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Veröffentlicht am 24-02-2019

Die Reinkarnation der Alten: Analyse und Überlegungen zu den Bacchae der SITI

Von Staff Schriftstellerin Mina Yu ’22

Als ich das Harvey Theatre der Brooklyn Academy of Music (BAM) betrat, fiel mir ein, dass ich gedacht hatte, dass es keinen besseren Ort für Euripides in ganz New York City geben konnte. Das preisgekrönte architektonische Design des Gebäudes umfasste Bögen, die die Bühne flankierten, und große Ionensäulen, die in Abständen zwischen den Sitzen Wache hielten. Sein Eindruck, der durch das Abblättern der grünen Farbe und die Korrosion der Steinmauern vervollständigt wurde, war, dass Sie im antiken Griechenland im Theater des Dionysos saßen.

Das BAM Harvey Theater | Quelle: BAM

Es gab natürlich Elemente, die diesem Effekt zuwider waren. Zum einen die glühenden Ausgangsschilder und die etwa hundert Smartphones, die die Zuschauer benutzten, um durch ihren Twitter-Feed zu blättern oder Bilder zu machen, während sie auf den Beginn der Vorstellung warteten. Dieser merkwürdige, aber etwas vertraute Gegensatz war beabsichtigt: Laut der BAM-Website soll das Theater "eine viszerale Brücke zwischen Vergangenheit und Zukunft schaffen". In dieser Nacht erhielt diese Idee zusätzliche Kraft als Allegorie für das Wie Wir nähern uns dem antiken griechischen Drama im modernen Theaterbau und insbesondere der Frage, wie das renommierte Saratoga International Theatre Institute (SITI Company) die schwierige Aufgabe, The Bacchae zu machen, das 405 v Publikum.

In gewisser Hinsicht ist The Bacchae das perfekte Spiel für ein solches Unterfangen. Die Geschichte ist wie folgt: Dionysos, der Gott der Erheiterung, des Wahnsinns und des Weins, der auch als Bacchus bezeichnet wird, kommt nach Thebes und bringt, wütend darüber, dass der Stadtstaat seine Göttlichkeit bestreitet, alle Frauen der Stadt dazu eine Bacchic-Trance und schickt sie in die Berge, wo sie singen, tanzen und Schlangen und wilde Tiere säugen. Obwohl viele bereit sind, Dionysos nach dieser Machtdemonstration als Gott anzunehmen, ist dies der junge, arrogante König von Theben, Pentheus, nicht. Nachdem klar geworden ist, dass Pentheus die verehrenden Frauen mit seiner Armee verwüsten will, versetzt Dionysos auch den Pentheus in den Wahnsinn und schickt ihn auf den Berg, wo er durch seine eigene Mutter und seine Tanten einen grausamen Tod erleidet.

Obwohl die körperliche Handlung des Spiels sicherlich zeitabhängig ist, brodelt die Geschichte von Konflikten zwischen Geschlecht, Macht und Glauben, die in unserer Gesellschaft immer noch sehr stark und präsent sind. Im Text von The Bacchae ist Pentheus der Inbegriff toxischer Männlichkeit; Er ist unbehaglich und empört über die Bacchic-Feiernden (bekannt als die Maenaden), hauptsächlich weil sie die traditionellen Machtstrukturen seiner Gesellschaft stören. Wie er sagt: "... das ist jenseits von Allem, wenn wir uns Frauen so herausfordern lassen müssen" und "Muss ich meinen eigenen Sklavinnen ein Sklave sein?" Dionysus und seine Anhänger stimmen dagegen nicht überein Erwartungen an ihr Geschlecht durch Verhalten, und der Gott selbst wird häufig als fast weibliche oder androgyne Schönheit beschrieben. Darüber hinaus zeichnet das Stück Pentheus 'hartnäckigen Willen auf, einem neuen, unbekannten Gott nachzugeben, und Dionysos' göttlicher und unverhältnismäßiger Vergeltung, die sowohl die Natur der göttlichen und der sterblichen Macht in Frage stellt als auch, was Sterbliche von Göttern unterscheidet.

