Veröffentlicht am 09-09-2019

Was die Kunstwelt jetzt braucht…

… Ist ein digitaler Schlag in den Kopf.

Kunst von Raul Avila bei dada.nyc

Von Yehudit Mam

Die New York Times organisiert noch in diesem Jahr eine Konferenz mit dem Titel Art Leaders Network in Berlin. Ein Blick auf die Rednerliste zeigt Ihnen so ziemlich alles, was Sie heute über die Mainstream-Kunstwelt wissen müssen.

Anscheinend können sich Künstler an dieser Stelle nicht einmal als „Kunstführer“ bezeichnen. Von 29 Sprechern sind nur zwei Künstler: Ai Wei Wei und Olafur Eliasson, im Grunde die beiden berühmtesten Künstler der Welt. Der Rest sind Bigwigs wie wichtige Museumsdirektoren, prominente Galeristen, Kuratoren und Kunsthändler. Die Website verspricht weitere Sprecher, die angekündigt werden. Wir hoffen, dass sie sich ein paar weitere Künstler anschleichen. Hoffentlich nicht alle Leute. Hoffentlich in verschiedenen Farben.

Von 31 Sprechern sind nur 8 Frauen. Zumindest hat die Kunstwelt etwas mit dem Rest der Welt gemeinsam: einen Mangel an gleicher Geschlechtervertretung. Von allen menschlichen Unternehmungen, in denen Frauen unterrepräsentiert sind, ist der kreative Sektor eines der verwirrendsten. Man könnte solche Dinge in Berufen verstehen, die brachiale Kraft erfordern, aber Frauen in der Kunst zurückhalten? Welche mögliche Entschuldigung gibt es? Um die Diskrepanz zwischen den Rednern auszugleichen, sind drei der fünf Moderatoren auf der Konferenz Frauen. Hurra.

Diese Konferenz hat ein Namensproblem. Ein genauerer Name wäre "The Business of Art Network" oder "The Big Machers in Art Network". Der unglückliche Name weist jedoch darauf hin, was mit der heutigen Kunstwelt nicht stimmt. Ein Netzwerk von Kunstführern sollte ein Netzwerk von Künstlern sein. Die Menschen, die sich für Künstler einsetzen, sie sammeln, sie salben oder ignorieren, ihre Preise erhöhen und sie vermarkten, sind für dieses spezielle Ökosystem zweifellos unverzichtbar, aber nur Künstler können Kunstführer sein. Wir haben ein Stadium erreicht, in dem das Kunstgeschäft erfolgreich Kunst zu einer einschüchternden Festung des Reichtums und der Verbindungen gemacht hat, die die große Mehrheit der Menschen und Künstler entfremdet. Wie kann das für die Kunst gut sein?

Visuelle Konversation bei dada.nyc von Beatriz Ramos und Vanesa Stati

Der Konsum von Kunst war schon immer elitär. Nur in der Neuzeit war Kunst für die Massen verfügbar. Früher konnte Kunst hauptsächlich von gewöhnlichen Menschen in der Kirche gesehen werden. Damals hat die Erfindung der Druckmaschine und die Einführung öffentlicher Kunstmuseen dazu beigetragen, und heute ist das Internet der größte Speicher für Kunstbilder. Kunst, egal ob sie geschaffen oder gekauft wird, ist jedoch immer noch kein Teil des Lebens der allermeisten Menschen. Die Teilnehmer an dieser Veranstaltung tragen einen großen Teil der Schuld. Museen erheben hohe Eintrittsgebühren. Kunstmessen erheben auch Gebühren und halten die breite Öffentlichkeit durch ihre schiere Widerlichkeit davon ab, daran teilzunehmen (erkundigen Sie sich nach dem Preis von etwas, das Sie auf einer Kunstmesse mögen). Kunstgalerien sind kostenlos und für die Öffentlichkeit zugänglich, aber niemand hat wirklich gemeinsame Anstrengungen unternommen, um die Menschen zu ermutigen, sie zu besuchen oder die Bedeutung der Kunst für die Gesellschaft zu beleuchten. In den USA schließen die Schulen ihre Kunstprogramme. Diese „Kunstführer“ sollten Kunstprogramme an Schulen finanzieren oder zumindest die Regierung dazu auffordern, Kunstprogramme zu finanzieren, und sie sollten Kunst für Menschen leichter verfügbar und erschwinglicher machen, wenn nicht für sie, um sie zu besitzen oder zu genießen.

