Die drei jungfräulichen Göttinnen: Hestia, Athena und Artemis. Verdienst des talentierten Künstlers 455992

Verfolgung historischer Darstellungen des weiblichen Aktes

Die französische Malerei in der Mitte des 19. Jahrhunderts ist gekennzeichnet durch den kritischen Wandel vom akademischen, neoklassizistischen Stil zu innovativeren und fortschrittlicheren Typen. Die idealisierte, nackte Göttin der neoklassizistischen Tradition wurde nach und nach durch moderne Sorten ersetzt, bei denen Avantgarde-Maler die Darstellung des weiblichen Akts als Front für ihre Herausforderung an die anerkannten Standards der Akademie wählten.

Mattei Athena im Louvre, ein Beispiel neoklassischer Tradition in der Darstellung von Frauen.

In der französischen akademischen Kunst war weibliche Nacktheit nur im Kontext einer erkennbaren Erzählung in einer imaginären, mythologischen oder biblischen Landschaft zulässig. Zukunftsorientierte Künstlerinnen porträtieren Frauen jedoch in einer naturalistischen Form, die sich mit alltäglichen Aktivitäten beschäftigt, etablierte Klischees der Weiblichkeit untergräbt und den Voyeurismus beseitigt, der mit traditionellen Akten dieser Zeit verbunden ist.

Indem wir die sich entwickelnde Beziehung zwischen der bildenden Kunst des weiblichen Akts, seiner Rezeption und den politischen Bewegungen im Frankreich des 19. Jahrhunderts analysieren, werden wir untersuchen, wie realistische und impressionistische Darstellungen vom antiken griechischen Ideal abweichen. Maler lenkten die Aufmerksamkeit vom weiblichen Körper als Objekt erotischen Verlangens weg und auf künstlerische Belange von Technik und Komposition. Diese Transformation spielte eine wichtige Rolle bei der Entstehung der Moderne und der Abstraktion des 20. Jahrhunderts.

Aufgrund der weithin akzeptierten Werte des Patriarchats in den meisten Gesellschaften der Vergangenheit hatten Frauen im Allgemeinen weniger Rechte und wurden als den Männern unterlegen angesehen. Solche Sichtweisen spiegelten sich sowohl in der Literatur als auch in den Kunstformen der alten Gesellschaften wider. Es war daher vernünftig zu sehen, dass viele frühe Darstellungen der weiblichen Form häufig eher obszöne als künstlerische Sinne angesprochen haben. Als Frauen mehr politische Rechte erhielten und innerhalb der Gesellschaft als gleichberechtigter mit Männern angesehen wurden, spiegelten auch die Literatur und Kunstwerke solche Trends wider. Um zu verstehen, wie weibliche Nacktheit im 19. Jahrhundert in der französischen Gesellschaft allmählich als Kunst akzeptiert wurde, werden wir zunächst die Kultur und Motivationen hinter weiblicher Nacktheit in der griechischen und kurz italienischen Kunst untersuchen (die Hauptkulturen, die nudistische Kunstbewegungen in Frankreich motivierten ).

Diese Geschichte ist der Schlüssel zur Festlegung des Kontexts hinter bestimmten Normen rund um die weibliche Nacktheit und trägt zu einer Diskussion über die Entwicklung des künstlerischen und des obszönen in Darstellungen des weiblichen Akts bei. Wir werden uns auf die sich verändernden Normen in Bezug auf Kunst und Obszönität in diesen verschiedenen Gesellschaften konzentrieren, wenn wir weibliche Nacktheit in der Kunst verarbeiten, und auf die Auswirkungen avantgardistischer Maler im 19. Jahrhundert und in der Neuzeit auf die Erweiterung des Spektrums akzeptabler ästhetischer Schwerpunkte und Assoziationen der weibliche Form.

Die Rolle der weiblichen Aktform in der Kunst ist besonders, weil ihre Darstellung einen Balanceakt zwischen Kunst und Obszönität beinhaltet. Dies ist das Sprichwort, dass, sobald ein Künstler eine Darstellung der nackten weiblichen Form beginnt, der Umgang mit dieser Nacktheit den Künstler an sich auf eine Gratwanderung zwischen künstlerischer und pornografischer Darstellung bringt. Aus diesem Grund wird in Kulturen wie denen der Franzosen oder des antiken Griechenlands häufig eine Reihe von Normen zur „angemessenen“ Darstellung weiblicher Nacktheit beobachtet. In gewissem Sinne sind diese Normen ein Weg, den Zuschauern zu signalisieren und ihr Vertrauen zu stärken, dass sie eine ästhetische, künstlerische Darstellung der weiblichen Form sehen, anstatt nur sexuelle Befriedigungen zu befriedigen oder erotische Qualitäten in dieser Form darzustellen. Wie Kenneth Clark bemerkt:

Der weibliche Akt markiert sowohl die innere Grenze der Kunst als auch die äußere Grenze der Obszönität. Es ist die innere strukturelle Verbindung, die Kunst und Obszönität und ein ganzes Bedeutungssystem zusammenhält. Und während sich der weibliche Akt gut benehmen kann, birgt er ein Risiko und droht, die Grundlagen unseres Ordnungssinns zu destabilisieren.

