Tokio Workshop mit Antoine D'Agata

Vor einigen Wochen nahm ich an einem Workshop über Dokumentarfotografie unter der Leitung des französischen Künstlers Antoine D'Agata teil. Der Workshop fand an sechs sehr intensiven Tagen und Nächten in Tokio statt und gipfelte in einer Ausstellung im Tokyo Institute of Photography, in der wir Studenten eingeladen wurden, die Arbeit der Woche sowie eine längere Diashow und Fragen und Antworten vorzuführen von Antoine selbst. Antoines Arbeit ließ natürlich die Arbeit, die wir in fünf Tagen geleistet haben, so aussehen, als würden Ihre Eltern nach Ihrem Kunstunterricht im Kindergarten auf dem Kühlschrank stehen, aber es war trotzdem eine Ehre, Teil der Erfahrung mit ihm und mir zu sein Ich glaube, es wird nicht nur meine Herangehensweise an das Schaffen von Kunst nachhaltig beeinflussen, sondern auch mein Leben im Allgemeinen. Mein Ziel in diesem Beitrag ist es, ein wenig zu beschreiben, wie die Erfahrung war, zu teilen, was meiner Meinung nach die zentrale (und kraftvolle) Lektion des Workshops war, zusammen mit einigen der wichtigsten Lektionen für mich.

Paar zu Fuß, Ginza, Tokio

Das Format des Workshops kann am besten als „intensives Arbeiten“ beschrieben werden, das mit einer Reihe von „Diskussionen“ verschachtelt ist, die von Antoine geleitet werden, aber für alle Teilnehmer des Workshops offen sind. Die Grundmechanik war wie folgt:

  • Zwölf internationale Teilnehmer (von Brasilien über Rom bis nach New York City), von denen zwei Ausländer mit Wohnsitz in Tokio waren. Die meisten Teilnehmer hatten eine gewisse formale Ausbildung oder Erfahrung in der Fotografie oder einem eng verwandten Bereich (z. B. Fotojournalismus, Kinematographie, kommerzielle Modefotografie). Ich war wahrscheinlich der schlechteste „Fotograf“ der Gruppe, aber Antoine hatte eine gute Möglichkeit, dies neu zu definieren, und es gelang mir, die Idee zu vermitteln, dass wir Fotografie nicht als „gut“ oder „schlecht“ oder als eine Art betrachten sollten der Konkurrenz, wo X Fotos besser sind als Ys. Er schien es abzulehnen, Fotos nach ihren Verdiensten als Fotos zu beurteilen, und konzentrierte sich stattdessen viel mehr auf das, was sie vermittelten und die Qualität der Ideen, die dahinter standen. Es ist schwierig, nicht so zu denken, aber ein ständiger Vergleich mit dem Standard einer anderen Person beeinträchtigt den Prozess der Suche nach Fotos, die für Sie von Bedeutung sind und die erfassen und vermitteln, was Sie als Künstler beabsichtigen.
  • Die Aufnahmen fanden nachts und die ganze Nacht statt, und tatsächlich bestand die einzige Einschränkung darin, mindestens 8 Stunden pro Tag (vorzugsweise mehr) zu fotografieren und nicht weniger als 500 Bilder pro Tag (vorzugsweise mehr) aufzunehmen. Dies war das kritischste Element des Workshops, und fast alles, was ich gelernt habe (und „richtig“ oder „falsch“ gemacht habe), ergab sich aus dieser einfachen Anforderung. Das Aufnehmen und Bearbeiten innerhalb einer bestimmten Frist erwies sich als äußerst wertvolles Lernwerkzeug. In Fällen, in denen wir, wenn wir alleine wären, möglicherweise aufgegeben hätten, zwang uns diese kleine Struktur dazu, uns durchzusetzen. Antoine sagte am besten: "Der einzige Weg, um fotografische Probleme zu lösen, ist das Fotografieren." Abgesehen von jeder anderen Lektion (und es gab viele) erwies sich dies als eine wichtige.
  • Nach der Nacht der Dreharbeiten haben wir ein wenig geschlafen, eine Reihe von Bildern ausgewählt und bearbeitet, um sie am nächsten Tag zu Magnum zurückzubringen, ein wenig Frühstück (und viel Kaffee) zu sich zu nehmen und dann den Vorgang zu wiederholen vom Vortag. Wir machten dies fünf Tage lang und arbeiteten uns auf die Abschlusspräsentation vor, die aus 20 thematisch verwandten Bildern von jedem von uns bestand, die, wie ich bereits erwähnte, in der letzten Nacht des Workshops der Öffentlichkeit präsentiert wurden. Die Arbeit, die meine Klassenkameraden schließlich abgaben, war enorm und für die meisten (alle?) Eine spürbare Entwicklung und Abkehr von der Arbeit, die sie zuvor entwickelt hatten. Ich weiß, dass sich meine Fotos immens verbessert haben, bis ich mich für die Fotos, die ich als Teil meines Portfolios eingereicht habe, irgendwie schäme.