Eric Barryman als Pentheus | Quelle: BAM

In der von Anne Bogart inszenierten SITI-Produktion The Bacchae werden diese zeitlosen Themen erfolgreich aus ihrem ungewohnten mythischen und historischen Kontext herausgelöst und an die vorderste Front des Publikums gebracht. Jeder Bestandteil dieser Produktion - von der verwendeten Übersetzung über die Casting- und Kostümauswahl bis hin zur Verwendung bestimmter Requisiten in wichtigen Szenen - trug sowohl dazu bei, die Absichten von Euripides für das moderne Publikum zu klären, als auch, um die manchmal ambivalenten Themen des Stücks klarer zu fassen und einschneidende Botschaften.

Bei antiken griechischen Theaterstücken, wie auch bei vielen anderen älteren Texten in Fremdsprachen, hängt das Verständnis des Publikums und die Wertschätzung für die endgültige Aufführung oft von der Übersetzung ab. Die SITI-Produktion wurde mit einem besonders durchdachten Übersetzer gesegnet, der sich der Herausforderung stellte, für ein Live-Theaterpublikum zu übersetzen. Der Dichter und Literaturübersetzer Dr. Aaron Poochigian, dessen Übersetzung von Aeschylus "Persians" für die 2012 von SITI Company produzierte Produktion im Getty verwendet wurde, sagte in einem Interview mit der Nassau Literary Review:

Während Bücher für Übersetzungen Fußnoten enthalten können, musste meine Übersetzung sofort verständlich sein. Jedes Wort musste ohne Unterstützung von außen landen. Ein gutes Beispiel für das, was ich getan habe, war die Übersetzung des Kulttitels von Dionysos, „Bromius“, als „The Roarer“ oder „Roaring God“ jedes Mal, wenn er erscheint, sodass das Theaterpublikum keine Fußnote benötigt.

Als literarischer Übersetzer war seine persönliche Philosophie auch durchaus mit dem Ziel der Produktion vereinbar, die Geschichten und Ideen von Euripides in ein modernes Verständnis zu bringen:

Ich betrachte den literarischen Übersetzer als ein spirituelles Medium, das von dem Autor, den er übersetzt, "besessen" wird. Euripides zum Beispiel übernahm meinen Körper, meine Erinnerungen, meine verschiedenen Fähigkeiten. Er wollte, dass sein Werk im 21. Jahrhundert in Amerika genauso mächtig ist wie im 5. Jahrhundert v. Chr. In Athen. Deshalb musste ich alles, was ich in mir hatte, nutzen.

Trotz seiner abschließenden Aussage äußerte Poochigian jedoch den Wunsch, seine eigenen Darstellungen einiger der faszinierenden Figuren und Orte des Stücks, insbesondere Dionysos, zu konstruieren: „Ich wollte eine Chance, Dineysus / The Fremder - seine gefährliche Sexiness faszinierte mich. Kann ich es auf Englisch festhalten? "

Wie sich herausstellte, wurde er maßgeblich von SITI-Veteran Ellen Lauren unterstützt, die für die Produktion von 2018 einen schrecklichen, aber furchterregenden Dionysos spielte. Obwohl Dionysos traditionell eine männliche Rolle im Theater ist, wurde Lauren von dem Moment, als Lauren auf der Bühne stand, bis zu Screamin 'Jay Hawkins' Song "I Put a Spell on You" mit löwenwilden Haaren und roten Lederhosen, dem Publikum jedoch klar dass es beim Casting keinen Fehler gegeben habe. In der Tat ist es merkwürdig, dass nicht mehr Frauen als Weingott gegossen wurden. In der griechischen Mythologie wird Dionysos oft als männliche und weibliche Gottheit dargestellt, und im Text von The Bacchae wird er häufig als „jugendliche, fast weibliche Schönheit“ beschrieben. Das heißt, er ist das Bild einer gefährlichen und explizit androgynen Faszination - die Lauren definitiv besitzt. Laurens Dionysos huscht manchmal wie ein uralter Puck über die Bühne, trinkt Wein und bricht häufig die vierte Wand, um mit dem Publikum zu interagieren (einmal reichte er einem Publikum ein Glas Wein mit den Worten: "Dies ist direkt von Joe Melillos Händen") ) und liefert zu anderen Zeiten Zeilen mit einer schrecklichen Grausamkeit, die das Publikum sofort daran erinnert, dass dieser äußerst charmante, lustige Gott auch derselbe ist, der die Menschen in den Wahnsinn getrieben und Paläste in seiner Wut gestürzt hat. Auf diese Weise fängt Lauren gekonnt die faszinierende duale Natur der Gottheit ein, die die doppelte Natur des Weins widerspiegeln soll, die die Menschen mit Begeisterung und Wahnsinn erfüllt.

