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Veröffentlicht am 12-09-2019

Der psychologisch aufgeladene Realismus, der in Edward Hoppers Gemälden wiederkehrt

Edward Hopper (Amerikaner, 1882–1967) New York Restaurant, 1922, Öl auf Leinwand Muskegon Kunstmuseum Hackley Picture Fund Kauf 1936.

Um die psychologische Kraft in Gemälden wie dem New Yorker Restaurant von Edward Hopper zu verstehen, die ihn möglicherweise zu Amerikas berühmtestem realistischen Maler des 20. Jahrhunderts gemacht hat, müssen wir uns zunächst das Leben und die allgemeinen Philosophien des Künstlers ansehen. Er beschrieb 1933: „Mein Ziel in der Malerei war immer die genaueste Übertragung meiner intimsten Eindrücke von Natur“ (Levin, 1980: 20). Er benutzt hier das Wort "Natur", das sich einfach auf die tatsächliche Natur beziehen könnte. Viele seiner Naturbilder wurden in der Luft oder im Freien gemalt. Diese Technik und sein Ziel, seine Eindrücke von der Natur darzustellen, erinnern stark an die französischen Impressionisten, und wir können fast annehmen, dass diese Einflüsse tatsächlich von seiner Anwesenheit in Paris zur selben Zeit herrührten, als viele impressionistische Maler tätig waren (Levin, 1980). .

Bekannter ist er jedoch für seine Darstellungen des städtischen Lebens; Diese Darstellungen werden oft als Reaktion auf die "sich schnell verändernde amerikanische Stadt des frühen 20. Jahrhunderts" gesehen (Slater, 2002), und im Verlauf seiner Arbeit können wir sehen, dass er auch intime Eindrücke einer anderen Art von "Natur" malte: die menschliche Art. Hopper war immer kritisch gegenüber dem Malen von amerikanischen Szenen gewesen, seit er dachte, dass diese Maler Amerika "karikierten" (Levin, 1980: 10), aber mit dem zunehmenden Nationalismus in Amerika und seiner Szene der bildenden Künste gab es mehr potenziellen finanziellen Erfolg bei der Darstellung dieser Amerikaner Szenen. Als der kulturelle Nationalismus wuchs, wuchs im Gegensatz dazu Hoppers höchst persönlicher und introspektiver Charakter (Levin, 1980: 7). Diese Entwicklung war perfekt in seinen oberflächlichen, gewöhnlichen amerikanischen Szenen dargestellt, die oft zugrunde liegende philosophische Fragen darstellten; Im Zusammenhang mit dem New York Restaurant sagte er: „In einem bestimmten und konkreten Sinne bestand die Idee darin, den überfüllten Glamour eines New Yorker Restaurants sichtbar zu machen also “(Levin, 1980: 51). Obwohl das New Yorker Restaurant an der Oberfläche einfach nationalistisch wirkte, gibt es eine tiefgreifendere Botschaft. er war fasziniert von dem motiv der paare und problematischen situationen aus der erfahrung der liebe, die seiner meinung nach beispielhaft für erfahrungen im alltag waren (schmid, 2001).

Es wurde daher bekannt, dass er Themen sorgfältig anhand ihrer Darstellung seiner inneren Erfahrungen auswählte (Koob, 2004), und obwohl er „von starken architektonischen Perspektiven angezogen wurde, die er normalerweise von menschlichen Figuren leerte… und Situationen, die Gefühle der Einsamkeit und Einsamkeit hervorriefen “(Levin, 1999: 5) irgendwie hatte Hopper die Macht, die gleiche Einsamkeit zu evozieren, wenn er Szenen mit mehreren anwesenden Charakteren darstellt. Das New Yorker Restaurant besteht aus mehreren aktiven Personen, darunter eine Kellnerin, ein Paar, das eintritt oder aussteigt, und das Paar im Zentrum, das sich vermutlich ein Mittagessen teilt. Trotz all der geschäftigen Menschen herrscht Einsamkeit. Der Betrachter ist nicht nur für sich allein, wie wir aufgrund der Leere des Stuhls vor dem Gemälde vermuten können, sondern die Gesichter der abgebildeten Figuren scheinen emotionslos; Die abgebildeten Gesichter haben dunkle Augen und einen emotionslosen Ausdruck.

Die psychologische Kraft von Hoppers Kunstwerken ist in den meisten seiner Kunstwerke enthalten. „Seine einsamen und unruhigen Gestalten in alltäglichen Situationen und in gewöhnlichen Situationen deuten auf eine„ spirituelle Krise im Rahmen realistischer Charaktere, realer Orte “in der für die Moderne typischen Weise hin“ (Levin, 2007: 13), und seine oberflächlichen Darstellungen haben eine tiefere Bedeutung des Alltags, zum Beispiel romantische Beziehungen zwischen Menschen in der Gesellschaft. Der wichtigste Aspekt eines Hopper-Gemäldes liegt daher nicht beim Künstler, sondern in der Interaktion zwischen Publikum und Bild und den so erzeugten Emotionen; Es geht eher um die Bedeutung, die durch die Interpretation des Publikums entsteht, als um die vom Künstler gesendete Botschaft. Diese Darstellung von realen Menschen, die sich psychologischen Prozessen unterziehen, ist eine Schlüsselkomponente, die zu Hoppers Ruf als "Inbegriff eines amerikanischen" realistischen Malers "beiträgt (Slater, 2002).

Quellen:

Levin, G. (1980). Edward Hopper: Die Kunst und der Künstler. New York: W. W. Norton & Company.

Levin, G. (1999). Hopper's Plätze. Kalifornien: University of California Press.

Levin, G. (2007). Edward Hopper: Eine intime Biografie. New York: Rizzoli.

Koob, P. (2004). Zustände des Seins. American Art, 18 (3), 52–77. http://dx.doi.org/10.1086/427532

Schmid, W. (2001). Filosofie van de Levenskunst. Amsterdam: Ambo.

Slater, T. (2002). Angst vor der Stadt 1882–1967: Edward Hopper und der Diskurs des Anti-Urbanismus. Sozial- und Kulturgeographie, 3 (2), 135–154. http://dx.doi.org/10.1080/14649360220133916

Siehe auch

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