Veröffentlicht am 16-08-2019

Tokio Workshop mit Antoine D’Agata

Vor einigen Wochen nahm ich an einem Workshop zur Dokumentarfotografie teil, der vom französischen Künstler Antoine D’Agata geleitet wurde. Der Workshop fand an sechs sehr intensiven Tagen und Nächten in Tokio statt und endete mit einer Ausstellung im Tokyo Institute of Photography, in der wir Studenten eingeladen wurden, unsere Arbeit für die Woche zusammen mit einer längeren Diashow und Fragen und Antworten vorzuführen von Antoine selbst. Antoines Arbeit hat natürlich die Arbeit, die wir in fünf Tagen erledigt haben, so aussehen lassen, wie die Arbeit, die Ihre Eltern nach Ihrem Kunstunterricht im Kindergarten auf dem Kühlschrank veröffentlichen könnten, aber es war trotzdem eine Ehre, Teil der Erfahrung mit ihm und mir zu sein Ich glaube, es wird nicht nur meine Herangehensweise an das Schaffen von Kunst nachhaltig beeinflussen, sondern auch mein Leben im Allgemeinen. Mein Ziel in diesem Beitrag ist es, ein wenig zu beschreiben, wie die Erfahrung war, zu teilen, was meiner Meinung nach die zentrale (und mächtige) Lektion des Workshops war, zusammen mit einigen der wichtigsten Lektionen für mich.

Paar zu Fuß, Ginza, Tokio

Das Format des Workshops lässt sich am besten als „intensives Arbeiten“ beschreiben, das mit einer Reihe von „Diskussionen“ unter der Leitung von Antoine verzahnt ist, die jedoch für alle Teilnehmer des Workshops offen sind. Grundlegende Mechanik waren wie folgt:

  • Zwölf internationale Teilnehmer (von Brasilien über Rom bis nach New York City), von denen zwei Ausländer mit Wohnsitz in Tokio waren. Die meisten Teilnehmer verfügten über eine gewisse Ausbildung oder Erfahrung in der Fotografie oder in einem eng verwandten Bereich (z. B. Fotojournalismus, Kinematografie, kommerzielle Modefotografie). Ich war wahrscheinlich der schlechteste "Fotograf" der ganzen Gruppe, aber Antoine hatte eine nette Art, das zu überarbeiten, und es gelang uns, die Idee zu vermitteln, dass wir Fotografie nicht als "gut" oder "schlecht" oder als irgendeine Art von Fotografie betrachten sollten von Wettbewerb, wo X Fotos besser als Y sind. Er schien es abzulehnen, Fotos nach ihren Vorzügen als Fotos zu beurteilen, und konzentrierte sich stattdessen viel mehr auf das, was sie übermittelten und auf die Qualität der dahinter stehenden Ideen. Es ist schwierig, nicht so zu denken, aber ein ständiger Vergleich mit dem Standard einer anderen Person beeinträchtigt den Prozess, Fotos zu finden, die für Sie von Bedeutung sind und die erfassen und vermitteln, was Sie als Künstler beabsichtigen.
  • Die Aufnahmen erfolgten nachts, die ganze Nacht, und in der Tat bestand die einzige Einschränkung darin, mindestens 8 Stunden pro Tag (vorzugsweise mehr) und nicht weniger als 500 Bilder pro Tag (vorzugsweise mehr) aufzunehmen. Dies war das kritischste Element des Workshops, und fast alles, was ich gelernt (und „richtig“ oder „falsch“ gemacht habe), ergab sich aus dieser einfachen Anforderung. Das Aufnehmen und Bearbeiten gegen eine Deadline erwies sich als äußerst wertvolles Lernwerkzeug. In Fällen, in denen wir alleine aufgegeben hätten, zwang uns diese kleine Struktur, uns durchzusetzen. Antoine sagte am besten: „Die einzige Möglichkeit, fotografische Probleme zu lösen, ist das Fotografieren.“ Abgesehen von jeder anderen Lektion (und es gab viele) erwies sich diese als wichtig.
  • Nach der Nacht der Dreharbeiten haben wir ein bisschen geschlafen, eine Reihe von Bildern ausgewählt und bearbeitet, um sie am nächsten Tag wieder zu Magnum zu bringen, ein bisschen Frühstück (und viel Kaffee) zu sich zu nehmen und dann den Vorgang zu wiederholen vom Vortag. Wir machten dies fünf Tage lang und arbeiteten uns auf die Abschlusspräsentation vor, die aus 20 themenbezogenen Bildern von jedem von uns bestand, die, wie ich bereits erwähnte, in der letzten Nacht des Workshops der Öffentlichkeit präsentiert wurden. Die Arbeit, die meine Klassenkameraden schließlich ablieferten, war enorm und für die meisten (alle?) Eine spürbare Entwicklung und Abkehr von der Arbeit, die sie zuvor entwickelt hatten. Ich weiß, dass sich meine Fotos immens verbessert haben, bis zu dem Punkt, an dem ich mich für die Fotos schäme, die ich als Teil meines Portfolios eingereicht habe.

