Veröffentlicht am 12-09-2019

Wenn Performance-Kunst zu weit geht

Warum gehen Künstler zu makabren Längen, um aufzutreten?

Terry Notary tritt als Affe in Ruben Östlunds

Performancekunst ist so alt wie die Zeit selbst: Die ersten musikalischen Aufführungen in menschlichen Gesellschaften finden bereits in der späten geologischen Periode statt, während Archäologen die Ursprünge von Tanzformen bis mindestens 3300 v. Chr. Dokumentierten. Die Bhimbetka-Höhlenmalereien in Zentralindien sind vielleicht die ältesten nachgewiesenen Ausdrucksformen menschlicher Leistung, aber es wäre nicht verwunderlich anzunehmen, dass Menschen, anders als bei anderen Kunstformen, nicht viel früher mit ihrer Leistung beginnen konnten, wenn man bedenkt, dass Performance-Kunst keine direkten Spuren hinterlassen könnte seine Existenz bis vor kurzem.

Der Grund, warum ich kurz in die Geschichte der menschlichen Leistung eintauche, ist ein kürzlich von mir gesehener schwedischer Film namens The Square, der in diesem Jahr für einen Oscar in der Kategorie Ausländischer Film nominiert wurde. Es ging schließlich gegen den chilenischen Film A Fantastic Woman verloren, aber egal, der Oscar - The Square ist ein köstlicher und surrealer Cocktail mit ballardischen Ausmaßen. Es zeichnet die komischen Ereignisse im Leben eines Museumskurators für zeitgenössische Kunst, Christian (Claes Bang), nach, nachdem eines Tages sein Handy gestohlen wurde. Christians Versuche, zum Dieb zurückzukehren, sind mit Ausschnitten über sein Museum, das X-Royal (ehemals schwedischer Königspalast), verwoben, das die Eröffnung einer neuen Ausstellung plant - des gleichnamigen Platzes, der vom Titel vorgeschlagen wird.

Eine satirische Introspektion von Regisseur Ruben Östlund über den Stand der zeitgenössischen Kunst, die Grenzen der Performance und wie eine Installation oder ein Performance-Raum unsere Sicht auf die Bedeutung von Kunst verändert. The Square ist eine kunstvolle Geschichte, die mit Sinn für Humor erzählt wird - aber Eine bestimmte Szene fiel mir auf - auch deshalb, weil ich mich gezwungen fühlte, hier darüber zu schreiben. Terry Notary, ein Schauspieler, der die Bewegungen von Tieren für Rollen in Filmen wie Avatar und Planets of the Apes genau studiert hat, wird während einer Spendenaktion für das Museum zum Affen. Es ist ein exquisiter und zutiefst beunruhigender Ausschnitt über Performance-Kunst, die die Normalität überschreitet, um beim Publikum eine Reaktion hervorzurufen.

So brillant diese Szene auch ist, sie hat mich zum Nachdenken gebracht, warum ein Performancekünstler sich für so etwas entschieden hat. Ist es einfach eine Provokation? Beachtung? Wahrscheinlich. Schließlich möchte fast jede Kunst die Aufmerksamkeit auf sich ziehen, und es besteht kaum ein Zweifel, dass eine derart entzündliche Darbietung die Menschen zum Sprechen bringen und damit die Aufmerksamkeit auf die Themen eines Künstlers lenken würde, aber es gibt noch mehr. Im Laufe der Zeit und unter Einbeziehung der Performancekunst als akademische Disziplin haben Künstler versucht, von den Zielen der frühen Performancekunst abzuweichen - die ritueller Natur war oder Unterhaltung, Bildung oder beides bieten sollte. Es ist vom rein physischen zum symbolischen Zustand übergegangen, wobei moderne Künstler sich mit der Beziehung zwischen Publikum und Körper auseinandersetzen und untersuchen, wie diese Beziehung für immer im Fluss ist, wobei sowohl dem Künstler als auch dem Performer ein unterschiedlicher Grad an Entscheidungsfreiheit zur Verfügung steht. Das soll nicht heißen, dass die frühe Performance-Kunst ihren Zuschauern keine Handlungsfreiheit verlieh, aber im Laufe des letzten Jahrhunderts haben sich die Performance-Künstler bewusst darum bemüht.

Zum Beispiel verleiht der Künstler in der oben genannten Szene, die tatsächlich bis ins letzte Detail im Film choreografiert wurde, dem Publikum ein unvergleichliches Gefühl der Entscheidungsfreiheit. Das Publikum könnte sich dafür entscheiden, dort zu sitzen und passiv zu bleiben, oder es könnte sich dem Affen stellen. In diesem Fall würde es uns mehr über das Publikum als über die Aufführung selbst erzählen. Während des gesamten 20. Jahrhunderts haben Performancekünstler versucht, dies auf drastischere Weise zu tun - mit Wurzeln in der anarchistischen dadaistischen Bewegung - und den Betrachter Teil der Performance selbst werden zu lassen.