Was Clark hier in der Kombination von künstlerischer Darstellung und Obszönität beschreibt, scheint ein Gefälle zwischen „Kunst“ und „Nicht-Kunst“ zu sein. Er vertieft die Bedeutung dieser Metapher, indem er berücksichtigt, dass Kunst aus der Darstellung und Darstellung von Subjekten besteht, während die Idee des Obszönen etymologisch von der lateinischen „Szene“ abgeleitet ist. Dies bedeutet, dass Obszönität beschreibt, was jenseits der Kunst existiert. Auf diese Weise ist die Darstellung der weiblichen Form umstritten, weil sie das Potenzial für eine künstlerische Darstellung birgt, aber auch das gleiche Potenzial für eine erotische Darstellung, die künstlerische Zwecke vollständig untergraben würde. Aber es ist auch die Existenz eines solchen Subjekts - des weiblichen Akts -, das dem, was Kunst eigentlich ist, einen Sinn gibt, indem es definiert, was Kunst nicht ist, und das meint Clark, wenn er den weiblichen Akt als „interne strukturelle Verbindung“ beschreibt hält Kunst und Obszönität in einem Bedeutungssystem.

In erster Linie ist eine Diskussion über die historische Entwicklung von Normen rund um die Darstellung weiblicher Nacktheit wichtig, um ihre spätere Bedeutung als künstlerische Form zu charakterisieren. Es ist wichtig, die Geschichte und die Normen der Nacktheit in der griechischen Kunst zu verstehen, um die Kämpfe zu erfassen, mit denen französische progressive Künstler konfrontiert waren, als sie versuchten, weibliche Nacktheit darzustellen, und wie diese Künstler diese Kämpfe später überwinden konnten - was schließlich zu einem Paradigmenwechsel in der Akzeptanz führte der weiblichen Nacktheit als Kunst und nicht als Darstellung der Sexualität.

Vorgriechische Kulturen, normalerweise in der Nähe des Ostens, sahen Nacktheit als etwas Schändliches oder Erniedrigendes an. Die Entwicklung der athenischen Demokratie und des westlichen Humanismus um das fünfte Jahrhundert ermöglichte es den Griechen jedoch, als erste Gesellschaft Nacktheit als Kunstform darzustellen und zu schätzen. Überraschenderweise wurde Nacktheit als Kunstform für die Griechen zu einem Mittel zur Unterscheidung zwischen sich selbst als edler Zivilisation und anderen „unzivilisierten Barbaren“, wobei Nacktheit als Ausdruck von Macht und Freiheit diente, indem sie eher inspirierende als einladende Blicke anregte.

Michaelangelos David verkörpert diese Männlichkeit. Bildnachweis

Nacktheit als eine Form von Macht und Freiheit galt nur für Aktdarstellungen männlicher Körper. Im antiken Griechenland nahmen Männer ohne Kleidung an sportlichen Wettkämpfen auf religiösen Festen teil, bei denen der menschliche Körper, männliche Nacktheit, mit „Triumph, Ruhm und moralischer Exzellenz“ in Verbindung gebracht wurde. So waren Männerkörper die Norm und der Maßstab für Perfektion, Schönheit - ein Symbol für Sportlichkeit, völlig desexualisiert. Es war nur natürlich, männliche Nacktheit in Gemälden zu sehen, weil die Körper von Männern in der Gesellschaft ständig offenbart wurden. Folglich mussten Künstler männliche Nacktheit nicht entschuldigen und Männer in jeder Handlung oder in jedem Kontext als nackt darstellen, unabhängig davon, ob der Mensch in der Realität hätte ausgezogen werden müssen. In gewisser Hinsicht wurde das nackte Menschenbild verehrt, das oft in Heiligtümern gezeigt wurde, und die Form, in der Menschengötter und Helden der griechischen Religion gezeigt wurden.

Im Gegensatz dazu war weibliche Nacktheit tabu und von der griechischen Kultur äußerst verpönt. Mitte des 4. Jahrhunderts v. Chr., Als Praxiteles das erste Bild einer nackten Göttin (der Knidian-Aphrodite) schnitzte, wurde die Skulptur zum Zentrum großer Kontroversen, da selbst teilweise Nacktheit in der griechischen Kunst vor dem späten 5. Jahrhundert v. Chr. Selten war : Das einzige Mal, dass weibliche Körperteile aufgedeckt wurden, war, als Frauen Opfer von Gewalt wurden oder als Prostituierte dargestellt wurden.