Kurz gesagt, die oben beschriebene Struktur schuf die Voraussetzungen für ein Erlebnis, das ich nur als „intensiv“ bezeichnen kann. Ich habe an fünf Arbeitstagen insgesamt 10–15 Stunden geschlafen. Ich aß billiges Onigiri aus einem Supermarkt mit meinem Kaffee in der Morgendämmerung und ich aß Nudeln unter klieg Lichtern mitten in der Nacht. Ich trank zu viel und dann verdoppelte ich mich und kaufte eine Flasche Champagner zu einem exorbitanten Preis. Ich bin Taxis gefahren, ich bin Züge gefahren, ich bin U-Bahnen gefahren und ich bin gelaufen. Ich erfuhr von japanischen Katerheilungen und wurde von meiner Hotelangestellten als vermisst gemeldet. Ich machte Abzüge um 3 Uhr morgens in 7-Eleven. In einer Bar mit sieben Plätzen in Shibuya tauschte ich Abzüge gegen Whisky. Als ich eines Tages ein Meeting einrichtete, sagte ich, ich bevorzuge "Mitternacht" und mein Kollege schlug keine Wimpern. Ich habe in Tokio Dinge gesehen (und fotografiert), die ich meiner Mutter nicht bequem beschreiben kann. Ich ließ mein Handy von einem Kunstkünstler aus meiner Tasche ziehen (und zu mir zurückbringen). Mein Kollege bekam in seiner ersten Nacht einen „Mickey-Ausrutscher“ und nutzte ihn als Grundlage für den Rest seiner Arbeit in dieser Woche. Ein anderer Kollege kam eines Nachts mit einem Taxi nach Hause, nachdem er eine Gesamtstrecke von etwa 50 Metern zurückgelegt hatte. Dabei habe ich alles fotografiert. Wir haben uns gegenseitig inspiriert und sind jeden Tag aufgetaucht, um zu sichten und zu diskutieren, was wir getan haben.

Selbstporträt, Tag 3

Das bringt uns zur zentralen Lektion des Workshops.

Sei nicht der Fotograf

Nehmen Sie teil, nehmen Sie an der Aktion teil, die Sie dokumentieren, nehmen Sie eine Position unter dem ein, was Sie fotografieren, und verwenden Sie diese Position, um etwas über den Sinn der Erfahrung im Kontext Ihres Lebens zu kommunizieren.

Dies war die zentrale Idee des Workshops, und es war ein Ratschlag, den Antoine in irgendeiner Form immer wieder an jeden von uns richtete, unabhängig von unserem „Niveau“ als Fotograf. Diese Idee war schwer aufzugreifen, und tatsächlich hatte ich am ersten Tag den Eindruck, dass viele von uns ein wenig desorientiert von der Diskussion waren, die zuweilen in eine ziemlich scharfe Kritik an der (früheren) Arbeit überging, zu der wir beigetragen hatten anwesend sein, um uns vorzustellen.