Dies hat zu einigen beunruhigenden Ergebnissen geführt, wie The Square-Direktor Ruben Östlund der New York Times erklärte. Die "Affenszene", sagte er, basiert auf dem Performance-Stück des russischen Künstlers Oleg Kulik, der vor etwa zwanzig Jahren die schwedische Kunstbruderschaft schockierte, indem er sich auf das Bein der Tochter eines renommierten Museumskurators beißte Er bekam Ärger mit der Polizei. Er spielte einen Hund oder war einer geworden, was bei seinem Auftritt bei SoHo in Manhattan noch deutlicher wurde. Hier lehnte er es ab, als Künstler Oleg Kulik gesehen zu werden, und blieb während seines gesamten Aufenthalts in den USA ein Hund, von der Zeit, als er den Zoll am Kennedy-Flughafen durchlief, bis zu dem Moment, als er einen Flug nach Europa bestieg. Mit einem Hundemantel, einem Halsband, einer Leine und einem Maulkorb wollte Kulik mit seinem „bewussten Sturz aus dem menschlichen Horizont“ auf das aufmerksam machen, was er als „künstliche Barrieren“ bezeichnete, die von der zeitgenössischen Kultur geschaffen wurden. Kulik glaubte, die überaus raffinierte kulturelle Sprache der Kunstwelt habe keinen Raum für den Ausdruck einfacher Emotionen gelassen, und indem er sich auf das Vokabular eines Hundes beschränkte, hoffte er, dieses überflüssige Konstrukt zu überwinden und auf einer viszeraleren Ebene zu kommunizieren.

Andere Künstler haben aus anderen Gründen ähnliche Anstrengungen unternommen. Die serbische Künstlerin Marina Abramović, die sich in ihren Arbeiten häufig mit Fragen der Weiblichkeit und der menschlichen Beziehung befasst, hat mit ihren Rhythm Performances die dunklere Seite ihres Publikums entlarvt. Bei ihrer ersten Aufführung dieser Serie in der Heimatstadt Belgrad im Jahr 1974 setzte Abramović ihr Leben aufs Spiel, indem er 72 Gegenstände - darunter ein Messer und eine geladene Waffe - an einen Tisch vor sich stellte und das Publikum einlud, mit ihr zu tun wie sie mit den werkzeugen zufrieden waren. Während es als schüchternes Experiment begann, entwickelte es sich schnell zu einer starken Darstellung menschlicher Verderbtheit, bei der die Zuschauer ihre Kleidung abrissen und sie erstachen, wobei ein Mitglied sogar damit drohte, sie mit der Waffe zu töten.

„Ich hatte eine Pistole mit Kugeln drin, meine Liebe. Ich war bereit zu sterben “, erinnerte sie sich 2014.„ Wie viel Glück ich habe. “

Tatsächlich. Im selben Jahr nach ihrem ersten Auftritt in Rhythm 5 wäre sie beinahe gestorben, nachdem sie sich mitten in einen brennenden kommunistischen roten Stern geworfen hatte, bevor die Zuschauer sie retteten und ins Krankenhaus brachten. Als sie ihren Auftritt in die Vereinigten Staaten brachte, wurde sie von Fox News als „eine in Jugoslawien geborene Provokateurin“ beschimpft, die es nicht schaffte, ihre Leistung in den Schatten zu stellen. Die „Großmutter der Performance-Kunst“, wie die mittlerweile 71-jährige Künstlerin von ihren Fans liebevoll genannt wird, ist jedoch von einer solchen Lächerlichkeit völlig unberührt geblieben schamanisches engagement für performance art.