Daher musste die Aktskulptur von Aphrodite zensiert werden. Zum Beispiel waren die Genitalien nicht vertreten, nicht vorhanden. Insbesondere zeigen griechische Textaufzeichnungen, dass die weibliche Sexualität abgelehnt wurde und es eine deutliche Abneigung gegen weibliche Genitalien gab, wenn man die negativen Konnotationen betrachtet, die im Text in Bezug auf Menstruation und Geburt eines Kindes dargestellt sind. Frauen wurden sogar als „umweltschädlich und gefährlich für Männer“ angesehen, und es gab sogar Tabus im Zusammenhang mit der Berührung menstruierender Frauen oder Frauen, die kürzlich geboren hatten. Selbst Stillmilch wurde als Verschmutzung für Männer angesehen, wenn sie ihre Haut berührte.

Die Knidian Aphrodite. Bildquelle

Zusätzlich wurden weibliche Genitalien als „Aidoia“ oder beschämende Teile bezeichnet. Dies lag daran, dass Frauen zu dieser Zeit einen relativ niedrigen sozialen Rang hatten und nur geringfügig höher schienen als der Status einer Sklavin. Es war klar, dass die griechische Gesellschaft auf keinen Fall in der Lage gewesen wäre, irgendeine Form weiblicher Nacktheit als Kunstform und nicht als etwas Erniedrigendes oder Sexuelles zu akzeptieren.

Neben der Zensur der weiblichen Genitalien brauchte Praxiteles auch eine Entschuldigung, um die Knidian-Aphrodite nackt darzustellen, da nur Männer ohne Frage als nackt dargestellt werden konnten. So schuf Praxiteles Aphrodite in einer Pose, bei der ihr Kopf zur Seite gedreht war und die Hand den Körper mit Requisiten eines Wasserkruges und eines Badetuchs bedeckte, um darauf hinzuweisen, dass die Göttin gerade aus ihrem Bad getreten war und sich in einem momentanen Zustand befand völlige Überraschung. Eine solche Darstellung erzeugt ein Bild des Voyeurs und betrachtet Aphrodites Nacktheit als verbotenes Vergnügen für den Betrachter. Die Schaffung eines solchen Kunstwerks war jedoch möglich, weil Frauen, insbesondere Aphrodite, im Bereich der Religion immer noch respektiert wurden. Da Aphrodite die Göttin der Liebe ist, deren Bild an vielen Orten gefunden wurde, wurde sie als eine Figur des Respekts gegenüber den Menschen der Zeit akzeptiert, eine Figur, der Familien oft reiche Opfergaben gaben oder sie huldigten.

Praxiteles, Bildquelle: Archäologisches Museum von Olympia

Die Schaffung der Knidian-Aphrodite und anderer aufeinanderfolgender Aktdarstellungen von Göttinnen wurde zum Sprungbrett, für das später endlose Ableitungen und Nachbildungen weiblicher Nacktheit dargestellt werden konnten. Obwohl Frauen nach der Geburt der nackten Knidian-Aphrodite in der griechischen Keramik nicht häufig als Akt dargestellt wurden, wurden Frauen von Zeit zu Zeit als Objekte oder Motivationen des Vergnügens für männliche Betrachter dargestellt. Die Töpferei begann mit Bildern von Frauen, die nackt oder anderer sexueller Natur badeten. Schließlich wurden solche Darstellungen auf Keramik etwas üblicher und wurden als Geschenke für Hochzeiten verwendet, um Glück oder Wünsche in den Bemühungen der frisch verheirateten Paare um Fortpflanzung auszudrücken.

Nachdem Alexander der Große in Griechenland an die Macht kam und in der hellenistischen Zeit massive Eroberungen erzielen konnte, gelang es den Frauen langsam, mehr Macht zu erlangen, was sich in der griechischen Kunst dieser Zeit widerspiegelte. In Bezug auf Empowerment konnten Frauen nun entscheiden, wen sie heiraten und auch eine Ausbildung erhalten möchten. Infolgedessen waren Frauen nicht mehr nur als Opfer von Gewalt oder als Prostituierte in der Kunst vertreten, und die weibliche Nacktheit in der Kunst begann an Bedeutung zu gewinnen. Der Fall Roms und der Aufstieg des Christentums im vierten Jahrhundert verringerten jedoch die Darstellung der Nacktheit in der westlichen Kunst aufgrund der Änderung der Werte in Richtung Keuschheit und Zölibat von Künstlern und Gönnern bis um 1300 v. Als Nacktheit auftauchte, geschah dies im Kontext religiöser Kunst wie Adam und Eva und / oder um Vorstellungen von Scham darzustellen: Adam und Eva waren die ersten Männer und Frauen, die ihre Nacktheit aufgrund der Sünde entdeckten, durch die sie Scham und Bestrafung erleiden .

Der Mangel an christlichen Einflüssen in Italien in Verbindung mit einer Zeit des Friedens durch den Frieden von Lodi von 1454 bis 1494 trug wohl dazu bei, eine Zeit zu schaffen, in der sich die Aktkunst wieder entwickeln konnte. Bezeichnenderweise wurde Botticellis Geburt der Venus in Italien zu einem wichtigen Gemälde, das ein erneutes Interesse an der Darstellung von Aktfiguren und der Wiederbelebung der klassischen Nacktheit weckte. Die Geburt der Venus war das erste Gemälde in Originalgröße, das auf einem klassischen Thema basiert und den weiblichen Akt als Hauptthema darstellt.