Der Workshop selbst war so strukturiert, dass dieser Schlüsselpunkt vielleicht absichtlich hervorgehoben wurde, aber wahrscheinlicher, weil dies meiner Meinung nach für Antoines Herangehensweise an Kunst (und das Leben) im Allgemeinen von zentraler Bedeutung ist. Insofern der Workshop dazu gedacht war, uns mit diesem Künstler und seinem Prozess bekannt zu machen, im Gegensatz zu (z. B.) Hinweisen auf die Fototechnik (von denen es keine gab), konnten wir nicht anders, als uns dieser Denkweise auszusetzen. Ich fand, dass es eine Annäherung an ein Problem „aufgeschlossen“ hat, das ich schon immer mit der „Straßenfotografie“ hatte - diese Idee, dass ich immer Dinge von außen verfolgte, um Ecken herumstolperte, selbstbewusst war und versuchte, zu „fangen“ oder zu „stehlen“ " ein Moment. Auf diese Weise fühlte ich mich (irgendwann) viel wohler, mehr von innen.

Wie ich bereits erwähnte, gab es in jedem Fall zwei Hauptmodi des Workshops: Dreharbeiten / selbstgesteuerter Prozess und Diskussion. Beide dienten einem wertvollen Zweck, um uns mit der hier beschriebenen zentralen Lektion bekannt zu machen, und die Kombination der experimentellen (Arbeits-) und theoretischen (Diskussions-) Aspekte dieser Belichtung war ziemlich wirkungsvoll.

Ich glaube, dass ich aus dieser Kombination von Dreharbeiten und Diskussion die folgenden Lektionen (in keiner bestimmten Reihenfolge) aufgesogen habe:

  • Es ist nicht möglich, 8 Stunden brauchbares Material zu erhalten, indem Sie auf etwas warten, das zu Ihnen kommt, oder indem Sie herumlaufen, in der Hoffnung, bedeutungsvolle (ähm, entscheidende?) Momente einzufangen. Um 8 Stunden Material zu erhalten, musst du es suchen, hartnäckig sein (und Probleme lösen), wenn es nicht passiert, und genug Energie aufbringen, um die Nacht hindurchzuschieben. Ich glaube, ich habe fünf Tage lang das beste Set an Rohmaterial, das ich je gedreht habe. Wenn ich das zwei Jahre lang mache, kann ich nicht anders, als zu glauben, dass dort * etwas * wäre. Es ist immer noch Sache des Künstlers, es zu extrahieren und kraftvoll zu kommunizieren, aber es ist offensichtlich, dass der Prozess selbst eine sehr reiche Ader an Material freisetzt, aus dem man schöpfen kann.
  • Der Vorgang, eine „zentrale Idee“ oder eine Vorstellung davon zu haben, was Sie erleben, erfassen und vermitteln möchten, erleichtert sowohl das Aufnehmen als auch das Auswählen und Bearbeiten eines großen Bildvolumens erheblich. Es ist sehr leicht, sich in ein Bild zu verlieben (Antoine seinerseits war sehr geduldig damit, obwohl die Bilder, in die ich mich nur "verliebt" habe, nicht zu meinem endgültigen Ergebnis geführt haben). Sobald Sie eine Idee im Kopf haben, ist es sehr leicht zu erkennen, welche Bilder diese Idee unterstützen und welche nicht davon betroffen sind. Natürlich habe ich bei der Arbeit, die ich in Tokio gedreht habe, das Gefühl, dass es viele Dinge gibt, die ich sagen möchte, aber für den Zweck unseres Workshops fiel es mir viel leichter, einige ansprechende Bilder vorerst beiseite zu lassen und zu lassen Konzentrieren Sie sich auf diese zentrale Idee.
Mädchen schläft in der U-Bahn, Hanzomon Line
  • Die Technik hinter den Fotos ist sehr unwichtig, es sei denn, sie hilft, die Bedeutung des Fotos zu kommunizieren. Dies ist eine schwierige Bilanz. Am Ende des Tages hat der Betrachter keine Erfahrung außer mit dem Foto (oder im Falle einer Diashow mit den Fotos und der dazugehörigen Musik). In diesem Sinne ist das Foto also alles. Ich glaube jedoch, dass die Sichtweise des Künstlers auf die Erfahrung im Vordergrund steht, während das Foto die Art und Weise ist, wie er oder sie sich für die Kommunikation entscheidet. Somit sind die Fotos selbst das Mittel, nicht das Ziel. Dies spiegelt sich in den Bildern wider, die wir alle für die Show ausgewählt haben - sie sind nicht unbedingt die schönsten oder am besten ausgeführten, aber sie vermitteln (uns) die größte Bedeutung.
  • Es ist leicht, ein schönes Bild zu machen. Es ist sehr schwierig, ein aussagekräftiges Bild zu machen. Wir machten alle Fotos mit schönen Kameras und sehr hochwertigen Objektiven. Die meisten Bilder, die ich in der Werkstatt verwendet habe, habe ich mit einem sehr schnellen mittelschweren Teleobjektiv aufgenommen. Es ist ein erstaunliches Objektiv, das Dinge sieht, die das Auge nicht sehen kann, näher an meine Motive heranrückt als ich es jemals könnte, und es ist extrem einfach, ein Bild aus der Kamera zu nehmen, es zu bearbeiten und in etwas ästhetisch Angenehmes zu verwandeln. In ähnlicher Weise war es in den Tagen vor der Digitalfotografie und in gewisser Weise in den Tagen, bevor „globales Reisen“ unter relativ mächtigen und wohlhabenden Personen auf der Welt relativ alltäglich wurde, möglicherweise wertvoll, an einen Ort zu gehen, an dem es nur wenige andere gab war und nur zu "dokumentieren" oder "einzufangen", schön, wie die Landschaft war, oder was der Tourist erwarten konnte, in einigen dieser exotischen Orte zu begegnen. In der heutigen Welt der allgegenwärtigen Fotografie reicht es einfach nicht aus, festzuhalten, was Sie sehen oder was Sie neugierig finden, und kann in gewisser Weise die Menschen und Orte schädigen, die Gegenstand dieser Art von Fotografie sind. Dies war eine frühe politische These von Antoines Arbeit - dass die Dokumentation und Darstellung der aufstrebenden Welt notwendigerweise von den westlichen Institutionen, die die Dokumentation gesponsert hatten, „weiß getüncht“ wurde. Als Künstler müssen wir darüber hinausgehen und etwas überzeugenderes finden, um es zu sagen.
Angestellt, Shibuya
  • Das Fotografieren ist zweitrangig, um die Tiefe der Erfahrung zu schaffen, die den Fotografien (oder Kunstwerken) Sinn verleiht. Unser Leben ist die wahre Kunst. Fotografieren, Schreiben, Musik, Malen - dies sind nur Mittel, mit denen wir anderen mitteilen können, was für unser Leben von Bedeutung ist. Antoine hat in dem Workshop mehrmals gesagt, dass er "Fotografie ablehnt" und damit, glaube ich, gemeint hat, dass er Fotografie als Selbstzweck ablehnt. In seinen Worten: "Ich glaube nicht wirklich an Fotografie. Ich glaube, die Menschen nutzen die Fotografie, um das zu finden, wonach sie suchen. “Im Gegensatz zu (zum Beispiel) Schreiben oder Video bedeutet dies für die Kommunikation eine Reihe von Einschränkungen und Eigenschaften, von denen einige nützlich sind und einige davon sind einschränkend. Ein Teil des Prozesses besteht darin, diese Beschränkungen zu verstehen und zu erweitern oder einen Weg zu finden, um die Beschränkungen des Mediums zu nutzen, um unsere beabsichtigte Botschaft zu verstärken. Ein weiterer Teil des Prozesses besteht darin, die Kamera eher als Mittel zur Erkundung und Entdeckung oder als Mittel, um Dinge geschehen zu lassen. Dies war in der Tat der Rat, den Antoine mir gab, nachdem wir meine Arbeit nach dem ersten Drehtag überprüft hatten.
  • Ungeachtet dessen, wie wir unsere bisherige Arbeit aufschlüsseln möchten (dies war ein Instagram-Beitrag, dies ist eine Galerie auf meiner Website, dies ist mein Portfolio, dies wurde abgelehnt, dies wurde veröffentlicht usw.), weil In der Beziehung dieser „Artefakte“ zu den Erfahrungen, die das Ausgangsmaterial für diese Artefakte darstellen, ist es am besten, sich die gesamte Arbeit als einen einzigen Materialkörper vorzustellen, so wie Sie sich Ihr Leben als einen einzigen vorstellen Erfahrung, die sich mit zunehmendem Alter entwickelt und verändert. Ebenso ist unsere Arbeit als Fotograf, sofern wir mit anderen und der Welt verbunden sind, mit dem Werk der Fotografie verbunden und baut auf diesem auf. Dies kann sich ebenso wie das Medium der Fotografie selbst als einschränkend und nützlich erweisen. Wenn wir Fotos betrachten, können wir mit unserem Wissen über und unserer Auseinandersetzung mit der Fotografie in bestimmte Richtungen vordringen. Wenn wir genau an dem Ort ankommen, den wir als angenehm empfinden, können andere das als langweilig und anstrengend empfinden , ärgerlich, nervig. Aber unsere Perspektiven sind wie Fingerabdrücke, daher glaube ich, dass der Weg, um aus diesen müden Gewohnheiten, den Klischees der Fotografie, auszubrechen, darin besteht, jede Erfahrung von unserem starken und einzigartigen Standpunkt aus zu verfolgen, uns in jedem Foto durch diese Linse zu positionieren und um immer weiter zu gehen, als die Künstler vor uns uns gesagt haben, wohin wir gehen sollen.
Eingebettet in die Arbeit, Kanda, Tokio