Marina Abramović während eines Auftritts 1983. (Foto von Luciano / Flickr)

Abramović ist nicht einmal der einzige Performancekünstler, bei dem es um Selbstverletzung und Masochismus geht. Der in London lebende Performancekünstler und HIV-Aktivist Ron Athey ist dafür bekannt, dass er extreme Schmerzen verursacht, um die Aufmerksamkeit auf Themen zu lenken, die seine Arbeit durchdringen - Männlichkeit, sexuelles Verlangen und Trauma. Die meisten seiner Auftritte sind für den Laien zu brutal, aber Self Obliteration ist vielleicht auch seine esoterischste Leistung. Während der Vorstellung saß der HIV-positive Athey nackt in einer Glasschachtel mit einer Perücke auf dem Kopf, unter der sich Nadeln befanden. Als er die Perücke vor seinem Publikum bürstete, spritzte Blut von seiner Kopfhaut auf die Glaswände. Es war so extrem, dass Athey in den 1990er Jahren zum Aushängeschild der amerikanischen Rechten wurde, die ihn benutzten, um die Avantgarde-Kunst anzugreifen - die für gottesfürchtige Amerikaner als zu unangenehm und unmoralisch angesehen wurde. Auf die ironischste Weise verbreiteten nachfolgende Auftritte von Athey jedoch weiterhin den Diskurs über HIV - und zwar auf die ursprünglich beabsichtigte Weise -, wobei der Künstler AA Ronson Athey als den Christus von AIDS begrüßte.

"Es gibt ein echtes spirituelles Feuer in Ron Atheys Performances, von dem wir uns nicht abwenden können. Die Aufführung ist ein Ritual, und das Blut - sein HIV-positives Blut - ist die Eucharistie, die dieses Ereignis in Gemeinschaft verwandelt - das Publikum wird transformiert. “

Das Beharren darauf, dass das Publikum „transformiert“ wird, ist für die Werke dieser Künstler von zentraler Bedeutung. Schock und Provokation mögen den unsteten Appetit erfüllen, den das Publikum immer für makaber zu haben scheint, aber das ist nicht die treibende Kraft für diese Künstler. Was sie am meisten motiviert, ist ihr Glaube an die Idee, dass das Publikum an der Aufführung teilnehmen muss, damit ihre Kunst vollständig wird. Abramović, Kulik und Athey sind alle daran interessiert, das Publikum für Kunst zu begeistern oder ihnen mehr als eine kathartische Erfahrung zu bieten, die die Moral und die traditionellen Sichtweisen der Kunst übersteigt und nur ein Mittel ist, um Vergnügen und Unterhaltung zu bieten. Es ist eine Kugel, die in den konservativen Begriff von "Kunst um der Kunst willen" reißt und stattdessen die Aufführung von Kunst zu einem gemeinschaftlichen Ereignis macht - offen für alle, die daran teilnehmen und sich verwandeln möchten.

Es hat aber auch eine politische Funktion. Diese Performances lehnen aufgrund ihrer Art, Anti-Tradition zu sein, die Zwangsjacke der Kunst als Repräsentant des Status quo und ihrer Paradigmen von Natur aus ab. Alle diese Künstler kommen aus den Randgebieten der Mainstream-Gesellschaft - einige von ihnen entziehen sich sehr traumatischen Kindheiten - um Räume zu schaffen, die für alternative Diskurse lebensfähiger sind. Indem sie den Begriff der sicheren Kunst durchstechen, können diese Performancekünstler ihrem Publikum gleichzeitig helfen, Räume zu betreten, in denen selbst die radikalsten Ideen sorgfältig überlegt und nicht verpönt werden. In einigen Fällen ist die Politik der Leistung subtil - und in anderen Fällen laut und direkt -, aber sie sind in ihren politischen Grundlagen so gut wie nie steril.

Ein aktuelles und eindringliches Beispiel für die politische Funktion der Performance-Kunst sind die Arbeiten des jungen russischen Dissenskünstlers Pjotr ​​Pawlenski, der sein Hodensack 2013 aus Protest gegen „Apathie, politische Gleichgültigkeit und Fatalismus“ auf das eisige Kopfsteinpflaster des Moskauer Roten Platzes genagelt hat der modernen russischen Gesellschaft. “Die risikoreiche Aufführung war - im Gegensatz zu den anderen hier erwähnten Aufführungen - rein politisch, da sie nicht in einem Galerieraum stattfand und zuvor nicht beworben wurde. Hier erwarteten die Zuschauer - die Polizisten, die den Nagel entfernten und Pawlenski ins Krankenhaus brachten, um ihn später wegen „Rowdytums, das durch Hass gegen eine bestimmte soziale, ethnische oder religiöse Gruppe motiviert war“, zu beschuldigen - nicht einmal eine Aufführung, sondern wurden unwissend nimmt an der Aufführung teil. Pavlensky protestierte gegen die Autorität, indem er ihre Agenten in seinen Diskurs und zu seinen eigenen Bedingungen einbezog.

Der russische Dissenskünstler hatte sich zuvor nackt in einen Stacheldraht gewickelt und sogar die Lippen zugenäht, und hier versuchte Pavlensky, das Erbe des Raumes - den Roten Platz - zu zitieren, um seine Performance, das Publikum und den Raum zu transformieren, alles ohne Kunstmuseen , Kuratoren oder die Notwendigkeit von Aufführungsräumen.