Die Geburt der Venus von Sandro Botticelli

In Birth of Venus repräsentiert die zentrale Göttin der Liebe „göttliche Liebe“ und wurde nicht durch religiöse Motivationen geschaffen. Hier scheint die Venus aus Meeresform geboren zu sein und liegt auf der großen Jakobsmuschel und enthüllt alles. Die Pompeji Venus zeigt keine Anzeichen von Bescheidenheit und ihre Haltung spiegelt eine wider, die Unterwürfigkeit vermittelt, indem sie sich rückwärts hinlegt, als ob sie sich in einem Zustand der Verletzlichkeit befindet, der als liegender Akt bezeichnet wird. Die liegende Aktposition wird bald zu einem Trend, dem andere Italiener folgen, und bildet einen starken Kontrast zu männlichen Akten, die häufiger als aktiv, aufrecht und aggressiv sind.

Die Knidian-Aphrodite und die Geburt der Venus spielen eine wichtige Rolle bei der Akzeptanz von Nacktheit in der französischen Kunst. Im 19. Jahrhundert war der von der französischen Gesellschaft unterstützte Stil Neoklassizismus oder eine Wiederbelebung einer klassischen Kunst. Ähnlich wie die athenische Demokratie dazu beigetragen hat, Nacktheit als Kunstform im antiken Griechenland zu entwickeln, hat die Französische Revolution auch dazu beigetragen, die Akzeptanz von Nacktheit - weiblicher Nacktheit - in der französischen Gesellschaft im Einklang mit dem Übergang der französischen Regierung von einer Monarchie zu einer Demokratie zu fördern. Die skulpturale Aktfigur - untrennbar mit der antiken griechischen Kunst verbunden - war aufgrund der Verbreitung antiker römischer Kopien und der Feier dieser durch Künstler der Renaissance ein unglaublich beliebtes Thema.

So wurde weiblicher Akt immer beliebter und übertraf sein männliches Gegenstück, um die Ideale von Freiheit und Gleichheit aus der Französischen Revolution darzustellen. Während dieser Zeit wurde das französische künstlerische Umfeld durch das Dual zwischen dem modernen und dem traditionellen Modus definiert, und der weibliche Akt war vielleicht das umstrittenste Thema von allen. Sowohl in der Antike als auch in der frühen Hälfte des 19. Jahrhunderts bewegte sich die weibliche Nacktheit genau zwischen dem Schönen und dem Obszönen und erforderte eine Erzählung als Rechtfertigung für ihre Existenz, genau wie in der griechischen Gesellschaft.

Zunächst wurde die weibliche Nacktheit unter Bezugnahme auf die griechische und römische Mythologie in einem klassischen Stil dargestellt. Um die regulären Normen in Frage zu stellen, bestanden diese Darstellungen aus dramatischeren Posen als ihre griechischen Gegenstücke, während nackte Figuren aus dem Kontext des Alltags entfernt wurden. Vor dem späten 19. Jahrhundert war das Studium und die Kunst von Aktmodellen jedoch auf die renommiertesten Akademien oder Ateliers etablierter Künstler beschränkt. Eine der bedeutendsten professionellen Kunstgesellschaften hinter der Kunst in Frankreich waren die 1768 gegründeten Royal Academies of Art in Frankreich.

Sie leiteten Unterrichtsschulen, veranstalteten jährliche oder halbjährliche Ausstellungen und boten Orte, an denen Künstler ihre Arbeiten ausstellen und kritische Aufmerksamkeit erregen konnten. Ab dem späten 18. Jahrhundert hatten solche Institutionen, wie sie von Künstlern wie Jacques Louis David in Frankreich dominiert wurden, ein virtuelles Monopol auf den öffentlichen Geschmack und die offizielle Schirmherrschaft. Die akademische Kunst, deren Standard die antike klassische Kunst, die europäische Tradition und die vorwiegend in Malerei und Skulptur wiedergegebenen historischen Themen waren, blieb bis ins 19. Jahrhundert erhalten und wurde durch ihre Präsenz auf den Weltmessen gestützt, die sich ab den 1850er Jahren im Westen vermehrten.

Mit der zunehmenden Akzeptanz und Wertschätzung der klassischen Kultur in der Kunst wurde auch das Prestige der Aktkunst immer wichtiger. Die Akademien dieser Zeit wiesen junge Künstler an, ihre Fähigkeiten zu entwickeln, indem sie die nackte Form der antiken Skulptur sowie lebende Modelle zeichneten, und viele erfolgreiche Künstler setzten solche Übungen lange nach ihrer Studienzeit fort. Akte waren in den ehrgeizigen historischen Gemälden dieser Zeit sowie in Skulpturen und dekorativen Schemata allgegenwärtig. Aktfiguren stellten „ideale Schönheit in der Kunst“ dar. Befürworter des neoklassizistischen Stils machten Akte, die eng an alten Beispielen orientierten, wie Canovas Perseus, der die Haltung und den Körpertyp des weithin bewunderten Apollo Belvedere wiederholt.