Mit einem Wort, die oben skizzierte Struktur hat die Bedingungen für eine Erfahrung geschaffen, die ich nur als „intensiv“ beschreiben kann. Ich habe an fünf Arbeitstagen insgesamt 10 bis 15 Stunden geschlafen. Ich aß im Morgengrauen billigen Onigiri aus einem Supermarkt mit meinem Kaffee und aß mitten in der Nacht Nudeln unter klieg Lichtern. Ich trank zu viel, verdoppelte mich dann und kaufte eine Flasche Champagner zu exorbitanten Preisen. Ich fuhr Taxis, ich fuhr Züge, ich fuhr U-Bahnen und ich ging. Ich erfuhr von japanischen Katerheilungen und wurde von meinem Hotelmädchen als vermisst gemeldet. Ich habe um 3 Uhr morgens in 7-Eleven Drucke gemacht. In einer Bar mit sieben Sitzplätzen in Shibuya tauschte ich Drucke gegen Whisky. Als ich eines Tages ein Meeting einrichtete, sagte ich, ich bevorzuge „Mitternacht“ und mein Kollege schlug keine Wimpern. Ich habe in Tokio Dinge gesehen (und fotografiert), die ich meiner Mutter nicht bequem beschreiben kann. Ich ließ mein Handy von einem Handkünstler aus der Tasche ziehen (und zu mir zurückkehren). Mein Kollege bekam in seiner ersten Nacht „einen Mickey ausgerutscht“ und nutzte ihn als Grundlage für den Rest seiner Arbeit in dieser Woche. Ein anderer Kollege kam eines Nachts mit einem Taxi nach Hause, nachdem er eine Gesamtstrecke von etwa 50 Metern zurückgelegt hatte. Durch all das habe ich fotografiert. Wir haben uns gegenseitig Energie und Inspiration geschenkt und sind jeden Tag aufgetaucht, um zu sichten und zu diskutieren, was wir getan haben.

Selbstporträt, Tag 3

Das bringt uns zur zentralen Lektion des Workshops.

Sei nicht der Fotograf

Nehmen Sie teil, nehmen Sie an der Aktion teil, die Sie dokumentieren, nehmen Sie eine Position unter dem ein, was Sie fotografieren, und verwenden Sie diese Position, um etwas über den Sinn der Erfahrung im Kontext Ihres Lebens zu kommunizieren.

Dies war die zentrale Idee des Workshops, und es war ein Rat, den Antoine jedem von uns in irgendeiner Form immer wieder wiederholte, unabhängig von seinem „Niveau“ als Fotograf. Diese Idee war schwer zu fassen, und tatsächlich hatte ich am ersten Tag den Eindruck, dass viele von uns ein wenig desorientiert von der Diskussion waren, die zuweilen zu einer ziemlich sengenden Kritik an der (vorherigen) Arbeit führte, die wir eingebracht hatten anwesend, um sich vorzustellen.