Ellen Laurens Dionysos flankierte von seinen Anbetern | Quelle: BAM

Die Handlung von The Bacchae stellt Lauren 'wilden, geschlechtsunfähigen Dionysos in einen direkten Kontrast und steht im Konflikt mit dem monolithisch störrischen und wütenden Pentheus, der von Eric Berryman zwingend zum Leben erweckt wird. Berryman ist in einem beigen Anzug gekleidet und stapft mit einem ewigen finsteren Blick über die Bühne. Er ist der Inbegriff für ungesunde Männlichkeit und könnte sich kaum von dem geschickten und schelmischen Dionysos unterscheiden, der ihn mit seinem neckischen Wortspiel und seinen tanzenden Füßen wütet. Zusammen mit den Kostümwahlen für die Maenaden (die unabhängig vom Geschlecht in einem dunkelgrauen Blazer und Rock gekleidet erscheinen) und für Pentheus während seiner Bacchic-Raserei (deren blonde Perücke und Blumensommer Barrymans unglaubliche und erschreckende Darstellung des Wahnsinns ergänzen), setzt Euripides Darstellung von geschlechtsspezifischen Konflikten in The Bacchae explizit und hyperbolisch.

Barryman als Pentheus in seinem Wahnsinn Quelle: BAM

Eine andere wichtige Kostümauswahl in der Produktion dient einem etwas anderen Zweck, obwohl sie immer noch dem übergeordneten Ziel dient, die Geschichte von The Bacchae einem modernen Publikum zugänglich zu machen. Als der blinde Seher Teiresias (Barney O´Hanlon) und Pentheus 'Großvater Cadmus (Stephen Duff Webber), der Gründer von Thebes, die Bühne betreten, nimmt die ursprünglich recht seriöse Szene einen gewissen Humor an. Die beiden alten Männer kommen in Grasröcken, hawaiianischen Hemden und Blumenkronen heraus, während im Hintergrund etwas an SpongeBob erinnernde Musik erinnert. Auch wenn sie vielleicht nicht perfekt an den Ausgangstext passt, bietet diese Szene einer ansonsten recht ernsten und am Ende durchaus abscheulichen Show etwas dringend benötigte Leichtigkeit. Darüber hinaus ist es nicht schwer vorstellbar, dass es auch den alten Griechen humorvoll vorgekommen ist, wenn die alten Schauspieler im Gewand der Maenaden auftauchen. Es ist möglich, dass Bogart mit dieser Entscheidung versucht hat, die Erfahrung des Anhörens von The Bacchae für sein modernes Publikum so genau wie möglich wiederzugeben und sogar alte Tropen zu ersetzen, die mit der Zeit einen Teil ihrer spezifischen Konnotation verloren haben, durch solche, die dasselbe Viszeral produzieren Reaktionen für uns jetzt.

Das größte Beispiel eines solchen Tropes ist zweifellos der griechische Chor. Der griechische Chor war ein wesentlicher Bestandteil des griechischen Theaters, um die Handlung des Stücks zu kommentieren oder die inneren Gedanken einer zurückhaltenden Figur zu enthüllen, aber wie Masken sind sie auf der modernen Bühne nicht mehr üblich. In The Bacchae repräsentiert der Chor eine Gruppe von Maenaden, die Dionysos aus Asien und anderen Teilen Europas und Griechenlands mitgebracht hat, und stellt eine moderne künstlerische Herausforderung für den modernen Regisseur dar, mit seinen langen, plottunterbrechenden Tangenten, die die Anbetung von Dionysus beschreiben. Der SITI-Produktion gelang es, die Möglichkeit der Langeweile oder Frustration des Publikums zu umgehen, indem verschiedene Taktiken verwendet wurden, um den Genuss dieser Oden zu erhöhen. Zum einen, anstatt den gesamten Körper des Chores zusammen sprechen zu lassen, wie es für den größten Teil des Spiels vorgeschrieben ist, werden die meisten Zeilen von einzelnen Chorusmitgliedern gesprochen, wodurch die Augen des Publikums auf der Bühne bewegt werden, um sie zu engagieren . Darüber hinaus werden die Passagen, die die Freude der Maenaden beschreiben, ihrem Gott zu dienen, in angemessener Weise von rauschender Musik, Flaschen und Schatullen Wein begleitet, und einmal würde jedes Mitglied eines Chors die Leitung übernehmen. Weitere feierliche Passagen würden durch gemusterte Bewegungen veranschaulicht und die Maenaden würden mit ihren Stäben in verschiedenen Abständen auf den Boden aufschlagen. All dies bot nicht nur eine unterhaltsame Abkehr von der Intensität der Handlung des Spiels, sondern half auch dem Publikum, sich auf das zu konzentrieren, was Euripides versuchte, durch diese dazwischenliegenden Passagen zu kommunizieren.