Epilog

Die Woche, die ich mit Antoine und meinen Klassenkameraden in Tokio verbracht habe, war eine der wichtigsten meines Lebens. Man kann mit Recht sagen, dass alle unsere Herangehensweisen an die Fotografie durch die Erfahrung, die wir in der Woche mit ihm gemacht haben, sowie durch den Prozess, in die Art strukturierter, achtsamer Arbeit einzutauchen, die fast einzigartig ist, wenn Sie es versuchen, erheblich verändert wurden herausstoßen und etwas Neues lernen. Es war eine schwierige und intensive Arbeit, aber am Ende habe ich gesagt, es sei wie eine Droge, und wie bei jeder Droge habe ich mehr Verlangen. Gleichzeitig ist die Menge an Energie, die benötigt wird, um auf dieser Ebene zu arbeiten, enorm und hinterlässt eine Wertschätzung für diejenigen, die diese Energie beschworen und über mehrere Jahre hinweg eine große und bedeutende Menge an Arbeit hervorgebracht haben.

Ich für meinen Teil bin inspiriert, mit dem Verstand eines Anfängers fortzufahren. Fotografie ist mehr als ein Mittel der „Dokumentation“, sie ist eine Sprache. Es kann genutzt werden, um mit Menschen in Kontakt zu treten, anderen zu sagen, was ich für wichtig halte, und um in Worte zu fassen, was wir für unser Leben halten. Ich möchte meinen Klassenkameraden und Antoine für ihre Freundlichkeit und Großzügigkeit während der Woche, die wir zusammen verbracht haben, danken und hoffe, dass wir uns alle später wieder sehen werden.

Siehe auch

Lektionen aus dem Leben, die man gelernt hat, wenn man Kunst in Krankenhäuser bringtJohn Lewis: Warum ich 15 Jahre gearbeitet habe, um den Traum von der afroamerikanischen Geschichte zu verwirklichen…Unterbrechen oder gestört werden: Wie ältere Unternehmen das Spiel verändernDie Kunst, nicht zu vergessenEin 70-tägiger Web Security-Aktionsplan für Künstler und Aktivisten unter BelagerungKünstliche Kreativität