Der Workshop selbst war so strukturiert, dass dieser wichtige Punkt vielleicht absichtlich betont wurde, aber wahrscheinlicher aufgrund der Tatsache, dass dies meiner Meinung nach für Antoines Herangehensweise an Kunst (und Leben) im Allgemeinen von zentraler Bedeutung ist. Insofern der Workshop uns diesen Künstler und seinen Prozess näher bringen sollte, im Gegensatz zu (z. B.) Hinweisen auf die Fototechnik (von denen es keine gab), konnten wir nicht anders, als dieser Denkweise ausgesetzt zu sein. Ich fand, dass es eine Herangehensweise an ein Problem „freigeschaltet“ hat, das ich immer mit „Straßenfotografie“ hatte - diese Idee, dass ich immer Dinge von außen verfolgte, um Ecken schlich, selbstbewusst war und versuchte, „einzufangen“ oder „zu stehlen“ " ein Moment. Ich fühlte mich (irgendwann) viel wohler, so von innen heraus.

Wie ich bereits erwähnt habe, gab es auf jeden Fall zwei Hauptmodi des Workshops: Schießen / selbstgesteuerter Prozess und Diskussion. Beide dienten einem wertvollen Zweck, um uns der hier beschriebenen zentralen Lektion auszusetzen, und die Kombination der experimentellen (Arbeits-) und theoretischen (Diskussions-) Aspekte dieser Exposition war ziemlich wirkungsvoll.

Aus dieser Kombination von Dreharbeiten und Diskussionen glaube ich, dass ich die folgenden Lektionen (in keiner bestimmten Reihenfolge) aufgenommen habe:

  • Es ist nicht möglich, 8 Stunden nutzbares Material zu erhalten, indem Sie darauf warten, dass etwas zu Ihnen kommt, oder indem Sie herumlaufen und hoffen, bedeutungsvolle (ähm, entscheidende?) Momente festzuhalten. Um 8 Stunden Material zu erhalten, müssen Sie es suchen, hartnäckig sein (und Probleme lösen), wenn es nicht passiert, und genug Energie beschwören, um die Nacht durchzuhalten. Ich glaube, ich habe fünf Tage lang das beste Rohmaterial, das ich je gedreht habe. Wenn ich das zwei Jahre lang mache, kann ich nicht anders, als zu glauben, dass da * etwas * sein würde. Es ist immer noch Sache des Künstlers, es zu extrahieren und kraftvoll zu kommunizieren, aber es ist offensichtlich, dass der Prozess selbst eine sehr reiche Materialader freischaltet, aus der er schöpfen kann.
  • Der Prozess, eine „zentrale Idee“ zu haben oder eine Vorstellung davon, was Sie erleben, erfassen und vermitteln möchten, erleichtert sowohl das Aufnehmen als auch das Auswählen und Bearbeiten eines großen Bildvolumens erheblich. Es ist sehr leicht, sich in ein Bild zu verlieben (Antoine seinerseits war sehr geduldig damit, obwohl die Bilder, in die ich nur „verliebt“ war, meinen endgültigen Schnitt nicht geschafft haben). Sobald Sie eine Idee haben, ist es sehr leicht zu erkennen, welche Bilder diese Idee unterstützen und welche keinen Einfluss darauf haben. Natürlich habe ich in dem Arbeitsvolumen, das ich in Tokio gedreht habe, das Gefühl, dass ich viele Dinge sagen möchte, aber für den Zweck unseres Workshops fand ich es viel einfacher, einige ansprechende Bilder vorerst beiseite zu lassen und zu Konzentrieren Sie sich auf diese zentrale Idee.
Mädchen schläft in der U-Bahn, Hanzomon Line
  • Die Technik hinter den Fotos spielt nur eine geringe Rolle, es sei denn, sie hilft, die Bedeutung des Fotos zu kommunizieren. Dies ist eine schwierige Balance. Am Ende des Tages hat der Betrachter keine Erfahrung außer mit dem Foto (oder im Fall einer Diashow mit den Fotos und der dazugehörigen Musik). In diesem Sinne ist das Foto also alles. Ich glaube jedoch, dass es der Standpunkt des Künstlers zu der Erfahrung ist, der im Vordergrund steht, während das Foto zeigt, wie er oder sie sich für die Kommunikation entscheidet. Somit sind die Fotos selbst das Mittel und nicht das Ziel. Dies spiegelt sich in den Bildern wider, die wir alle für die Show ausgewählt haben - sie sind nicht unbedingt die schönsten oder am besten ausgeführten, aber sie vermitteln (uns) die größte Bedeutung.
  • Es ist leicht, ein schönes Bild zu machen; Es ist sehr schwierig, ein aussagekräftiges Bild zu machen. Wir haben alle mit schönen Kameras und sehr hochwertigen Objektiven fotografiert. Ich habe die meisten Bilder, die ich in der Werkstatt verwendet habe, mit einem sehr schnellen mittelgroßen Teleobjektiv aufgenommen. Es ist ein erstaunliches Objektiv, das Dinge sieht, die das Auge nicht sehen kann, näher an meine Motive heranrückt als ich es jemals könnte, und es ist extrem einfach, ein Bild von der Kamera zu nehmen, es zu bearbeiten und es in etwas ästhetisch Angenehmes zu verwandeln. In ähnlicher Weise war es in den Tagen vor der digitalen Fotografie und in gewisser Weise in den Tagen, bevor „globales Reisen“ unter relativ mächtigen und wohlhabenden Menschen auf der Welt relativ alltäglich wurde, möglicherweise wertvoll, an einen Ort zu gehen, an dem es nur wenige andere gab gewesen und nur zu „dokumentieren“ oder „festzuhalten“, wunderschön, wie die Landschaft war oder was der Tourist an einigen dieser exotischen Orte erwarten konnte. In der heutigen Welt der allgegenwärtigen Fotografie reicht es einfach nicht aus, zu erfassen, was Sie sehen oder was Sie neugierig finden, und kann in gewisser Weise die Menschen und Orte schädigen, die Gegenstand dieser Art von Fotografie sind. Dies war eine frühe politische These von Antoines Arbeit - dass die Dokumentation und Darstellung der aufstrebenden Welt von den westlichen Institutionen, die die Dokumentation gesponsert haben, notwendigerweise „weiß getüncht“ wurde. Als Künstler müssen wir darüber hinausgehen und etwas finden, das überzeugender zu sagen ist.
Angestellt, Shibuya
  • Das Fotografieren ist zweitrangig, um die Tiefe der Erfahrung zu schaffen, die den Fotografien (oder anderen Kunstwerken) Bedeutung verleiht. Unser Leben ist die wahre Kunst. Fotografie, Schreiben, Musik, Malen - dies sind nur Mittel, mit denen wir anderen mitteilen können, was für unser Leben von Bedeutung ist. Antoine sagte mehrmals in der Werkstatt, dass er "Fotografie ablehnt", und damit glaube ich, meinte er, dass er Fotografie als Selbstzweck ablehnt. In seinen Worten: „Ich glaube nicht wirklich an Fotografie. Ich glaube, die Leute nutzen die Fotografie, um das zu finden, wonach sie suchen. “ Als Kommunikationsmittel impliziert es im Gegensatz zu (zum Beispiel) Schreiben oder Video eine bestimmte Reihe von Einschränkungen und eine bestimmte Reihe von Eigenschaften, von denen einige nützlich und einige einschränkend sind. Ein Teil des Prozesses besteht darin, diese Einschränkungen zu verstehen und voranzutreiben oder einen Weg zu finden, die Einschränkungen des Mediums zu nutzen, um unsere beabsichtigte Botschaft zu verstärken. Ein weiterer Teil des Prozesses besteht darin, die Kamera eher als Mittel zur Erkundung und Entdeckung oder als Mittel zur Umsetzung von Dingen zu verwenden. Dies war in der Tat der Rat, den Antoine mir gab, nachdem wir meine Arbeit nach dem ersten Drehtag überprüft hatten.
  • Ungeachtet dessen, wie wir die zuvor geleistete Arbeit aufteilen möchten (dies war ein Instagram-Beitrag, dies ist eine Galerie auf meiner Website, dies ist mein Portfolio, dies wurde abgelehnt, dies wurde veröffentlicht und so weiter), wegen In Bezug auf die Beziehung dieser „Artefakte“ zu den Erfahrungen, die das Rohmaterial für diese Artefakte liefern, ist es am besten, sich die gesamte Arbeit als einen einzigen Materialkörper vorzustellen, so wie Sie Ihr Leben tendenziell als einen einzigen betrachten Erfahrung, die sich mit zunehmendem Alter entwickelt und verändert. In ähnlicher Weise ist unsere Arbeit als Fotograf, sofern wir mit anderen und der Welt verbunden sind, mit dem vorangegangenen Werk der Fotografie verbunden und baut darauf auf. Dies kann sich wie das Medium der Fotografie selbst als einschränkend und nützlich erweisen. Wenn wir uns Fotografien ansehen, führt uns unser Wissen über und unser Umgang mit Fotografie in bestimmte Richtungen, und wenn wir genau an dem Ort ankommen, den wir erwartet haben, kann das, was wir als angenehm empfinden, von anderen als langweilig und anstrengend empfunden werden , wütend, nervig. Aber unsere Perspektiven sind wie Fingerabdrücke. Ich glaube, der Weg, um aus diesen müden Gewohnheiten, den Klischees der Fotografie, auszubrechen, besteht darin, jede Erfahrung aus unserer starken und einzigartigen Perspektive zu verfolgen, uns in jedem Foto durch diese Linse zu positionieren und ständig darüber hinauszugehen, wohin uns die Künstler vor uns gesagt haben, wohin wir gehen sollen.
Eingebettet in die Arbeit, Kanda, Tokio