Ein Weg, wie Künstler Nacktheit ohne Bezug zur Religion oder zum Klassizismus darstellen könnten, wäre der Orientalismus, ein Begriff, der von Kunsthistorikern verwendet wird, um Darstellungen anderer Rassen und Kulturen zu beschreiben. Der Orientalismus zeigt östliche Zivilisationen als unveränderliche und unterentwickelte Kulturen. Ein frühes Beispiel für ein nacktes orientalisches Gemälde, das Erotik hervorgebracht hat, ist Ingres 'La Grande Odalisque und Turkish Bath.

Jean Auguste Dominique Ingres, La Grande Odalisque, 1814

Wie die Aktdarstellung der Pompeji-Venus in Italien zeigt auch Ingres 'Malerei das Thema als liegenden weiblichen Akt, der die Sexualität offener darstellt, ohne die traditionellen Merkmale der üblichen griechischen Aktbilder. Obwohl das Gemälde ganz explizit nackt ist, war es für die französische Öffentlichkeit harmlos, da Ingres das Gemälde in eine orientalistische Umgebung übertrug und auch den Oberkörper des Motivs erheblich verlängerte, um eher eine fiktive Figur als eine echte nackte Frau darzustellen.

Jean-Léon Gérôme, Der Sklavenmarkt, 1866

Jean Leon Geromes The Slave Market präsentiert auch ein erotisches Bild, indem er die Kulisse des Bildes im islamischen Ägypten darstellt. Auf dem Bild stellt Gerome eine Frau als Verkaufsware dar, was eine europäische Überlegenheit impliziert, da eine solche Behandlung von Frauen in der westlichen Kultur verboten war. Solche Beispiele des Orientalismus wurden so alltäglich, dass solche Stereotypen als selbstverständliche Tatsachen akzeptiert wurden und die Vorstellung erzwangen, dass andere Kulturen unzivilisiert und barbarisch waren, was auf die Vorstellung zurückgeht, dass Kultur mit Aktkunst tatsächlich überlegen ist als solche ohne. Im Wesentlichen war der Orientalismus zu dieser Zeit von der französischen Gesellschaft akzeptabel, da er mit Napoleons Eroberungen und dem europäischen Imperialismus einherging und humanistische Werte beseitigte, um die Subjekte oder andere Kulturen sowohl physisch als auch innerhalb von Kunstwerken zu unterwerfen.

Gegen Mitte und Ende des 19. Jahrhunderts wird die Darstellung weiblicher Nacktheit provokanter und nicht nur auf mythologische oder orientalische Themen beschränkt. Ein Beispiel, das direkt von der Akademie kam, ist Thomas Couture. Als die Bourgeoisie Mitte des 19. Jahrhunderts aufstieg und Macht gegen die absolute Monarchie erlangte, schuf Couture 1847 sein berühmtestes Werk, um solche Veränderungen in der französischen Gesellschaft widerzuspiegeln: Die Römer der Dekadenz. Das Gemälde wurde zu einem der beliebtesten Salongemälde im gesamten neunzehnten Jahrhundert.

Die Dekadenz der Römer, von Thomas Couture, 1847. Musée d'Orsay

Der Titel, der die Idee der Nachsicht darstellt, ermöglicht es den bürgerlichen Zuschauern des 19. Jahrhunderts, ein Gefühl moralischer Gerechtigkeit zu erlangen, indem er sich auf eine Szene bezieht, die als Spiegelbild des städtischen Lebens während der industriellen Revolution betrachtet werden kann. Das Gemälde spiegelt die Ideale und den Geschmack der Sponsoren der oberen Mittelklasse wider und zeigt „beeindruckende Kraft“, indem es „den Betrachter mit Gewalt in eine Szene oder ein Ereignis versetzt“. Obwohl die Charaktere eindeutig an einer Orgie teilnehmen, sind sie alle so attraktiv und das Gemälde selbst ist so ähnlich wie Leonardo da Vincis Abendmahl komponiert, dass das Bild eher als Softpornostück fungiert, als dass es abfällige Konnotationen hat. Die Heuchelei, eine demoralisierende Handlung eher als Kunstwerk darzustellen, brachte jedoch viele Anschuldigungen mit sich, dass die Akademie selbst dekadent und künstlich geworden war, was dazu führte, dass viele Künstler anfingen, gegen die akademischen Standards zu rebellieren.

Anstatt Frauen zu objektivieren, gab es auch Tendenzen, weibliche Nacktheit eher als Kunstform darzustellen. Ein bemerkenswerter Maler, der im 19. Jahrhundert die akademischen Standards drastisch in Frage stellen konnte, ist Edouard Manet. Manet malte unannehmbare Szenen von Paris, "um einen Fuß in Museen und den anderen in der Modernität der Straßen zu behalten", und ermöglichte ihm, eine Schlüsselfigur innerhalb der Avantgarde-Bewegung zu werden, indem er die Lücke zwischen der traditionellen akademischen Kunst und der Kunst schloss reales Leben der modernen Pariser.