Der griechische Chor | Quelle: BAM

Alle diese Elemente bilden die letzte Szene von The Bacchae, die wohl die affektivsten und beunruhigendsten Momente der Inszenierung darstellt, in denen Pentheus 'Tod beschrieben wird und Agave (Akiko Aizawa), seine Mutter, mit dem Kopf ihres Sohnes aus den Bergen zurückkehrt als blutige Trophäe, in dem Glauben, dass sie gerade einen Berglöwen besiegt hat. Im griechischen Drama geschieht die Gewalt normalerweise außerhalb der Bühne und wird von einem Boten an das Publikum vermittelt. Während die Produktion sich an das Drehbuch hält, ist die tatsächliche Wirkung dessen, was während dieser Szene auf der Bühne geschieht, wahrscheinlich schrecklicher als wenn dies bei Pentheus der Fall wäre starb im Mittelpunkt: Die Bühne, die während der gesamten Aufführung größtenteils nackt geblieben ist, wird langsam mit blutroten Vorhängen gefüllt, die langsam absteigen und über den Boden fallen. Als der Bote die Maenaden schimpft, weil er Pentheus 'schrecklichen Tod gefeiert hat, tritt Cadmus ein, nachdem er die Leichen seines Enkels gesammelt und in einem blutigen Leinensack getragen hat. Schließlich tritt Agave selbst ein und kichert, als sie Pentheus 'Kopf in Schichten von Zellophan packt. Sein Gesichtsausdruck ist kaum sichtbar, aber in seinen letzten Augenblicken des Schmerzes deutlich erfroren.

Hier hat Bogart eine ihrer faszinierendsten Entscheidungen in Bezug auf die Produktion getroffen: Aizawa liefert einige der aufregendsten und wirkungsvollsten Linien des Stücks - in denen Agave langsam erkennt, dass es Pentheus ist, der gestorben ist und sie sie getötet hat - in ihrer japanischen Muttersprache. Bogart erläutert ihre Gründe für diese Entscheidung in den Programmanmerkungen:

Für Akiko Aizawa erlaubt sie die Verwendung ihrer Muttersprache, Agaves Kerngefühle aus Trauer und Verständnis so tief wie möglich zu fühlen und auszudrücken. In unserer Überzeugung, dass das Theater in seiner besten Form die Sprache übersteigt, hoffen wir, dass die Beredsamkeit ihrer emotionalen Intensität unserem Publikum klar verständlich wird.

In der Tat überschreitet Aizawas unglaublich starke Leistung von Wahnsinn und Trauer die Sprache, während sie über den Kopf ihres ermordeten Sohnes schreit und schluchzt, aber die Verwendung von Japanisch in dieser Szene hat einen zusätzlichen, vielleicht unbeabsichtigten Einfluss auf die Erfahrungen von Agave durch das Publikum. Während sie immer noch unter dem Einfluss von Dionysos steht und klar glaubt, dass das, was sie hält, der Kopf eines Löwen ist, schien es mir, als nicht-japanischsprachiges Publikum, dass sie in ihrem von Gott inspirierten Wahnsinn unverständlich war. In den Momenten ihres großen Kummers brachte mich die Sprachbarriere zu dem Gefühl, dass Agaves totales Elend, Schuld und Verlust etwas so Schreckliches waren, dass niemand es verstehen konnte. Es ist eine Schande, dass die Wörter verloren sein mussten, damit dieser Effekt eintrat (vielleicht hätte eine vollständige Übersetzung in den Programmanmerkungen enthalten sein können), aber Aizawas heulende und weinende Darstellung von Agave traf auf eine größere und tiefere Trauer als Worte zu Verfügung stellen.