Epilog

Die Woche, die ich mit Antoine und meinen Klassenkameraden in Tokio verbracht habe, war eine der wichtigsten meines Lebens. Man kann mit Recht sagen, dass alle unsere Herangehensweisen an die Fotografie durch die Erfahrung, die Woche mit ihm zu verbringen, sowie durch den Prozess, uns voll und ganz in die Art strukturierter, achtsamer Arbeit zu vertiefen, die fast einzigartig ist, wenn Sie es versuchen, verändert wurden etwas Neues herausdrücken und lernen. Es war eine schwierige und intensive Arbeit, aber am Ende habe ich gesagt, es sei wie eine Droge, und wie jede Droge sehne ich mich nach mehr. Gleichzeitig ist die Menge an Energie, die erforderlich ist, um auf dieser Ebene zu arbeiten, enorm und hinterlässt eine Wertschätzung für diejenigen, die diese Energie beschworen und über mehrere Jahre hinweg eine große und bedeutende Menge an Arbeit produziert haben.

Ich für meinen Teil bin inspiriert, mit dem Verstand eines Anfängers fortzufahren. Fotografie ist mehr als ein Mittel der „Dokumentation“, sie ist eine Sprache. Es kann verwendet werden, um mit Menschen in Kontakt zu treten, anderen zu sagen, was ich für wichtig halte, und um in Worte zu fassen, was wir für unser Leben halten. Ich möchte meinen Klassenkameraden und Antoine für ihre Freundlichkeit und Großzügigkeit während der Woche danken, die wir zusammen verbracht haben, und hoffentlich sehen wir uns alle später wieder.