrere Heilige um die Jungfrau versammelt sind.

Unter den Reichtümern dieses Gemäldes befindet sich ein faszinierendes Detail ganz oben auf dem Bild, das leicht zu übersehen ist: ein Straußenei, das an einem Akkord hängt.

Was hängt ein Straußenei so in der Luft? Nun, wie viel wissen Sie über die Brutverhalten von Straußen?

Es ist jetzt bekannt, dass Strauße ihre Eier in Gemeinschaftsnestern ablegen, die aus wenig mehr als einer in den Boden gekratzten Grube bestehen. Die Eier werden tagsüber von den Weibchen und nachts von den Männchen bebrütet.

Im Mittelalter glaubte man jedoch, dass der Strauß - zu dieser Zeit ein vielbewunderter Vogel - seine Eier im Sand vergrub und die Brutzeit durch die Hitze der Sonne ermöglichte. Aufgrund des jungen Auftauchens ohne elterliche Beteiligung wurde das Straußenei als ideales Symbol für die Jungfräulichkeit Marias angesehen - ein theologisch schwieriges Konzept, für das Parallelen in der Natur gesucht wurden.

Das Straußenei war also ein Symbol der Jungfräulichkeit Marias, weshalb es ganz oben auf diesem Gemälde einen Ehrenplatz hat.

Wenn Sie das nächste Mal auf einer Dinnerparty sind, können Sie herausfinden, ob Sie diese in die Konversation zwingen können.

Christopher P Jones schreibt in seinem Blog.

Wenn Sie mehr über den San Zaccaria Altarpiece von Bellini erfahren möchten, finden Sie hier eine detailliertere Analyse:

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