Akiko Aizawa als Agave, der den Tod von Pentheus | Quelle: BAM

Inmitten dieser Zerstörung kommt Dionysos herein, gekleidet als Hausmeister und auf einem großen Mülleimer. Als er die roten Vorhänge flink abwischt und Pentheus 'Körperteile in den Müll wirft, weist er Cadmus' und Agaves Bitte um Gnade ab und sagt ihr Schicksal voraus: Agave wird wegen ihres Verbrechens verbannt und Cadmus wird zu einer Schlange zusammen mit seiner Frau - es ist das Ende ihrer verfluchten Familienlinie. Es ist klar, dass Dionysos glaubt, dass diese ganze Sache zu seiner Zufriedenheit abgeschlossen ist; Er hat seine Rache vollzogen und geht weiter, unberührt von den Ereignissen des Abends, während er alle Spuren der Gewalt von seiner neuen Domäne wegwischt. Dem Publikum als Menschen ist jedoch klar, dass für Cadmus und seine Töchter der Schmerz und das Schicksal, das dann mehr als je zuvor eine eindeutig unverhältnismäßige Bestrafung für ihre Verbrechen darstellt, das Elend, das von ihrem Leben übrig bleibt, verweilen wird . Dionysos 'scheinbare Gleichgültigkeit ist beängstigend. Die oberflächliche Moral der Bacchae besagt zwar, dass die Götter nicht respektiert werden dürfen, aber Euripides versuchte auch zu vermitteln, dass die Götter uns von Natur aus fremde Wesen sind, die, weil sie selbst keine dauerhaften Folgen haben, große Ungerechtigkeiten für die Menschheit ausrichten können von ihrer eigenen Selbstsucht. Die Dualität des Weins und des Dionysos ist für den Dramatiker auch der Grund, warum die Götter verehrt werden müssen: nicht nur für die wilde Freude und Freiheit der Bacchic-Rituale, sondern auch aus Angst vor der äußersten Verwüstung, die der Gott kann aus Wut oder trotz ausbrechen. Bogarts Inszenierung und kostümierende Entscheidungen während dieser Szene verstärkten und verdeutlichten diese komplexe Botschaft für ihr modernes Publikum, sodass sie sowohl sofort verdaut werden konnte als auch ihr Publikum darüber nachdenken konnte, wie sich diese Bacchic-Dualitäten in ihrer Welt präsentieren und wie sie sich persönlich und als Person präsentieren reagieren auf die folgende existentielle Unsicherheit.

Dionysos schwärmt von seinem Sieg, als Cadmus und Agave leiden Quelle: BAM

Die Bacchae gilt als eines der größten Werke von Euripides, nicht nur weil es eine gut konstruierte Tragödie ist, sondern weil es Themen enthält, die in unserer Zeit eine zusätzliche Bedeutung haben. Durch seine einzigartigen Entscheidungen im Theaterprozess gelingt es der SITI Company, The Bacchae zu produzieren, nicht nur, um sie den Zuschauern zugänglich zu machen, sondern auch, um die ursprünglich unerforschten Vorstellungen des Stücks über Geschlechter- und Machtdynamik zu verfeinern und zu verstärken stärker und relevant in unserer Gesellschaft. Obwohl Bogarts Reinkarnation dieses wegweisenden Werks sicherlich nicht die maskierte und bekleidete Performance ist, die wir normalerweise mit einer Produktion von High Fidelity in Verbindung bringen würden, glaube ich, dass sie dies durch ihre effektive Umsetzung der archaischen Elemente des Stücks auf moderne getan hat etwas geschaffen, das es ihrem Publikum ermöglicht, die Bacchae auf eine Art und Weise zu erleben, die am ehesten dem Publikum von Euripides auf emotionaler und intellektueller Ebene entspricht. Ein Teil dieser Erfahrung zu sein, war eine Freude und ein Privileg.

Das vollständige Interview der Nassau Literary Review mit Dr. Poochigian können Sie hier lesen.

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