Ein Beispiel für seine Gemälde ist Olympia (1865), in dem sich die akademischen Standards so radikal geändert haben, dass das Gemälde eine fast universelle Kritik der Gesellschaft hervorrief. Olympia zeigt eine nackte Frau, die mit einem bekleideten schwarzen Diener auf ihrem Bett liegt und ihre Blumen viel klarer und lebendiger zur Seite bringt als andere Gemälde dieser Zeit, ähnlich wie ein realer Schnappschuss. TJ Clark (ein britischer Kunsthistoriker) behauptet jedoch, Olympia lehne "die zulässigen Anzeichen weiblicher Sexualität" ab. Für Clark ist die in Olympia dargestellte Nacktheit ein Zeichen der Klasse:

Mit Nacktheit meine ich jene Zeichen - diesen unterbrochenen, endlosen Kreislauf -, die besagen, dass wir nirgendwo anders sind als in einem Körper, der von ihm konstruiert wurde, indem er die Zeichen anderer Menschen enthält. (Nacktheit hingegen ist eine Reihe von Zeichen für den Glauben, dass der Körper uns gehört, eine große Allgemeinheit, in der wir uns selbst machen oder in der Kunst das Abstrakte belassen.)
Olympia, Edouard Manet, 1865

Mit anderen Worten, Clark erklärt, dass die in Olympia dargestellte Nacktheit über die physische Repräsentation des Körpers einer Frau hinausgeht und vielmehr die historische, soziale und kulturelle Existenz von sich selbst verkörpert.

Darüber hinaus beruht der Hauptgrund für Olympia nicht auf dem Wunsch, eine Frau aus der unteren Klasse als Prostituierte darzustellen, weshalb so viele Menschen gegen Olympia waren. Das Gemälde entspringt vielmehr dem Wunsch, die Wildheit hervorzuheben, die in der französischen Zivilisation zu der Zeit herrschte, als die Franzosen in anderen Ländern, hauptsächlich in Afrika und Indochina, große Ambitionen auf imperiale Eroberung hatten.

Da Olympia weiß und ihre Dienerin schwarz ist, wollte Manet wohl die Ungleichheiten von Rasse, Geschlecht und Klasse darstellen, die der europäischen Kultur innewohnen. In gewisser Weise zeigt das Gemälde die Heuchelei hinter der Akzeptanz des Orientalismus in Westeuropa, die möglicherweise die meisten Franzosen verärgert, indem sie ihre eigene Unmenschlichkeit offenbaren, die nur mit östlichen Kulturen in Verbindung gebracht wurde. So wurde Manet zum Symbol der Freiheit und stellte die moderne Gesellschaft so dar, wie sie ist, ohne sich an gesellschaftliche Standards zu halten. Dies löste in den 1860er Jahren eine Gruppe junger Künstler aus, die Manets Ansatz verfolgten und sich durch Kunst auf die politischen und sozialen Dimensionen der Gesellschaft konzentrierten.

Wenn man bedenkt, wie die Prostitution von den Gesellschaften des antiken Griechenlands und Frankreichs verarbeitet wurde, kann dies einen Kontrast zwischen den Arten von Normen aufzeigen, die die Rolle der nackten weiblichen Form in der Malerei betreffen. Prostitution und die Verwendung der weiblichen Form für explizit erotische und erfreuliche Zwecke waren wohl die Hauptmotive für die Darstellung der weiblichen Form in Gemälden weiblicher Prostituierter oder Entertainer auf Vasen, die im antiken Griechenland als „Hetaira“ bekannt sind.

Die Art der Darstellung weiblicher Nacktheit während der archaischen Periode der griechischen Geschichte bildete die der Obszönität. Die Rolle der weiblichen Form, die auf diesen Vasen als hauptsächlich erotisch oder obszön dargestellt wird, wird durch die auffälligen Kontexte unterstützt, mit denen diese Vasen häufig in Verbindung gebracht wurden, durch ihre Häufigkeit und durch ihre billige Konstruktion in Terrakotta-Medium. Darüber hinaus scheint die Idee, dass diese Vasen häufig in die Aktivitäten des Symposiums einbezogen wurden, einem Bereich, in dem nur männliche Gäste nur eingeschränkten Zugang haben und der das Trinken beinhaltete, diese Idee der Obszönität dieser Darstellungen zu unterstützen, da Erotik zur Feier des Festes beitragen würde Atmosphäre des Symposiums.

Es ist jedoch interessant festzustellen, dass es während der klassischen Periode eine Verschiebung von dieser hauptsächlich obszönen Verwendung des weiblichen Akts zu einer künstlerischeren Verwendung zu geben scheint. Diese Verschiebung scheint durch eine rückläufige Nachfrage nach Vasen mit Hetaira von griechischen Frauen motiviert zu sein, die stattdessen Vasen für ihren Haushalt suchten. Aufgrund der Natur dieser Forderung erfolgte die Normalisierung der Darstellung des weiblichen Akts - dh der nicht-sexuellen Darstellung des weiblichen Akts - in Vasen, in denen nackte Frauen in gewöhnlichen Alltagssituationen dargestellt wurden: Baden, Brautbäder oder Anziehen. Die Platzierung weiblicher Statuen an wichtigen monumentalen und öffentlichen Orten weist ebenfalls auf eine solche Verschiebung hin.