„Wenn ich so eine Aufführung mache, verlasse ich nie den Ort. Es ist mir wichtig, dass ich dort bleibe. Die Behörden befinden sich in einer Sackgasse und wissen nicht, was sie tun sollen. Sie können die Person nicht auffordern, ein Quadrat zu verlassen, da sie an das Quadrat genagelt ist.
Pjotr ​​Pawlenski bei einem weiteren seiner Protestauftritte in Moskau zwei Jahre nach dem Hodensackgesetz. (Foto von Missoksana / Wikipedia Commons)

Es ist kein Wunder, dass Pawlenski, als er kurz davor stand, wegen seines Auftrittes auf dem Roten Platz verhaftet zu werden, sich entschied, Vertrauen in seine Kunst zu setzen, anstatt zu versuchen, sich den Behörden zu entziehen.

"Ich denke, das hätte alles diskreditiert, was ich zuvor getan habe, wenn ich mich beim ersten Anzeichen von Gefahr versteckt hätte", sagte er. Pavlenskys Engagement für seine Kunst ermöglichte es ihm, die Konsequenzen seines Handelns zu überleben.

„Ich habe mich entschieden, eine Position der Stärke einzunehmen, weil es nichts zu befürchten gibt. Sie können Angst haben, wenn Sie sich an etwas schuldig fühlen und ich nicht. Alles, was die Behörden gegen mich tun, bedeutet, sich selbst zu diskreditieren. Je mehr sie mit mir machen, desto schlimmer machen sie es für sich. “

Dies ist der andere rote Faden bei den Arbeiten der hier genannten Künstler. Sie alle wissen, dass die Konsequenzen ihrer Darbietungen zu tragischen Ergebnissen führen können, aber das hindert sie nie daran, ihre Kunst darzustellen. Wenn überhaupt, ist es weiterhin das Licht, das sie leitet. Wenn die russischen Behörden in Pavlenskys Fall den Künstler nicht mit Anklage verfolgt hätten, wäre seine Tat als Misserfolg gewertet worden.

Natürlich könnte eine Taktik, die nur provoziert, Künstler irreführen, und es hat in den letzten hundert Jahren viele Fälle gegeben, in denen Performance-Künstler als zu weit gegangen angesehen wurden. Wo ziehen wir die Grenze für Künstler - so imaginär es auch sein mag? Umso strittiger wird es in der heutigen Zeit, wenn das Bedürfnis nach Aufmerksamkeit so übertrieben ist, dass einige Künstler nur provoziert werden müssen, um auf sich aufmerksam zu machen. Leider gibt es keine einfache Antwort darauf - aber das ist die Natur der Kunst. Schließlich ist Performance-Kunst - wie andere Kunstformen auch - subjektiv, und was für den einen als genial erscheint, kann vom anderen verleumdet werden, und es gibt keinen klaren Weg, um zu bestimmen, was Kunst wirklich ausmacht.

Abgesehen davon ist die Zeitlosigkeit der wahren Kunst tiefgreifend. Es ist immer - immer - der Test der Zeit. Sogar mit dem unerbittlichen Austoben von Performance-Stücken in diesen hektischen Zeiten wird Kunst, die das Publikum wirklich belebt oder ihm bisher ungesehene Einblicke gewährt, inmitten des Mittelmaßes erblühen und sich prächtig zeigen. Provokation wirkt ein oder zwei Tage und kann dem Künstler sogar die Aufmerksamkeit schenken, nach der er sich sehnt, aber es wird keine spürbaren Auswirkungen auf die Zuschauer haben - eine Priorität für diese Performancekünstler. Alle hier genannten Künstler haben - auf die eine oder andere Weise - nicht nur in der Performance-Kunst die Weichen gestellt, sondern auch den Bedarf an solchen Arbeiten erfolgreich verstärkt.

Wenn ein Stück Performance-Kunst nur provozieren will und keine echte „Transformation“ in seinem Publikum hervorruft, wird es - notwendigerweise unter seinem eigenen Gewicht - verdorren und sterben. Und das würde niemals das Schicksal sein, das auf wahre Kunst wartet.

Siehe auch

So zeigen Sie sich, auch nachdem Sie zerstört wurdenMeine Religion geht verlorenYo, Paid Partner Program - Ich lasse Sie fertig werden, aber - Ich schalte zuerst alle meine Geschichten freiIhre Programmierer sind Künstler, und Sie sollten sie als solche behandeln"Ein System für Kreativität?"Hin zu einem gerechten Ticketverkauf