Das erste Podium der Konferenz ist „Kunst in einer populistischen Zeit“. Ich bin aufrichtig gespannt, ob dies eine Diskussion im Sinne von „Jeder hasst uns, denn wir sind die 1%, aber wen interessiert das, solange die Preise steigen“ oder „Was können wir tun, um Kunst relevant und essentiell zu machen?“ Sein wird und erschwinglich für die großen ungewaschenen "? Auf der Tagesordnung stehen Auktionshäuser, Megahändler gegen Galerien und bescheidene kleine Interstitials mit Künstlerpräsentationen. Zumindest gibt es auch eine Diskussionsrunde zu Kunst im Zeitalter der Technologie und eine zur virtuellen Realität. Und natürlich gibt es ein Galadinner.

Kurznachricht: Wir leben im Zeitalter des Megadealers

Ein Artikel von Scott Reyburn in der New York Times beschreibt, wie digitale Auktionen, Apps und der digitale Verkauf von Kunst langsam beginnen, diese unangreifbare Domäne zu stören. Der Titel des Artikels? Kann die digitale Technologie die Kunstwelt eröffnen? Das ist traurig. Für eine Branche, die von der Arbeit der Künstler profitiert, derjenigen, die an der Spitze der menschlichen Freiheit stehen sollen, ist die Kunstwelt hartnäckig undurchsichtig, unerreichbar und veränderungsresistent. Es ist nicht im Interesse des Status quo, der von den mächtigen Rednern des Art Leaders Network wirklich gut vertreten wird, Dinge zu ändern. Warum sollte man sich die Mühe machen, wenn man mit einigen ausgewählten Künstlern Millionen von Dollar einbringt? Die Kunstwelt ist bekanntermaßen für niemanden unfreundlich, der keine Verbindungen oder große Geldsummen hat. Jetzt, da es Apps gibt, mit denen Sammler die Preise auf Kunstmessen erfahren können, haben es einige Leute nicht.

Ein typischer Sammler, der im Artikel zitiert wird, sagt:

„Warum sollte ich Artsy oder Magnus benutzen? Ich habe Zugang zu den Preisen “, sagte… ein in Brüssel ansässiger Sammler, der mindestens 20 Messen für zeitgenössische Kunst pro Jahr besucht. „Wenn Sie zu viel Transparenz auf den Markt bringen, riskieren Sie, die Mythenmaschine zu beschädigen, die die Preise so hoch macht… Sie sind nicht länger Teil einer Clique. Kunst wird zur gewöhnlichen Sache. “

Was wissen wir? Wir denken, dass Kunst eher eine gemeinsame Sache sein sollte.

Visuelles Gespräch bei dada.nyc von Boris Toledo Doorm und Brian Mosch

Es gibt ein unvermeidliches Paradoxon im Kunsthandel: Sammler verlangen nach Kunst, die einzigartig ist. Nachfrage lebt von Seltenheit. Dies gilt sowohl in der analogen als auch in der aufstrebenden digitalen Kunstwelt (jemand zahlt sechs Ziffern für eine einzigartige Kryptokitty). Kunst muss aber kein Luxus sein. Seltenheit bedeutet nicht unbedingt Exklusivität - jeder kann eine Cryptokitty sammeln - und es müssen auch keine stratosphärischen Preise gemeint sein. In der seltenen digitalen Welt haben mehr Menschen Zugang zu den Erfahrungen des Kunstsammelns als jemals zuvor. Mehr Künstler können endlich ein Publikum erreichen und Wohlstand schaffen. Das ist eine Realität.

Es entstehen digitale Netzwerke, in denen die Künstler die Hauptrolle spielen und jeder Sammler sein kann. Jeder kann an einer Kunstauktion teilnehmen. Jeder kann sich für einen Künstler einsetzen. Jeder kann herausfinden, was der Preis für ein Kunstwerk ist, denn es ist für die ganze Welt sichtbar. Cryptoart ist aufregend, weil es sowohl für Künstler als auch für Sammler eine tragfähige, demokratischere und gerechtere Alternative zum Status Quo darstellt. Wie Reyburn feststellt: „Mythen und Mystik könnten die Preise im Moment hoch halten. Aber früher oder später muss das Kunstgeschäft einen Weg finden, die nächste Generation von Käufern zu gewinnen. Und diese Generation ist nicht analog, sondern digital. “

Siehe auch

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