Im Vergleich dazu folgen die sich ändernden Normen zur Darstellung des weiblichen Akts in der französischen Gesellschaft einem ähnlichen Trend zu einer größeren öffentlichen Akzeptanz des weiblichen Akts als Kunstform und nicht zu Obszönität, insbesondere im Hinblick auf die Assoziation des weiblichen Akts mit der Prostitution. Während die Gesellschaft des antiken Griechenland eine Veränderung in der Hauptverwendung der weiblichen Aktform von obszön (die Hetaira auf den Vasen) zu künstlerisch sah, fiel dies mit einer größeren Forderung der Frauen zusammen, künstlerische Darstellungen von sich selbst im Haushalt zu sehen, die Veränderung Dies geschah in der französischen Gesellschaft und betraf die genauen Normen, die vorschrieben, ob eine Darstellung des weiblichen Akts als obszön oder künstlerisch anzusehen ist. Die Übergänge bezüglich des künstlerischen Wertes oder der Breite der weiblichen Aktform verlaufen parallel zueinander in dem Sinne, dass von Männern dominierte Kontexte zunächst die Normen für die Darstellung weiblicher Nacktheit bestimmen. In Griechenland hat die Verwendung des weiblichen Akts als obszön dazu beigetragen, die feierliche und betrunkene Atmosphäre des ausschließlich männlichen Symposiums zu verbessern.

In Frankreich wurden in einer von Männern dominierten Akademie bestimmte akzeptable Standards und Normen festgelegt, die bei künstlerischen Darstellungen der weiblichen Aktform zu beachten sind. Die strikte Einhaltung dieser Standards war anfangs wichtig für Künstler, die die weibliche Aktform in ihrer Arbeit darstellen wollten, da die formale Präsentation dieser Gemälde und der Erfolg dieser Künstler davon abhingen, dass sie in Salons gezeigt wurden. Diese Salons würden die Durchsetzung dieser Akademienormen ermöglichen. Eine solche zentrale Norm der Akademie war die Ablehnung von Elementen weiblicher Nacktheit, die Bilder von Prostitution oder sexueller Ware hervorrufen könnten. Der hervorstechende Punkt der Kontroverse über Manets Olympia ergibt sich beispielsweise daraus, wie es durch seine Darstellung solche Assoziationen der sexuellen Vermarktung hervorruft: „Manets Behandlung der Bildkonventionen des weiblichen Akts und sein Umgang mit der gemalten Oberfläche haben die Erwartungen der Salonkritiker übertroffen die 1860er Jahre, die das Bild in Bezug auf Schmutz und Krankheit, Identität der Arbeiterklasse und offensichtlich verarbeiteten Sex lesen “. Wie im antiken Griechenland ermöglichte eine Verlagerung der Kunstökonomie in Frankreich hin zu einem freieren Markt Künstlern wie Manet, die die Normen der Akademie und die traditionelle Technik in den Darstellungen des weiblichen Akts ablehnten, zu gedeihen und an Bedeutung zu gewinnen.

Ebenso manifestiert sich diese Neudefinition von Normen rund um die künstlerische Darstellung des weiblichen Aktes auch im Thema Baden. Wie bereits erwähnt, markiert die historische Darstellung von Frauen, die in der klassischen Periode der griechischen Geschichte auf Vasen badeten, den Beginn einer der Möglichkeiten, wie sich die weibliche Nacktheit im Vergleich zu den früheren Darstellungen von Hetaira auf den Vasen der archaischen Zeit normalisierte.

Hier änderte sich die Verschiebung der Normen in Abhängigkeit vom Thema der Darstellung der weiblichen Nacktheit und ihrer Assoziationen. In der späteren französischen Gesellschaft wurden die Normen, die den richtigen künstlerischen Ausdruck weiblicher Nacktheit vorschreiben, durch die Festlegung von Akademiestandards, möglicherweise künstlich, nuancierter. In dieser Zeit wurden die Technik und der Inhalt der Kunst selbst (Positionierung der Frauen, ihre Schönheit usw.) wichtiger, um Normen zu signalisieren, die die künstlerische Darstellung des weiblichen Akts im Vergleichskontext der Frauen (Hetaira vs. Alltag) betreffen Kontext). Dies zeigt, wie die französischen Normen Gemälde unterscheiden können, die Frauen darstellen, die als obszön oder künstlerisch baden, obwohl beide Gemälde den weiblichen Akt im selben Kontext festhalten.

Um die Auswirkungen dieser Normen zu sehen, sollten Sie sich überlegen, wie unterschiedlich die französische Öffentlichkeit und die Akademie Gemälde wie Ingres 'The Turkish Bath im Vergleich zu Degas' The Tub oder Cézannes The Bathers erhalten haben. Bei der Schaffung des türkischen Bades beobachtete Ingres eine Reihe von Normen, die die Darstellung der weiblichen Aktform betrafen: die Einhaltung eines klassischen Stils, die Verwendung eines orientalischen Kontexts, um ein Gefühl kultureller oder gesellschaftlicher Distanz zu schaffen, sowie ideale Darstellungen und eine vernünftige Positionierung von Frauen.

Jean Auguste Dominique Ingres (Französisch, The Turkish Bath, 1862) Öl auf Leinwand

Im Gegensatz dazu verstößt Degas 'The Tub gegen all diese Normen, da es eine Frau von hinten in einer ungünstigen geduckten Position einfängt. In diesem Fall scheint die Position der Frau und des Betrachters eine voyeuristische Beziehung zu schaffen, die aufgrund dieses Umstands als unangenehm angesehen wird. Die Form der Kunst ist auch nicht klassisch oder idealisiert, sondern rau und geschliffen und verkörpert ein impressionistisches Gefühl.

Edgar Degas, Die Wanne, (1886)

Schließlich gelingt es Degas kritisch nicht, das Thema - die nackte Frau - in einen entfernteren, orientalischen Kontext umzuleiten. Angesichts der obigen Diskussion über die Bedeutung des Orientalismus in Bezug auf eine Geschichte des europäischen Imperialismus und die Unterwerfung und Doktrin der Minderwertigkeit gegenüber anderen Kulturen trug Degas 'Fehlen, dem Gemälde einen orientalischen Kontext zu erklären, dazu bei, die wahrgenommene Unangemessenheit seiner Darstellung von zu verstärken der weibliche Akt.

Cézannes Stück The Bathers bricht in seinem Mangel an Klassizismus ähnliche Normen wie Degas 'The Tub. Ein einzigartiger Aspekt von The Bathers zeigt sich jedoch in seiner abstrakten Qualität: Die Frauen haben keine besonderen Merkmale und ihre Proportionen scheinen verzerrt zu sein, um der Dynamik der Bäume in der Umgebung zu entsprechen. In jedem Fall haben das Auftreten und der Erfolg von Malern wie Degas und Cézanne und ihre Darstellungen des weiblichen Aktes unter Verstoß gegen die vorgeschriebenen Normen der Akademie dazu beigetragen, die anerkannten künstlerischen Normen in Bezug auf die Darstellung des weiblichen Akts zu erweitern .

Letztendlich werden die Motivationen und die Akzeptanz hinter nudistischen Kunstwerken in der Gesellschaft eindeutig von einer erhöhten politischen Freiheit beeinflusst. Bei nudistischen Frauengemälden bedeutet politische Freiheit nicht unbedingt Freiheit für das Land, sondern mehr politische und soziale Freiheit im Vergleich zu Männern - mehr Gleichheit. Im Falle Griechenlands trug die Bildung der athenischen Demokratie dazu bei, die Schaffung von Nacktheit als Kunstform voranzutreiben, jedoch nur solche, die sich auf Männlichkeit beziehen. Da Frauen immer noch herabgesehen wurden, wurden alle Kunstformen, die weibliche Nacktheit darstellen, mit Viktimisierung oder Prostitution in Verbindung gebracht. Als jedoch Frauen während der Regierungszeit von Alexander dem Großen mehr Rechte erlangten, wurde Nacktheit in griechischen Vasen allgemeiner und ein Symbol für Wohlwollen bei der Suche eines Paares nach Fortpflanzung. Auch in Italien ermöglichte die Zeit des Friedens und der Freiheit, dass die FKK-Kunstform durch die Geburt der Venus, die ohne religiöse Absichten geschaffen wurde, erneut stimuliert wurde.

Schließlich haben beide Aktkunstformen in Griechenland und Italien dazu beigetragen, dass französische neoklassische Maler im frühen neunzehnten Jahrhundert nackte Frauen porträtieren konnten, solange es eine Entschuldigung wie religiöse oder orientalische gab. Als Frankreich begann, auch mehr Freiheit von der Regierung zu erlangen, konnten Maler in ihren Gemälden mehr Promiskuität ausdrücken und realistischere Darstellungen regulärer Frauen darstellen. Die Alltäglichkeit solcher Gemälde trug dazu bei, dass die Aktdarstellungen von Frauen viel mehr akzeptiert wurden, was die Schaffung avantgardistischerer Maler wie der impressionistischen und postimpressionistischen Bewegungen ermöglichte, die die Ungleichheiten der Gesellschaft freier darstellen konnten. Wenn man die Akzeptanz weiblicher FKK-Gemälde als Ganzes betrachtet, hat die Freiheit, die mit der Macht für Frauen einherging, zusammen mit der zunehmenden Akzeptanz realistischer Darstellungen von Frauen in der Malerei dazu beigetragen, dass weiblicher Nudismus eher zu einer Form des Ausdrucks von Idealen und Botschaften als zu einer Form von Sexualität wurde.